221."Máscara de Agamenón" (1550-1500 a.C.)

ARTE MICÉNICO: Se trata de una máscara funeraria localizada sobre la cara de un cuerpo hallado en la tumba V de la acrópolis de Micenas. Esta pieza fue hallada por el arqueólogo Heinrich Schliemann pensando que era el recubrimiento facial mortuorio del mítico rey griego Agamenón. Estudios posteriores han dejado claro que es una obra realizada 300 años después de la desaparición de dicho magnate, por lo tanto no podía corresponderle aunque se ha mantenido de manera histórica este sobrenombre. Actualmente se encuentra expuesta en el Museo Arqueológico de Atenas. La tradición funeraria de aquel período aproximado del 1500 a.C era ubicar a los difuntos en fosas excavadas en el suelo junto con su ajuar funerario. Después se cubría con unas vigas y se cubrían de tierra decorando su exterior con una estela. Los ajuares funerarios eran ricos en collares, copas, diademas, etc realizados en oro y en bronce. Este descubrimiento concreto nos dio a conocer una cultura que era comercial y que tenía un estatus social importante. No todos los humanos al ser enterrados recubrían su rostro con una máscara funeraria de oro. Solamente los altos dignatarios o militares se reservaban ese privilegio para en la otra vida mantener su nivel social. En este caso creemos que fue un guerrero importante ya que se han encontrado en su tumba armas blancas como espadas o cuchillos. Estas máscaras no eran auténticos retratos pero tampoco creemos que fueran excesivamente idealizados ya que en este caso la simetría facial y los rasgos no son demasiado favorecedores.

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220."La gran odalisca" (1814) de DOMINIQUE INGRES

PINTURA ROMANTICISTA: Esta obra de corte orientalista fue un encargo realizado por Carolina, hermana de Napoleón y reina de Nápoles. Un cuadro que tenía que hacer pendant con otro desnudo  que tenía en su poder la mecenas. Fue una obra expuesta en el Salón de París en 1819. El nombre de odalisca proviene del turco odalik y designa a una mujer de un harén. Está recostada vuluptuosamente sobre un diván que de espaldas gira su cara al público de manera insinuante, entre accesorios de toque arábigo como un abanico, un turbante o una pipa. Destaca el detallismo del cuerpo pero sobre todo de los ropajes y las texturas de las telas. Un cuerpo criticado por ser excesivamente alargado y que parece ser que el propio Ingres decidió aplicar en evocación al manierismo precedente. Un intento de belleza individualizada que muestra dulzura y una mayor sensación curvilínea influencia de Rafael y del conocimiento de los pintores italianos que obtuvo en su viaje a Florencia. También fue criticado por su escaso cromatismo, aunque la percepción del mismo está perfectamente vinculada a la realidad.

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219."Iglesia de San Miguel de Lillo" (842-859)

Es una iglesia enclavada en el estilo realizado en Asturias durante el siglo IX y denominado ramirense. Dicho nombre proviene de un período arquitectónico esplendoroso de dicho reinado, cuando Ramiro I mandó edificar una iglesia en el Monte Naranco de Oviedo. Está al lado del entonces palacio y actual Santa María del Naranco y su función era la de hacer de iglesia palatina. Es cierto que su extraña estructura la confiere la destrucción de 2/3 de la misma, ya que en los siglos XIII-XIV desparecieron gran parte de sus muros por las malas condiciones orográficas. Solo se conserva el arranque de las tres naves y el vestíbulo y encima de este último, la tribuna real flanqueada de dos salas a las que no se tiene atribuída ninguna función, aunque posiblemente fueran capillas. Está cubierta por bóvedas de cañón y las naves están separadas por arcos formeros que descansan sobre columnas, hecho inusitado ya que el arte asturiano se caracteriza por sus soportes en forma de pilares cruciformes. Estas columnas están apoyadas sobre altas basas con decoración escultórica de arquillos que encuadran figuras. El conjunto tiene cierta altura para ser un edificio del siglo IX y la sillería está bien rematada sin obviar las bellas celosías que recubren los pequeños ventanales. Hay restos de pintura mural en el interior y en las jambas de la puerta de ingreso destaca una decoración escultórica en relieve inspirada en un díptico bizantino consular del siglo VI con escenas circenses de saltimbanquis y domadores de leones perteneciente al cónsul Aerobindo. Toda la decoración escultórica recuerda elementos bizantinos y lombardos con un cierto antinaturalismo y primitivismo realmente interesante.
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218."El pensador" (1902) de AUGUSTE RODIN

ESCULTURA IMPRESIONISTA: Es una escultura en bronce realizada por Auguste Rodin, exponente máximo de la escultura impresionista europea. La obra se iba a llamar en un principio "El poeta" y tenía que formar parte de un portal monumental  basado en "La divina comedia" de Dante para una muestra artística. Cada una de las figuras tenía que representar a un personaje de esta obra literaria. Rodin pretendía representar con ésta a Dante sentado ante les puertas del infierno visto como un ser heroico, desnudo, al estilo miguelangelesco para representar así la grandeza del pensar y de la poesía. La obra a gran escala se realizó en 1902 emulando a Donatello y a su admirado Miguel Angel, aunque en 1880 ya se había hecho una pequeña maqueta en yeso. Su presentación oficial fue en 1904. Hay más de 20 versiones de esta pieza pero podríamos decir que la auténtica se encuentra en el museo del artista ubicado en París. La escultura pesa unos 650 kg y tiene una base cuadrada de mármol. Dentro de la línea impresionista del artista la figura tiene un gran realismo e incluso se cree que un modelo posó para él. La desnudez aquí está representada como un estado necesario necesario de despojo para conseguir el pensamiento y la racionalidad pura. El hecho de estar sentado y mirando al suelo nos evoca a la necesidad de parar y perderse en la nada en una época en que el progreso estaba convirtiendo a las personas en víctimas de la industrialización y del capitalismo. 

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217."Los girasoles" (1888) de Vincent Van Gogh

PINTURA POSTIMPRESIONISTA: "Los girasoles" es una serie pictórica que el artista holandés Vincent van Gogh realizó entre 1888-1889. Tres de estos cuadros contienen quince girasoles y dos de ellos doce, todos siempre dentro de un único jarrón. De la selección de estas obras nos quedaremos con el más conocido que se puede contemplar actualmente en la Nueva Pinacoteca de Munich por su belleza y por ser el primero de la serie. Este lienzo en concreto, lo pintó en agosto de 1888 durante su estancia en Arlés. Destaca las tonalidades amarillas y es que no olvidemos que el pintor, muy receptivo a los colores que le envolvían, estaba disfrutando de una luz típicamente mediterránea. Sabemos que uno de estos "girasoles" decoró la habitación que el artista preparó para su amigo Gauguin. En cada una de las telas vemos girasoles en diferentes etapas de su vida: creciendo, en su esplendor y marchitos. El uso del espectro de tonos amarillos fue muy innovador en la época conjuntándolos además con tonos ocre, tierra, naranja, etc. El color está aplicado con fuertes pinceladas, casi agresivas, con pequeños toques salteados, de gran plasticidad y relieve.  Un relieve que da cierto volumen a los girasoles además del uso de tonos azules y verdes para resaltar las sombras creando una suave intensidad lumínica. 

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216."Big Ben" (1858) de Charles Barry y Augustus Pugin

ARQUITECTURA NEOGÓTICA: Cuando hablamos del mítico Big Ben londinense hay que matizar. El nombre hace referencia a la enorme campana que aloja en el lado noroeste del palacio de Westminster y que por extensión denomina al famoso reloj de esta torre que forma parte del complejo arquitectónico. El nombre oficial de este reloj era "Clock tower", pero el 26 de junio de 2012 se ha convertido, en honor al jubileo de la reina Isabel II en "Elisabeth Tower". La torre alberga el reloj de cuatro caras más grande del mundo y es la tercera torre del reloj más alta del mundo con 96,3 metros de altura. Charles Barry fue el encargado de proponer esta torre que iría adherido al nuevo proyecto del Palacio de Westminster que  sufríó un incendio en octubre de 1834, aunque Augustus Pugin fue el diseñador real del conjunto, en un estilo neogótico muy típico de la época siendo ésta su última y genial obra antes de enloquecer. El cuerpo de la torre está realizado en ladrillo pero revestido con piedra caliza de color arena de Anston y la zona de la aguja de más de 35 metros está realizada en hierro fundido. El interior de la torre tiene 344 escalones de ascenso y sufre, desde su construcción, una leve inclinación hacia el noroeste de 22 cm que no cesa.

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215."Moschophoros" (570 a.C.)

El Moscóforo es una de las esculturas tipo "kuros" que fue esculpida por una artista anónimo de los talleres de la zona de la Ática, en la región de la Antigua Grecia. Pertenece al período denominado arcaico del arte griego. Esta figura fue hallada entre las ruinas de la Acrópolis de Atenas y representa a un joven varón sonriente (carácterística representativa de aquel período: la sonrisa arcaica) con un becerro al cuello. Parece ser que la intencionalidad de la pieza era hacer de exvoto. Sabemos que es una pieza dedicada por Rhombos, hijo de un tal Pales, a Atenea, diosa que ejercía un gran poder espiritual sobre la sabiduría, la estrategia y la guerra. Atenea por su parte también fue considerada una de las representantes más amadas de los héroes de la época y adorada desde tiempos remotos por los habitantes atenienses como patrona de su "polis". La escultura que mide 1,65 m, por lo tanto, a tamaño natural según el canon de la época, está realizada en mármol del monte Himeto con incrustaciones de piedra en los ojos para darle más sensación de vida.