184."La primavera" (1478) de Sandro Botticelli

PINTURA RENACENTISTA: Es una de las obras maestras de Botticelli y está realizada en pintura al temple sobre tabla. Fue una pieza encargada por Lorenzo de Pierfrancesco familiar de Lorenzo el Magnífico para su palacio florentino. Es una pintura basada en los preceptos humanistas y neoplatónicos marcada por esa atmósfera de irrealidad que irradia el conjunto de las figuras mitolológicas del cuadro. Es una representación pagana de un tema claramente religioso con toques alegóricos. El lienzo es de tamaño monumental, con figuras de medida natural compaginado todo ello con un detallismo exacerbado. La mayor parte de las figuras están inspiradas en la escultura antigua pero pasadas por el tamiz formal del pintor. Son estilizadas, delgadas e idealizadas, cuyos cuerpos parecen artificiosamente estirados y que presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI. Éstas destacan por su color de piel en contraposición al fondo paisagístico lleno de naranjos o mandarinas, frutas asociadas a la familia Médici. Parece ser que la fuente literaria de esta compleja iconografía son los "Fastos" de Ovidio. Parece ser que la ninfa Cloris, a la que gustaba exhalar el olor de las flores, cautivó al dios del viento Céfiro, quien la siguió y la tomó por esposa a la fuerza. Arrepintiéndose dicho dios por su actitud, la transformó en Flora regalándole un hermoso jardín donde la primavera reinaría siempre. A la izquierda aparece Mercurio, dios mensajero y a su lado la Tres Gracias danzando. El centro de la escena esta ocupado por Venus, diosa del amor sobre cuya cabeza se sitúa Cupido. A la derecha vemos como una segunda escena presidida en primer término por la Primavera esparciendo sus flores por la tierra mientras Flora, desnuda y cubierta por un ropaje transparente, es perseguida por Céfiro.
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183."La encajera" (1669) de Johannes Vermeer

PINTURA BARROCA: La también denominada "La encajera de bolillos" es una de las obras más interesantes de la pintura holandesa de todos los tiempos. Este óleo que se exhibe actualmente en el Louvre de París, corresponde al momento de madurez de Vermeer. Fue una obra vendida en el pueblo natal del pintor, Delft, y que posteriormente fue pasando por diferentes manos privadas. Aunque por su fecha tengamos que ubicarlo en el momento del barroco, la intención de la obra es representar de manera realista una escena cotidiana costumbrista sin ninguna intención fastuosa. Es ese aislamiento íntimo tan de moda en la pintura de los Países Bajos y que tanto gustaba a los promotores burgueses queda muy alejado de la suntuosidad de los encargos áulicos o eclesiásticos. El artista contemplaba los objetos cotidianos que le envolvían y los representaba con detalle. Sus figuras están en silencio, recogidas en un microcosmos resplandeciente pero a la vez difuminado, donde la soledad y el recogimiento hacen acto de presencia con gran solemnidad. Esta joven encajera se encorva sobre su labor y su mirada se concentra en ésta, ajena al espectador. Es un símbolo de una de las virtudes femeninas domésticas reforzado por el libro que hay encima de la mesa que, aunque no lo reconozcamos, seguro que estaría vinculado con algún texto bíblico, ya que Vermeer era profundamente religioso. Destaca el juego de colores de los diversos elementos, jugando al desenfoque y con cierto toque puntillista, avanzando las formas impresionistas decimonónicas.
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182."Tímpano de Saint Foy de Conques" (s.XII)

ESCULTURA ROMÁNICA: En la fachada occidental de esta magnífica catedral francesa encontramos uno de los tímpanos más interesantes del románico europeo. 124 figuras componen este grupo escultórico realizado en bajorrelieve y dedicado al Juicio Final. Dentro de una profunda arquivolta en forma de medio punto sobre la portada encontramos tres niveles donde se desarrolla esta historia apocalíptica según el evangelio de San Mateo. En el espacio más cercano a la parte superior encontramos a los ángeles que con sus trompetas nos avisan del fin del mundo. En el nivel intermedio y presidido por un imponente "maiestas domini" en el centro, encontramos, a su derecha, a los elegidos y a su izquierda, los condenados. Detras de Cristo encontramos símbolos evocadores de la Pasión (la cruz y la lanza) transportados por ángeles y cercanos a él, San Pedro y la Vírgen María, aparte del abad y Carlomagno evidentemente ubicados en la zona de los elegidos. Los condenados de la parte izquierda son rechazados por los ángeles que custodian el paraíso representados como monjes indignos y borrachos. El nivel inferior contiene dos escenas genéricas: el Paraíso y el Infierno. El primero está presidido por Abraham con un ángel que acepta los elegidos y un demonio que empuja al Infierno los condenados. Satanás preside su reino donde se castigan las alegorías de los pecados capitales (soberbia, avaricia, envidia y lujuria). En el dintel de la puerta podemos leer la siguiente frase lapaidaria: "Pecadores, si no cambiáis vuestras costumbres, sabed que sufriréis un juicio terrible".
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181.Iglesia de San Juan de los Baños (661)

ARQUITECTURA VISIGODA: Está considerado el primer monumento visigodo de la península ibérica y la iglesia en pie más antigua de España, con sus evidentes retoques. La mandó construir en el 661 el rey Recesvinto consagrando el recinto en el 669. Está ubicada cerca del río Pisuerga en la provincia de Palencia. Era zona de buenas tierras y desde época romana se conoce como lugar de siembra de cereales. De ahí que se crearan núcleos urbanos en los alrededores y en este caso se hizo importante por tener aguas termales de las que curó el rey visigodo, motivo "milagroso" por el cual el monarca decidió erigir esta iglesia. En su interior hallaremos una planta basilical de tres naves con una cabecera de tres ábsides típica del arte prerrománico de la zona norte peninsular. Su belleza exterior estriba en la pureza de los volúmenes y la austeridad decorativa, aunque la espadaña no es original sino añadida en el siglo XIX. Vemos la puerta de acceso en forma de arco de herradura sobrepasado y solo muestra una decoración en la clave con una cruz patada. En el interior vemos columnas de mármol en tonos rosados y gris reutilizadas que sostienen arcos. La sillería es de piedra caliza. Antes de ser guardada en el Museo Arqueológico Nacional de España, había a la derecha de la iglesia, la famosa Fuente de Recesvinto que curó los cálculos renales del rey. Se trataba de una de las escasas obras hidráulicas que aún se hacían en época prerrománica y estaba conformada por dos arcos de herradura de donde brotaba un manantial reconducido.
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180."Los burgueses de Calais" (1895) de Auguste Rodin

ESCULTURA IMPRESIONISTA: Rodin quiso representar con esta escultura de conjunto a los seis burgueses que en 1347 iniciaron la Guerra de los Cien Años y que ofrecieron sus vidas para salvar la población de Calais. Existen diversas copias de esta obra por todo el mundo. La escultura principal se encuentra en la plaza del ayuntamiento de dicha ciudad y está realizada en bronce. Mide 2 metros de alto por 2,5 metros de ancho y la componen seis hombres de similar altura y ropajes iguales. Todos ellos dirigen sus miradas a diversos puntos como si estuvieran perdidos y presagiando su sacrificio. Algunos de ellos gesticulan con tristeza pero dos en concreto se muestran tranquilos. Son figuras indepedientes dentro de un mismo grupo rotatorio y los ropajes parece que pesan más de la cuenta con esas desproporcionadas manos que dan un gran patetismo a la obra. Está compuesta de manera multifacial aunque en ningún momento las figuras miran al espectador para interactuar con él. Rodin intenta retratar cada cara de manera individual reflejando en sus rostros antipatía y angustia. Fue una escultura innovadora en su época ya que manifestaba la cruda realidad siguiendo los cánones del realismo decimonónico y contraviniendo las fórmulas academicistas de la época. Los contrastes lumínicos y el modelado evocan al impresionismo tan de moda en aquel momento presagiando la pintura de Cezánne. Además planteaba sus obras sin pedestal rompiendo las reglas de manera clara y evidente.
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179."La otra figura" (1970) de Giulio Paolini

ARTE POVERA: Nacido en Génova, Giulio Paolini vivió primero en Turín y luego en París. Su actitud siempre fue muy amplia en sus temáticas y maneras dentro del estilo povera. La influencia del “collage” que él había realizado, le llevó a estudiar la relación entre soporte, autor y espectador y todo lo relacionado con las metáforas y un sinfín de existencias posibles. Las características esenciales de este arte fueron las inesperadas yuxtaposiciones de objetos e imágenes, la utilización de materiales que contrastaban visualmente fusionando pasado y presente, naturaleza y cultura y arte y vida. Jugó durante mucho tiempo a esta burla radical y divertida en la que en “Mímesis” enfrenta a dos figuras sin más que encararse. “En la otra figura” el motivo de la mofa es la mirada de dos bustos colocados sobre altas peanas que con un altivo escorzo miran al suelo donde hay otro “posible” busto destruido, ya que solo vemos los trozos. Y en “Intervalo” hizo toda una serie de obras donde la figura elegida era seccionada verticalmente y colocada cada una de las partes en paredes enfrentadas, dando una sensación de aparición/desaparición por ambos lados. Retomará el concepto clásico de la estatuaria defragmentándolo y deconstruyéndolo.

178."Poco después de la boda" (1743) de William Hogarth

PINTURA ROCOCÓ: Este también llamado "El tête à tête" y perteneciente al ciclo del pintor británico Hogarth del "Casamiento a la moda", es una irónica serie de cuadros relacionados con los matrimonios de conveniencia, muy típicos de aquel período y al gusto del anecdotismo burgés y cortesano del estilo rococó. Esta obra realizada en óleo y dentro del costumbrismo británico es la menos tumultuosa, en cuanto a personajes se refiere del conjunto, ya que solo hay cuatro. Vemos al vizconde sentado en una silla alicaído después de una juerga. La condesa, sentada al otro lado de la mesilla ,se despereza aburrida después de una sesión de cartas con sus amigas. En la otra habitación vemos a un sirviente y el mayordomo, harto del desorden de la casa y las deudas, se va molesto con el libro de cuentas bajo el brazo. Vemos en primer plano una silla caída y como el sirviente no se inmuta ante esta estampa anodina. La implicación principal de la obra es el mutuo desinterés de esa pareja, que lleva poco tiempo de casada y que al parecer no se quieren y lo que ello comporta en el hogar, ya que el hastío comporta caos y pereza.