129."Inmaculada Concepción" (1768) de Tiepolo

PINTURA ROCOCÓ: Esta óleo sobre lienzo de Giovani Battista Tiepolo es uno de los siete que que decoraba la iglesia del convento de San Pascual de Aranjuez y que hoy en día se expone en el Museo del Prado. Es la aparición de la Virgen según se narra en el capítulo del Apocalipsis: las doce estrellas coronadas por la paloma vista como el Espíritu Santo, la ascensión arropada con un manto azul celeste sobre la esfera terrestre, con una media luna a sus pies, pisando a la serpiente símbolo del Diablo y que lleva en su boca la manzana de la tentación de Adán y Eva. La Virgen es la redentora del pecado original. Esta presentación del dogma de la Inmaculada Concepción de María se entiende como el único ser humano concebido sin pecado original. Los colores son claros, suaves y la iluminación deja de lado los claroscuros del Barroco para centrarse en los tonos dorados y pastel del siglo XVIII europeo.

128."Mosaico de San Apolinar in Classe" (s.VI)

ARTES MENORES: Dentro de esta bella basílica bizantina del siglo VI y contrastando con sus desnudas paredes interiores, nos encontramos con un hermoso ejemplo de mosaico en la zona de la cuenca absidal y el frontal del arco triunfal. En este espacio encontramos a Cristo en majestad rodeado del tetramorfos y debajo doce corderos que prefiguran los apóstoles, pero en el abside encontramos una gran cruz realizada con piedras preciosas. En su parte superior una "dextera domini" y a ambos lados encontramos a los profetas Elías y Moisés. Más abajo se extiende un bello paraje verde donde hay tres corderos más que miran hacia la cruz. Son la representación de San Pedro, Santiago y Juan y representan la transfiguración de Cristo en el Monte Tábor. En la parte más inferior encontramos a San Apolinar, primer obispo de Rávena con doce ovejas blancas que representan a sus fieles. En los intersticios de las ventanas encontramos a los cuatro obispos fundadores de las principales basílicas de la ciudad: Ursicino, Orso, Severo y Ecclesio.

127."La virgen del jilguero" (1505) de Rafael

PINTURA RENACENTISTA: En los inicios del manierismo italiano, Rafael creó esta delicada obra de arte en óleo sobre tabla que actualmente se conserva en la Galeria Uffizi de Florencia. Durante su estancia en esta bella ciudad ejecutó esta virgen María, con el niño y San Juan Bautista. Fue el regalo de bodas que le hizo el genial pintor a su amigo Lorenzo Nasi. En 1548 hubo un gran terremoto quedando la casa de Nasi destrozada y esta pieza fragmentada en dieciséis trozos. Fue restaurada poco después pero aun se pueden ver las juntas. Las tres figuras se mueven dentro de un triángulo con un cierto movimiento naturalista de los personajes. La virgen sostiene un libro simbolizando la sabiduría. San Juan está ofreciendo a Jesús un jilguero que prefigura su violenta muerte futura. Destacar la técnica del "sfumato" es las caras de los niños de tradición leonardesca.

126."Arco de Septimio Severo" (203)

ARQUITECTURA ROMANA: Está ubicado en un extremo del conocido Foro Romano. Fue erigido en el 203 para celebrar las victorias militares de los emperadores Septimio Severo y sus hijos. Este gran arco está realizado en mármol y mantiene la estructura clásica de los arcos triunfales: un arco principal mayor enmarcando dos de laterales menores. Ambas fachadas tienen ricas decoraciones en columnas y capiteles y destacan los bajorrelieves en los frisos. El conjunto estaba coronado por una cuádriga de bronce conducida por el emperador y sus hijos y que actualmente no existe. En el friso superior hay una dedicatoria dedicada a los grandes emperadores romanos anteriores. Este modelo ha servido como inspiración a posteriores obras parecidas como el arco de Constantino o el del Carrusel de París.

125."Casa de las Conchas" (1493-1517)

ARQUITECTURA PLATERESCA: La famosa Casa de las Conchas salmantina es un edificio civil tardogótico con la aplicación de los nuevos elementos decorativos del incipiente plateresco renacentista con toques mudéjares. Era un palacio encargado por Rodrigo Maldonado de Talavera que en 1701 pasó a ser restaurado y ampliado para convertirse en el siglo XIX en cárcel de la universidad. El nombre lo recibe por las características 300 conchas de Santiago que decoran su exterior. En esta memorable fachada y de manera asimétrica se encuentran las ventanas góticas más bellas, realizadas con tracería y rejería, de España. No solo su belleza se encuentra en el exterior ya que su patio interior en forma de claustro con arcos mixtilíneo,s destaca por el trabajo de su artesonado y de la escalera principal. Se dice que debajo de una de esas conchas se encuentra una onza de oro.

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124."Edificio Bauhaus" (1919) de Walter Gropius

ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA: Para poder entender la Bauhaus hay que entender la filosofía de Walter Gropius. Fue el creador de este edificio y de la escuela que fundó en la ciudad de Weimar para, en pleno siglo XX, enseñar a sus alumnos a utilizar materiales modernos para hacer mobiliario y objetos funcionales. Después de un forzoso cambio de sede a la población de Dessau construyó un edificio que seguía aquella máxima de la "La forma sigue la función". El edificio se despliega en difentes espacios independientes diseñados según su función específica: aulas, talleres, viviendas, etc. Presenta una estructura racionalista basada en la arquitectura fabril que se estaba desarrollando en aquel momento, pero sin olvidar ciertos toques del renacimiento italiano. Pero como toda filosofía aplicada a los tiempos modernos no funcionó como debía y ciertas estancias no eran del gusto de los profesores por la diferencia de espacios según el rango. El uso de hormigón y acero hizo patente un nuevo estilo de construcción y un concepto del diseño que actualmente sigue estando de rabiosa actualidad.

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123."Cenotafio mortuorio de María Cristina de Austria" (1798-1805) de Antonio Canova

ESCULTURA NEOCLÁSICA: Este monumento fúnebre se encuentra en el interior de la iglesia de San Agustín de Viena. Fue un encargo de Alberto de Sajonia a Antonio Cánova con el objetivo de rendir memoria a su esposa recién fallecida. Tardó siete años en realizar esta obra basándose en unos planos que no había utilizado para realizar otro cenotafio. El tema de este conjunto escultórico es la muerte vista desde un concepto poético. Ante una gran pirámide blanca con una puerta practicable encontramos una triste procesión. Sobre el dintel de la puerta encontramos la dedicatorio del marido y encima observamos un medallón sostenido por ángeles donde está la efigie de María Cristina de Austria. El grupo de personas camina cabizbaja hacia su destino final mientras las virtudes les hacen de acompañantes ante dicho trance. La alfombra que hay a sus pies es el vínculo alegórico entre la vida y la muerte.

122."Catedral de Laon" (1155-1235)

ARQUITECTURA GÓTICA: Es uno de los primeros exponentes del gótico francés en clara evolución del románico autóctono. Esta iglesia advocada a Santa María fue construída antes de Notre-Dame de París pero después de la paradigmática abadía de Saint Denis que anunciaba el inicio de las formas góticas. Igualmente, el espacio que ocupa actualmente esta catedral ya tenía un prededente prerrománico en el año 800 cuando Carlomagno consagró aquel primer cenobio. Ya en el siglo XII y gracias a la prosperidad de la ciudad se reconstruye una nueva iglesia más monumental que fue finalizada el 1235. El interior presenta el típico alzado del primer gótico francés con cuatro niveles: arcadas, tribuna, triforio y claristorio. En la fachada occidental encontramos la estructura de torres habitual del románico normando de gran monumentalidad. Destaca la pesadez de los elementos que la conforman, pero a la vez denota un cierto gusto por la luz gracias al enorme rosetón central y un cierto interés por remarcar la portada triple de acceso con escultura decorativa.

121."La bacanal de los andrios" (1520) de Tiziano

PINTURA MANIERISTA: Esta obra fue encargada por el duque de Ferrara, en Italia, para decorar el camerino de alabastro que tenía en su palacio ducal. Esta pieza formaba parte de otras tres que tenían que decorar aquella estancia. En este lienzo que actualmente pertenece al Museo del Prado vemos una escena mitológica en forma de bacanal en honor al dios del vino Baco. Es una fiesta que se realiza en la isla de Andros y proviene de la inspiración de una obra literaria llamada "Filostrato". Tiziano enfatiza el movimiento de los personajes en una línea diagonal de izquierda a derecha. El cuadro exuda la alegría de la celebración del vino donde el desnudo y el erotismo toma cierto protagonismo. Las figuras hablan, ríen, danzan creando una compleja trama de piernas y brazos. Todo un juego de líneas típico del manierismo italiano.

120."Martirio de San Felipe" (1639) de José de Ribera

PINTURA BARROCA: En esta obra maestra y de madurez de José de Ribera nos encontramos con los preparativos del martirio que dió muerte a este santo. Encuadrado en la escuela clásica española del barroco del siglo XVII, este lienzo toma su base iconográfica de la "Leyenda áurea" de Jacobo de la Vorágine, ya que según ésta, San Felipe murió crucificado con manos y pies atados a la cruz. La composición geométrica está marcada por las diagonales visuales típicas de este período y el escorzo, bastante marcado en el movimiento de sus personajes. Lo que destaca es el potencial teatral conseguido por el uso de la luz en la piel del santo potenciando el misticismo de la escena. Diversos personajes aparecen en la escena: los verdugos atando las cuerdas, a la derecha un grupo de curiosos y a la izquierda vemos a una mujer que sostiene a su hijo en los brazos y nos mira directamente a nosotros. Esta imagen femenina ha sido considerada la alegoría de la Caridad.

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119."Calle de París, día lluvioso" (1877) de Gustave Caillebotte

PINTURA IMPRESIONISTA: Las etiquetas historiográficas utilizadas para delimitar los diversos estilos a veces nos dan problemas cuando hemos de catalogar ciertas obras de arte. Gustave Caillebotte, que aprendió su técnica pictórica dentro del realismo del siglo XIX, sufrió las influencias de grandes impresionistas como Millet o Courbet creando un tipo de pintura diferente. La intención realista en esta obra no nos deja indiferentes ante la característica de la meteorología. Los impresionistas experimentaron con una misma escena según la variabilidad atmosférica: sol, niebla, nieve... Aquí predomina la lluvia, las calles mojadas que refulgen, la magnífica perspectiva de dimensiones renacentistas y sobretodo el encuadre. Parece una instantánea tomada en pleno centro de París, en un momento en que la fotografía empezaba a infuenciar a la pintura.

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118."Dama de Auxerre" (s.VII a.C.)

ESCULTURA GRIEGA: Es también mundialmente conocida como "Korai de Auxerre" y se encuentra alojada en el Museo del Louvre de París. Es una escultura griega de período arcaico realizada en piedra y con una altura aproximada de 65 cm. Es una de las primeras obras del denominado período oscuro de Grecia, un momento del que sabemos poco sobre aquella civilización. Hay dos hipótesis: una de ellas que fuera una representación de Perséfone y otra que estuviera policromada totalmente ya que se han encontrados restos de pintura. Fue encontrada por un empleado del Louvre en un museo de Auxerre y fue comprado para llevarlo a la capital.

117."La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal" (1425-1428) de Masaccio

PINTURA RENACENTISTA: Es un espléndido fresco de Masaccio pintado en una pared de la Capilla Brancacci de la Iglesia de Santa María del Carmine en Florencia. Representa la conocida expulsión de Adán y Eva del paraíso pero marca dos diferencias iconográficas en relación al texto original del Génesis: el hecho de que vayan completamente desnudos y que el custodiador de la puerta del paraíso fuera un ángel y no un querubín. El arco que hay a mano izquierda tampoco se menciona en la Biblia. En esta capilla hay imágenes dedicadas a la vida de San Pedro, a excepción de esta escena y otra del Génesis echa por Masolino donde Adán y Eva en el paraíso de corte más goticista. La intención del conjunto pictórico es salvar a la humanidad realizada por Cristo mediante la actuación terrenal de San Pedro y por extensión, de la iglesia. Es una pintura viva y emocional, donde vemos el patetismo reflejado en el alarido de Eva y la contracción del vientre de los lloros de Adán. Eva cubre sus órganos sexuales en señal de dolor y Adán cubre sus ojos simbolizando la vergüenza. No hay dimorfismo sexual y los cuerpos són anatómicamente clásicos. En 1670, Cosme III de Medicis consideró desagradable el desnudo de Adán y obligó cubrir a ambos, sus considerables atributos con una hoja de higuera realizada al seco. En 1990, se eliminó estos añadidos en una restauración devolviendo la imagen original de la obra.

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116."Edificio Chrysler" (1929) de William van Alen

ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA: Es uno de los rascacielos más impresionantes jamás creados y uno de los clásicos del art decó de principios de siglo XX. Esta ubicado en el East Manhattan y se ha convertido en un símbolo para la ciudad de Nueva York desde sus 319 metros de altura. Durante once meses fue el edificio más grande del mundo, ya que fue superado por otro compañero suyo a principios de 1931: el Empire State Building. El edificio fue construído con el dinero de la compañía automovilística Chrysler aunque en la actualidad pertenezca a las compañias TMW y Tishman. Se construyó a un ritmo de cuatro plantas por semanas y ningún trabajador murió durante la construcción. Como tenía el mismo tamaño que su homónimo del 40 Wall Street, le añadieron unos centímetros más para ser el edificio más grande del mundo. Su diseñador, William van Alen escondía el secreto de la negociación para colocar una aguja de acero inoxidable en el último piso. De esta manera conseguía ser el edificio y la estructura construída más grande del mundo, por encima de la Torre Eiffel. Es una construcción realizada en acero, hormigón y cristal pero destaca la ornamentación distintiva de la torre que está decorada con una imitación de los tapacubos de las ruedas de los coches de la marca Chrysler.

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115."La lección de anatomía del Dr. Nicolas Tulp" (1632) de Rembrandt

PINTURA BARROCA: Es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt y fue encargado por un gremio de cirujanos de la zona flamenca y del cual, el tal Nicolaes Tulp era el más eminente de todos. Muestra una lección de anatomía donde una serie de médicos siguen la magistral clase alrededor de un muerto del cual conocemos su identidad: el criminal Aris Kindt, de 41 años, que había sido ahorcado el mismo día por robo. Algunos de los retratos corresponden a una serie de patrocinadores que promocionaron la obra. Especialistas actuales han contrastado la veracidad de músculos y tendones del brazo diseccionado y no sabemos como el pintor adquirió este conocimiento. El cadáver está representado como un Cristo presente, con la lividez típica de la muerte, que a su vez constrasta con los trajes negros de la moda de la época y la nula aparición de detalles de un fondo neutro. Es una de las muestras preclaras de qué es el claroscuro pictórico.
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114."Palacio Ducal de Venecia" (1339-1343)

ARQUITECTURA GÓTICA CIVIL: Situado en uno de los laterales de la famosa plaza de San Marcos de Venecia, este palacio fue considerado, en su momento, uno de los más importante ejemplos de poder del antiguo reino. Iniciado en los siglos X-XI sobre un cuerpo central fortificado, fue retocado en diversas remodelaciones adquiriendo su aspecto exterior durante el gobierno de Bartolomeo Gradenigo. En 1424 se extendió el palació hasta tocar con la basílica de San Marcos, creándose una fachada de acuerdo con los espectaculares cánones del gótico flamígero. Destaca la presencia en fachada de enormes registros en forma de pórtico en la parte inferior y de ventanas de arco apuntado en la superior. El material es una combinación de mármol rosado y blanco. Los detalles en capiteles ornamentados, grupos escultóricos y óculos cuadrilobulados le da un aspecto único y diferente.

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113."Venus de Milo" (s.II a.C.)

ESCULTURA HELENÍSTICA: La también conocida como Afrodita de Milos es una de las más famosas obras de la estatuaria de la antigua Grecia. Mide más de 2 metros de alto y se cree que representa a la diosa del amor y la belleza. Su nombre proviene del lugar donde fue hallada. La escultura está hecha en mármol (con diversos bloques invisibles) y se desconoce su autor, aunque se ha barajado el de Alejandro de Antioquía. La disposición de su cuerpo nos reporta una sensación de calma y elegancia a la vez que nos transmite naturalidad y realismo. La pulida superficie nos invita a acariciar su fría piel mientras nos contempla con una expresión de tristeza. Sensaciones que se extienden a una excelente volumetría y un cierto desequilibrio provocado por el "contrapposto". Si se hubieran mantenido los brazos, el de la izquierda hubiera pasado por delante dando más dinamismo y el de la derecha estaría alzado. El rostro que gira levemente a la izquierda rompe aún más, si cabe, la frontalidad de esta escultura exenta.

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112."El bautismo de Cristo" (1450) de Piero della Francesca

PINTURA RENACENTISTA: Este cuadro está realizado en temple al huevo sobre tabla y actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres. Está considerada, por algunos estudiosos, la primera obra pictórica de Piero della Francesca donde vemos a Cristo siendo bautizado, en el centro de la composición, por San Juan Bautista, mientras sobrevuela por encima de su cabeza el Espíritu Santo en forma de paloma blanca. Por debajo corre el río Jordán. En la parte izquierda se encuentran tres ángeles contemplando la escena y al fondo unos misteriosos dignatarios vestidos con ropajes bizantinos. Aparece un destacable esfuerzo en la aplicación de la perspectiva y un paisaje bastante realista en esta evolución previa hacia el manierismo.

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111."Ópera de Sydney" (1957-1973) de Jorn Utzon

ARQUITECTURA EXPRESIONISTA: Aunque pueda sonar extraño por el período de construcción, esta maravilla del mundo está enclavada en las tendencias expresionistas del arte contemporáneo. El arquitecto danés Jorn Utzon, en presencia de la reina Isabel II, inauguró esta mastodóntica estructura en la bahía de Sydney, el 20 de octubre de 1973. Lo que más destaca de esta construcción son sus conchas prefabricadas en hormigón con formas esféricas que forman el tejado de la estructura. Éstas están recubiertas con más de un millón de azulejos blancos brilantes y ocres suaves en mate creando una forma en "V" realmente interesante. Mide 183 metros de altura y tiene una extensión lateral de 120 metros. Hay diversas salas en su interior y un restaurante, con una capacidad total para 5.500 personas.
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110."Fuente del tritón" (1642) de Gian Lorenzo Bernini

ESCULTURA BARROCA: Es una estatua erigida en el Quirinal romano, muy cera de la magnífica Fontana de Trevi. Es una fuente espectacular fue ejecutada en mármol de travertino donde el dios marino Tritón aparece lanzando un gran chorro de agua de una caracola que tiene colocada en la cabeza, sentado sobre una enorme concha que a su vez está sujetada por cuatro delfines. Estos entrelazan una tiara papal (no en vano fue un encargo del papa Urbano VIII de la familia de los Barberini) con las llaves cruzadas y el símbolo heráldico de la familia que son una abejas. Esta fue la primera fuente de Bernini y fue diseñada para proporcionar agua a un acueducto de la zona. Fue el último gran encargo de este papa-mecenas.

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109."Las bodas de Caná" (1563) de Paolo Veronese

PINTURA MANIERISTA: Es una de las obras más conocidas de Paolo Veronese. Está realizada en óleo y fue un encargo para el refectorio del monasterio benedictino de San Giorgio en Venecia, obra que estaba realizando Andrea Palladio. Este cuadro recoge la escena explicada en el Evangelio de San Juan, donde se produce el milagro de la conversión del agua en vino. La representación se hace al estilo de las grandes fiestas venecianas del momento, con gran fasto dentro de una arquitectura renacentista. Fue un escándalo, ya que el artista se entretuvo más en el concepto festivo de la imagen que no en el religioso, dándo al conjunto un halo de modernidad en su época. Hay alrededor de 130 figuras con arriesgados escorzos. Parece que el artista ha elegido el momento de los postres donde la gente ya está más distendida, proque en la mesa podemos contemplar frutas y dulces.

108."Elogio del horizonte" (1989) de Eduardo Chillida

ESCULTURA ABSTRACTA: A partir de un pequeño formato en corte escultórico, este mastodóntico monumento de 500 toneladas de peso y diez metros de altura, representa todo un homenaje a la naturaleza. Sobre un promontorio situado en un emplazamiento militar de antaño, Eduardo Chillida, realizó esta gran obra en un lugar privilegiado donde se puede contemplar todo Gijón, en Asturias. Realizado en hormigón armado a partir de dos pilares que actuan de soporte de una elipse abierta, esta obra acoge con sus brazos y a la vez parece que quiera echar a volar risco abajo. Las aparentes paredes desnudas y frías son un recodo para amparar el sonido del viento que crea música en su interior. Una fusión perfecta de paisaje y contemporaneidad.

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107."La balsa de la medusa" (1819) de Theodore Gericault

PINTURA ROMÁNTICA: Esta obra de juventud del artista Theodore Gericault impactó sobremanera a la Academia Francesa convirtiéndolo en uno de los mejores exponentes del romanticismo francés. Nos presenta las terribles consecuencias del naufragio de la fragata de la marina francesa "Meduse", que encalló frente a las costas mauritanas en julio de 1816. Por lo tanto, es una recreación pictórica de un hecho real. Unas 147 personas pudieron salir del barco gracias a una balsa improvisada, pero a lo largo de los trece días que estuvieron a la deriva solo se pudieron salvar 15 personas, que sobrevivieron gracias al canibalismo. La noticia tuvo repercusión mundial porque, además de remarcarse la proeza de los supervivientes, el capitán del barco los había abandonado a su suerte. Entraría dentro de la tipología de la pintura histórica de corte academicista, aunque destaca su asimetría, la crudeza representativa de los cadáveres y la luz mortecina y tormentosa. Una escena dramática que te introduce en la balsa por la cercanía de la misma a la base del lienzo.

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106."Niños en la playa" (1910) de Joaquín Sorolla

PINTURA POSTIMPRESIONISTA: Esta obra ejecutada por Joaquín Sorolla, en óleo sobre lienzo, está expuesta actualmente en el Museo del Prado. Representa una playa de límpidas aguas, con tres niños desnudos en la orilla y desnudos, que retozan boca abajo. Están jugando entre ellos aunque el del fondo parece más ajeno a la situación. Destacan los reflejos del sol en la piel brillante, con detalles físicos más marcados en el niño rubio que está en primer plano y que van desapareciendo en proporción hasta llegar al tercero y último. La paleta de colores no es demasiado amplia, con el uso básicamente de los tonos tierra y rosáceos para el barro de la playa y la piel de los muchachos. Es una escena espontánea que parece captada por una cámara fotográfica, con un encuadre detallista donde lo que menos importa es el paisaje.

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105."Abadia de Westminster" (1245)

ARQUITECTURA GÓTICA: Esta iglesia catedralicia es la que, desde su construcción, se ha utilizado como lugar tradicional para coronaciones y entierros de los monarcas británicos. La iglesia fue consagrada en 1065, aunque el primer cenobio era del 616. La abadía regida por monjes benedictinos tenía estructura románica, aunque se reconstruyó en estilo gótico entre 1245 y 1517, bajo el auspicio económico de los reyes entre Enrique III y Ricardo II. A partir de aquí, cambios y diversas reformas, siempre fieles a su pleno goticismo, la han convertido en una de las obras más majestuosas de Inglaterra.

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104."Arqueta de Leyre" (1004)

ARTE ISLÁMICO: Está considerada una de las joyas del arte hispanomusulmán y de sus suntuosos marfiles. Es una pequeña arca de marfil de colmillo de elefante que data de la época del califato omeya. Fue tallado bajo las órdenes del califa y por un tal Faray que destacó por su detalle y finura en la ejecución de los relieves que envuelven el esqueleto de madera. Estas piezas se realizaban para hacer regalos y ésta, en concreto, fue para el jefe político y militar Abd al-Malik al Muzaffar que estuvo en ese cargo durante el período califal de Hisam II y que a la vez había sido hijo del famoso Almanzor. Aunque perteneció al monasterior de Leyre (de ahí su nombre) actualmente se exhibe en el Museo de Navarra de la ciudad de Pamplona.

103."Puerta de Brandeburgo" (1788-1791) de Carl Gotthard Langhans

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA: Es la entrada de acceso a Berlín a modo de propileos griegos. Obra del arquitecto Carl Gottard Langhans, está construída en piedra de arenisca y mide 26 m de alto por 66 de ancho. Sigue la línea del neoclasicismo inicial que se consolidó plenamente en el siglo XIX. Recuerda a los famosos accesos a la Acrópolis ateniense. Contiene cinco zonas de acceso, cuatro iguales y una central más amplia, con dos puertas menores a ambos lados. El orden utilizado es el dórico con columnas estriadas. Las partes superior e interior del intercolumnado contienen relieves con representaciones mitológicas dedicadas a Hércules, Marte y Minerva. Después de derribar la muralla de la ciudad en 1868, Johann Heinrick Strack, colocó a ambos lados dos pórticos mayores que le dan la actual y peculiar forma a esta conocida puerta monumental. Ésta ha sido coronada por una cuádriga de 5 m de altura obra del escultor Johann Schadow que representa a la diosa Victoria montada en un carro tirado por cuatro caballos y entrando triunfadora en la ciudad.

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102."La diosa" (1909) de Josep Clarà

ESCULTURA NOVECENTISTA: Es una escultura realizada en mármol por Josep Clarà, un artista catalán adscrito a la corriente del "noucentisme" y en concreto con el mediterraneísmo. La obra original se encuentra en el ayuntamiento de Barcelona. Realizada durante su estancia en París, el escultor la realizó para poder ingresar como socio de honor de la Nacional de Bellas Artes de Francia. Su primer nombre iba a ser el de "Enigma", pero se decantó por el de "La diosa" cuando fue expuesta en 1910 para la Exposición Nacional de Madrid donde es premiado con la primera medalla de escultura. En 1927 recibió el encargo de hacer otra versión de la obra y una de la juventud para colocarlas en la Plaza Cataluña de la ciudad condal de cara a la Exposición Universal de Barcelona de 1929, pero por la desnudez de las piezas fueron retiradas aunque el día antes de la inauguración de la muestra internacional volvieron a colocarse. Como homenaje hoy se mantien una copia en dicha plaza realizada por Ricard Sala.

101."La joven de la perla" (1665) de Johannes Vermeer

PINTURA BARROCA: Esta obra del maestro flamenco Vermeer también recibe el nombre de "Muchacha con turbante", aunque el de "La joven de la perla" alude al pendiente que cuelga de su oreja y que se convierte en el punto focal de la obra. También se la ha denominado la "Mona Lisa" del norte. No sabemos si esta obra fue un encargo, pero lo que sí tenemos claro es que no es una pieza convencional. Parece ser que era un "tronie" o estudio pictórico de una cabeza, en este caso femenina, pero sin ninguna intención retratística. Es verdad que la obra general de este pintor es rara y en más de una ocasión se han hecho falsificaciones. Una reciente restauración ha realzado los contrastes del claroscuro de la expresiva cara en relación con el fondo.

100."Virgen en majestad" (1286) de Cimabue

PINTURA GÓTICA: Esta obra es también conocida como "Virgen con el niño, ángeles y profetas", que al fin y al cabo, son todos los presentes en esta pieza realizada en temple sobre madera. El marco pictórico tiene forma apuntada en su parte superior y el fondo está pintado con pan de oro. La Virgen es de tipo "odegitria", es decir, señala al niño Jesús que está sentado en sus rodillas, como único camino de salvación para los humanos. En la base se encuentran cuatro profetas Jeremñias, Abraham, Isaías y David que están sorprendidos ante la aparición mariana. A ambos lados del trono divino se encuentran una serie de ángeles superpuestos. Existe una evidente influencia bizantina en el hieratismo de las figuras, pero también en las tonalidades de los ropajes y el uso excesivo del oro. Hay un cierto recuerdo a las figuras románicas, pero vemos una intencionalidad hacia el naturalismo ideal quel primitivo renacimiento.

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99."Brighton Royal Pavillion" (1815-1822) de John Nash

ARQUITECTURA PINTORESCA: Esta antigua residencia real de Jorge IV de Inglaterra se construyó como palacio de retiro a orillas del mar debido a la gota que sufría el monarca. Sobre un primer edificio anterior y ampliado por Henry Holland, el arquitecto John Nash rediseñó toda la vivienda a principios del siglo XIX. En un período donde se pretendía volver a los estilos anteriores y debido a la influencia colonialista de la India que aún estaba bajo el imperio británico, el rey decidió darle una aire hindú a la decoración interior, con toques chinos, pero sobretodo a la exterior donde también hay ciertos toques de la arquitectura mogul. Es un gran ejemplo de exotismo en el diseño y una alternativa paradigmática al neoclasicismo del momento.

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98."Iglesia de Santa Coloma de Andorra" (?-1040)

ARQUITECTURA PRERROMANICA: Es uno de los edificios más interesantes del prerrománico andorrano. Ya aparece citada en las actas de consagración de la catedral de la Seu d'Urgell de 1040, pero su construcción es más probable de los siglos IX-X. La nave de la iglesia es basilical, con ábside cuadrangular, con portada en arco de medio punto y pórtico lateral. Destaca su torre-campanario circular de 17 metros de altura, muy típica de la zona. En ella vemos cuatro pisos de ventanas geminadas con decoración lombarda y techado de forma cónica. Las cubierta de la nave es de madera y los tejados de pizarra. La iglesia tuvo una decoración mural importante, pero actualmente solo se conserva "in situ" la representación de un "agnus dei", ya que el resto fue exportado y recolocado en un museo de Berlín.

97."Spiral jetty" (1970) de Robert Smithson

ESCULTURA LAND ART: Esta gigantesca obra del artista conceptual norteamericana de Robert Smithson está ubicada en el desierto de Utah en Estads Unidos. Se utilizaron 5.000 toneladas de basalto negro que iniciaban un recorrido en forma de espiral minimalista desde la orilla del Great Salt Lake hacia el interior. El "land art" pretendía realizar un arte utilizando los recursos de la naturaleza cambiándola a modo de gran molde escultórico aunque estuviera sometido a agentes climáticos o naturales. Algunas de estas piezas con el tiempo han desaparecido y solo tenemos el testimonio fotográfico o audiovisual del acto artístico (clickad). Esta obra pertenece a la fundación Dia Art que estudia los cambios efectuados sobre ella debido al agua, la lluvia o el viento.

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96."Salero de Francisco I de Francia" (1539) de Benvenuto Cellini

ARTES DECORATIVAS: No todo en el mundo del arte tienen que ser grandes piezas. Un simple salero, si está realizado por un gran maestro como Cellini, tiene el mismo valor que una escultura o una pintura. Esta obra decorativa de 26 cm x 33 cm, está realizada con la técnica de la fundición según unos modelos realizados por un cardenal llamado Hipólito de Este. Representa a dos figuras, una masculina que es el mar como Neptuno y una femenina que es la tierra como Ceres. El recipiente que guarda la sal es extraíble y está al lado de figura varonil. Es oro puro y pasó a ser una pieza de los Habsburgo cuando Carlos IX de Francia la regaló a esta insigne familia real europea. Fue realizado en un estilo renacentista tardío, más cercano al manierismo.

95."Ophelia" (1851) de John Millais

PINTURA PRERRAFAELITA: John Everett Millais fue uno de los mejores ilustradores y pintores británicos del siglo XIX. Miembro fundador de la "Hermandad prerrafaelita", que apostaban por un arte más libre fuera de los cánones del academicismo de la época y buscan el italianismo puro del período del "trecento" de Giotto, aplicado a la minuciosidad y el detallismo de sus composiciones. El realismo, la belleza del mundo natural y su complejidad se hacen patentes en pinturas como esta "Ophelia" donde vemos a este personaje shakespeariano entregado en el momento justo de la muerte tras enloquecer. La creación de los planos pictóricos de diversas naturalezas le da una gran materialidad visual. Es la captación de un momento, de una impresión, adelantándose y valga la redundancia, al concepto impresionista.

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94."El jardín de las delicias" (1480-1490) de El Bosco

PINTURA RENACENTISTA: Esta obra es la más conocida del pintor holandés Hyeronimus Bosch, más conocido como El Bosco. Es un tríptico de casi 4 metros de largo por 2 de alto compuesto por una tabla central y dos laterales menores y pintadas por delante y por detrás. Es una obra de gran simbolismo que aún no ha sido acabada de descifrar, aunque parece que se ejecutó como obra moralizante contra posibles herejías. Para no hacer demasiado larga esta explicación os vamos a remitir a un enlace de esta obra que la explica con gran exactitud (clickad). Tan solo apuntar que el tríptico cerrado tiene una representación de un globo terráqueo dentro de una esfera que representa la gran fragilidad del mundo. Una vez abierta la pieza encontramos en el panel izquierdo el Génesis y el Paraíso, en el derecho el Juicio Final y en el gran espacio central "El jardín de las delicias", cuando la humanidad ya ha sucumbido al pecado y a la lujuria. Está considerada una de las piezas más misteriosas de la historia del arte.

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93."Home Insurance Building" (1884) de William Le Baron Jenney

ARQUITECTURA ESCUELA DE CHICAGO: De este primer rascacielos realizado en acero estructural y hormigón, solo tenemos estas fotografías y algunas litografías de la época porque fue derruído en 1931. Este pionero de la superposición de viviendas una sobre otra, constaba de 42 metros de altura, pero tan solo 10 pisos aunque en aquella época era considerado mastodóntico. Las posibilidades constructivas del momento privaron a Le Baron Jenney de levantar más plantas. Él fue uno de los precursores de esta tendencia arquitectónica que se desarrolló en Chicago, una ciudad en expansión que sufrió la especulación de los terrenos, lo que comportó la necesidad de construir en vertical. Las nuevas estructuras metálicas, el uso de pilares de hormigón armado, las ventanas horizontales y el desarrollo del ascensor eléctrico hicieron posible un estilo precursor que ha llevado a lo largo del s.XX y XXI a realizar rascacielos de hasta 800 m de altura.

92."Hera de Samos" (570-560 a.C.)

ESCULTURA ARCAICA: La conocida Hera de Samos o "koré" de Samos es una escultura tipo "koré" o estatua femenina de aquel período griego esculpida en pie, realizada em mármol y con cánones de belleza estereotipados. La versión másculina de este formato decorativo era el "kuros". La pieza fue encontrada en la famosa isla y pertenece a un santuario o templo consagrado a la diosa Hera hallado en esa misma zona y que es Patrimonio de la Humanidad.

91."Catedral de Siena" (1215-1265)

ARQUITECTURA ROMANICA: El "duomo" de Siena, Italia, dedicada a nuestra Señora de la Asunción, es un prodigio arquitectónico de la transición del románico al gótico italiano. Tiene forma de cruz latina con crucero y un campanario. Tiene toda una estructura cupular de forma octogonal con una graciosa linternilla externa realizada por Bernini. Tanto el exterior como el interior están construídos con mármol rayado blanco y verdoso, aunque en la fachada predomina el rojo. Se intentó ampliar durante el siglo XIV pero las obras iniciadas no llegaron a buen puerto.

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90."Sagrada familia" (1503) de Miguel Angel

PINTURA RENACENTISTA: Esta obra también es conocida mundialmente como "Tondo Doni", por ser redondo y ser un encargo del rico tejedor Agnolo Doni. Tiene un diámetro de 120 cm y se conserva en la Galería de los Uffizi en Florencia. Está realizada en témpera y óleo, creando un efecto bastante efectista y diferente a los pintores flamencos del momento. El soporte donde se aplicó la pintura no es lienzo sino madera, único panel de este material que Miguel Angel utilizó a lo largo de su obra. Vemos en primer plano a la Virgen con el niño y detrás a San José, todos ellos de grandiosas proporciones. Lo que están haciendo es presentarnos a Jesús a los espectadores. Detras de ellos vemos una balaustrada y unos jóvenes desnudos que no han sido considerados iconográficamente, aunque se ha barajado la posibilidad de que fueran ángeles ápteros (sin alas). Tampoco es de extrañar su presencia ya que en obras como la "Capilla Sixtina" estos desnudos eran habituales.

89."El grito" (1893) de Edvard Munch

PINTURA EXPRESIONISTA: "El grito" es el título de varios cuadros, con la misma temática, que el noruego Edvard Munch pintó entre 1893 y 1896. La versión más famosa es ésta y es la que se encuentra en la Galería Nacional de Oslo. Esta obra fue robada en 1994 y recuperada ocho semanas más tarde gracias a la acción policial. Esta pintura y las otras adaptaciones muestran a una figura andrógina en primer plano que representa al hombre moderno en un momento de angustia y de desesperación. El paisaje de fondo es la ciudad de Oslo visto desde una de sus colinas y sobre el puente vemos a dos personas tocadas con sombrero como testimonios mudos de un momento dramático. Prefigurador del movimiento expresionista, este cuadro tiene su fuente de inspiración en la atormentada vida del artista.
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88."Código Hammurabi" (1692 a. C.)

ESCULTURA MESOPOTÁMICA: Es el conjunto de leyes más antiguo que se ha encontrado de la civilización y uno de los mejores conservados en su categoría. Pertenece a la época dorada de la cultura mesopotámica y se basa en ley de Talión. La intención era la de divinizar la imagen del rey Hammurabi que recibe la ley de manos del dios de la justícia Shamash. Este código está tallado sobre una piedra de basalto de más de dos metros de alto y se colocó en el templo de Sippar. La intención de estos relieves en lugares de culto o públicos era homogeneizar las leyes impuestas por el rey y que todo el mundo las conociera. La escritura es cuneiforme acádica y actualmente se puede contemplar en el Museo del Louvre de París.

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87."Hotel W" (2009) de Ricardo Bofill

ARQUITECTURA SIGLO XXI: Aunque criticado por su emplazamiento, este bello hotel construído por el prestigioso arquitecto catalán Ricardo Bofill, recibe el cariñoso nombre de Hotel Vela, por la forma de su cuerpo central que emula la vela de un barco. Inicialmente se quería levantar el edificio hasta una altura de 170 metros, pero al final se quedó en 99 para no romper tanto con el "skyline" del litoral barcelonés. Es un hotel de 5 estrellas de gran lujo y está realizado en acero y vidrio reflectante, aprovechando de esta manera la luz natural y con unas espectaculares vistas al mar, en cualquiera de sus 476 habitaciones. Mantiene la línea sobria de este arquitecto. que utiliza en sus construcciones las líneas puras y racionalistas que pueden recordar a los rascacielos de Mies van der Rohe.

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86."Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa" (1434) de Jan Van Eyck

PINTURA FLAMENCA: En esta obra apreciamos el retrato del rico mercader Arnolfini y de su esposa embarazada Jeanne Cenami, en su casa de Brujas, ciudad portuaria donde establecieron su vivienda. Es uno de los primeros retratos no hagiográficos de la historia del arte. La pareja aparece de pie en su alcoba mientras que el marido bendice a la mujer, Ella apoya su mano sobre el vientre con actitud indolente. Es una pose ceremonial y muy hierática, en una escena costumbrista poco habitual en la época y donde todos los detalles que conforman la estancia están realizados con gran meticulosidad. Destaca tambien la luz y la perspectiva tan estudiada en la pintura renacentista.

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85."Catedral de Colonia" (1248-1880)

ARQUITECTURA GÓTICA: Aunque la catedral se inició en 1248, se tardaron seis siglos en finalizar las obras de esta mastodóntica iglesia de 157 metros de altura. Durante muchos años fue el edificio más alto del mundo y fue declarada Patrimonio de la Humanidad en 1996. Es la segunda catedral más grande en espacio del mundo, después de la de Sevilla. A principios del siglo XIX y con la aportación del romanticismo alemán y su gusto por el pasado medievalista, decidieron finalizar el inconcluso templo. Federico Guillermo IV de Prusia destinó fondos para la conclusión de tan magna obra rematada con tendencias neogóticas. Con la II Guerra Mundial sufrió grandes destrozos, aunque la estructura se mantuvo intacta. La finalización de la obra se realizó en el denominado estilo "flamígero" de finales de siglo XIV.

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84."Convento de San Esteban" (1524-1610)

ARQUITECTURA PLATERESCA: Este bello conjunto arquitectónico formado por el convento y la iglesia de San Esteban, fue una construcción realizada por la orden dominica. La fachada está conformada por la puerta principal de la iglesia y del pórtico de acceso a la zona conventual que hace ángulo recto. La portada principal es una de las más hermosas de esa forma de entender el Renacimiento por tierras castellanas. Inscrita en un arco de triunfo encontramos una puerta-retablo debajo de una bóveda de cañón profusamente decorada. En la zona centro encontramos el martirio de San Esteban y en la parte superior escenas del Calvario. El interior de la iglesia tiene planta de cruz latina decorada con motivos góticos, renacentistas y platerescos. Lo mismo sucede en el espectacular claustro de dos pisos que mezcla estos estilos con gran armonía. Las bóvedas de las crujías son de crucería y en el centro del patio encontramos un simpático templete. Destacar la hermosa escalera de Soto y como no, el retablo mayor de José de Churriguera.

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83."Venus de Médici" (s. I a.C.)

ESCULTURA ROMANA: Es una escultura de período helenístico, realizada a escala real y que representa a la diosa griega Afrodita. La llamada "Venus de Médici" es una copia romana de un escultor anónimo que seguía la perfecta técnica de Praxíteles. La pose de la figura es muy espontánea, ya que se cubre los pechos y el sexo como si hubiera sido encontrada emergiendo del mar, tapando sus partes pudendas. Esta teoría marítima se refuerza con la aparición del delfín que hace la función de pseudo-apoyador. Al igual que la Venus de Cnido fue hallada sin brazos, pero en una restauración posterior se la dotó de éstos ya en el siglo XIX. Hay diversas versiones de esta tipología de escultura praxiteliana pero la que se conserva en la Galería Uffizi florentina es, sin duda, la copia romana auténtica.

82."El origen del mundo" (1866) de Gustave Courbet

PINTURA REALISTA: "L'origine du monde" es uno de los cuadros más escandalosos y a la vez vergonzantes del siglo XIX. En aquel período, la Academia Francesa regía las formas estilísticas de los pintores galos decimonónicos. Aquellos que no eran aceptados por los académicos para exponer en su Salón no podían triunfar, ya que en aquel período aún no estaban en marcha las galerías de arte privadas. Courbet, uno de los "enfants terribles" de la pintura francesa, nos quiso presentar el primer plano de un pubis femenino con una cruda y extrema realidad, lo que supuso para el pudoroso espectador una fuerte impresión de sensualidad y erotismo. Esta pieza, única del período, por su radicalidad y peculiar encuadre, quedó proscrita hasta que vio la luz, en 1988, en una exposición de Nueva York. No olvidemos, que en aquel período, el desnudo femenino estaba aceptado pero siempre visto desde la "excusa" mitológica y dentro de un idealismo pictórico. El realismo de este pintor y de otros de su generación presentaron a la sociedad y a las personas con la veracidad que necesitaba un siglo donde las revoluciones sociales y políticas se sucedían una detrás de la otra.

81."Casa Schröder" (1924) de Gerri Rietveld

ARQUITECTURA NEOPLASTICISTA: Es una casa particular diseñada por Rietveld para la Sra. Schröder-Schrader en la población de Utrecht, en Holanda. Esta vivienda fue concebida para que llevara el menor número de paredes posibles y es una de las muestras más interesantes de la arquitectura del movimiento "De Stijl" o neoplasticista, una tendencia que en pintura tuvo su máximo representante en Piet Mondrian y que a nivel arquitectónico comportó una ruptura con las formas de finales del siglo XIX. El interior es dinámico y abierto, con una planta más tradicional con la típica escalera de acceso al piso superior pero con la gran novedad de las paredes móviles convertidas en paneles y que podían reconvertir nuevos ambientes en las zonas del salón, del baño o de los dormitorios. La fachada es un conjunto de planos horizontales y verticales realizados a conciencia para que parezca que los muros exteriores también pueden moverse, elemento imposible para la lógica estabilidad de la construcción. Esta estructura de diseño comportó un buen grupo de balcones con decoración minimalista externa donde encontramos los tres colores típicos de este movimiento (amarillo, rojo y azul) siempre dispuestos en planos rectos, nunca diagonales y el gris y el negro para destacar ventanas y puertas. Es una casa que pertenece al patrimonio de la humanidad de la UNESCO.

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80."Bicha de Balazote" (s. IV a.C.)

ESCULTURA ÍBERA: Esta pieza recibe el nombre del término municipal de Albacete donde fue hallada. Los arqueólogos franceses que estudiaron la pieza la asociaron a la forma de una cierva, de ahí que se le denominara "biche" castellanizándose en "bicha". Posteriores excavaciones en la zona han confirmado un túmulo ibérico dentro de una necrópolis donde esta escultura podía tener una función funeraria. Cerca también se han hallado mosaicos de una villa romana. Está realizada en dos bloques de piedra caliza en un intento antropozoomórfico de representar un cuerpo animal y una cara barbada que se gira al espectador en una posición altiva. Vemos un cierto aire de la Grecia arcaica en el hieratismo de la cara y en los surcos geometrizantes del cabello y barba. Puede ser considerada un símbolo de fertilidad o fecundidad asociado a algún personaje importante del momento.