219."Iglesia de San Miguel de Lillo" (842-859)

Es una iglesia enclavada en el estilo realizado en Asturias durante el siglo IX y denominado ramirense. Dicho nombre proviene de un período arquitectónico esplendoroso de dicho reinado, cuando Ramiro I mandó edificar una iglesia en el Monte Naranco de Oviedo. Está al lado del entonces palacio y actual Santa María del Naranco y su función era la de hacer de iglesia palatina. Es cierto que su extraña estructura la confiere la destrucción de 2/3 de la misma, ya que en los siglos XIII-XIV desparecieron gran parte de sus muros por las malas condiciones orográficas. Solo se conserva el arranque de las tres naves y el vestíbulo y encima de este último, la tribuna real flanqueada de dos salas a las que no se tiene atribuída ninguna función, aunque posiblemente fueran capillas. Está cubierta por bóvedas de cañón y las naves están separadas por arcos formeros que descansan sobre columnas, hecho inusitado ya que el arte asturiano se caracteriza por sus soportes en forma de pilares cruciformes. Estas columnas están apoyadas sobre altas basas con decoración escultórica de arquillos que encuadran figuras. El conjunto tiene cierta altura para ser un edificio del siglo IX y la sillería está bien rematada sin obviar las bellas celosías que recubren los pequeños ventanales. Hay restos de pintura mural en el interior y en las jambas de la puerta de ingreso destaca una decoración escultórica en relieve inspirada en un díptico bizantino consular del siglo VI con escenas circenses de saltimbanquis y domadores de leones perteneciente al cónsul Aerobindo. Toda la decoración escultórica recuerda elementos bizantinos y lombardos con un cierto antinaturalismo y primitivismo realmente interesante.
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218."El pensador" (1902) de AUGUSTE RODIN

ESCULTURA IMPRESIONISTA: Es una escultura en bronce realizada por Auguste Rodin, exponente máximo de la escultura impresionista europea. La obra se iba a llamar en un principio "El poeta" y tenía que formar parte de un portal monumental  basado en "La divina comedia" de Dante para una muestra artística. Cada una de las figuras tenía que representar a un personaje de esta obra literaria. Rodin pretendía representar con ésta a Dante sentado ante les puertas del infierno visto como un ser heroico, desnudo, al estilo miguelangelesco para representar así la grandeza del pensar y de la poesía. La obra a gran escala se realizó en 1902 emulando a Donatello y a su admirado Miguel Angel, aunque en 1880 ya se había hecho una pequeña maqueta en yeso. Su presentación oficial fue en 1904. Hay más de 20 versiones de esta pieza pero podríamos decir que la auténtica se encuentra en el museo del artista ubicado en París. La escultura pesa unos 650 kg y tiene una base cuadrada de mármol. Dentro de la línea impresionista del artista la figura tiene un gran realismo e incluso se cree que un modelo posó para él. La desnudez aquí está representada como un estado necesario necesario de despojo para conseguir el pensamiento y la racionalidad pura. El hecho de estar sentado y mirando al suelo nos evoca a la necesidad de parar y perderse en la nada en una época en que el progreso estaba convirtiendo a las personas en víctimas de la industrialización y del capitalismo. 

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217."Los girasoles" (1888) de Vincent Van Gogh

PINTURA POSTIMPRESIONISTA: "Los girasoles" es una serie pictórica que el artista holandés Vincent van Gogh realizó entre 1888-1889. Tres de estos cuadros contienen quince girasoles y dos de ellos doce, todos siempre dentro de un único jarrón. De la selección de estas obras nos quedaremos con el más conocido que se puede contemplar actualmente en la Nueva Pinacoteca de Munich por su belleza y por ser el primero de la serie. Este lienzo en concreto, lo pintó en agosto de 1888 durante su estancia en Arlés. Destaca las tonalidades amarillas y es que no olvidemos que el pintor, muy receptivo a los colores que le envolvían, estaba disfrutando de una luz típicamente mediterránea. Sabemos que uno de estos "girasoles" decoró la habitación que el artista preparó para su amigo Gauguin. En cada una de las telas vemos girasoles en diferentes etapas de su vida: creciendo, en su esplendor y marchitos. El uso del espectro de tonos amarillos fue muy innovador en la época conjuntándolos además con tonos ocre, tierra, naranja, etc. El color está aplicado con fuertes pinceladas, casi agresivas, con pequeños toques salteados, de gran plasticidad y relieve.  Un relieve que da cierto volumen a los girasoles además del uso de tonos azules y verdes para resaltar las sombras creando una suave intensidad lumínica. 

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216."Big Ben" (1858) de Charles Barry y Augustus Pugin

ARQUITECTURA NEOGÓTICA: Cuando hablamos del mítico Big Ben londinense hay que matizar. El nombre hace referencia a la enorme campana que aloja en el lado noroeste del palacio de Westminster y que por extensión denomina al famoso reloj de esta torre que forma parte del complejo arquitectónico. El nombre oficial de este reloj era "Clock tower", pero el 26 de junio de 2012 se ha convertido, en honor al jubileo de la reina Isabel II en "Elisabeth Tower". La torre alberga el reloj de cuatro caras más grande del mundo y es la tercera torre del reloj más alta del mundo con 96,3 metros de altura. Charles Barry fue el encargado de proponer esta torre que iría adherido al nuevo proyecto del Palacio de Westminster que  sufríó un incendio en octubre de 1834, aunque Augustus Pugin fue el diseñador real del conjunto, en un estilo neogótico muy típico de la época siendo ésta su última y genial obra antes de enloquecer. El cuerpo de la torre está realizado en ladrillo pero revestido con piedra caliza de color arena de Anston y la zona de la aguja de más de 35 metros está realizada en hierro fundido. El interior de la torre tiene 344 escalones de ascenso y sufre, desde su construcción, una leve inclinación hacia el noroeste de 22 cm que no cesa.

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215."Moschophoros" (570 a.C.)

El Moscóforo es una de las esculturas tipo "kuros" que fue esculpida por una artista anónimo de los talleres de la zona de la Ática, en la región de la Antigua Grecia. Pertenece al período denominado arcaico del arte griego. Esta figura fue hallada entre las ruinas de la Acrópolis de Atenas y representa a un joven varón sonriente (carácterística representativa de aquel período: la sonrisa arcaica) con un becerro al cuello. Parece ser que la intencionalidad de la pieza era hacer de exvoto. Sabemos que es una pieza dedicada por Rhombos, hijo de un tal Pales, a Atenea, diosa que ejercía un gran poder espiritual sobre la sabiduría, la estrategia y la guerra. Atenea por su parte también fue considerada una de las representantes más amadas de los héroes de la época y adorada desde tiempos remotos por los habitantes atenienses como patrona de su "polis". La escultura que mide 1,65 m, por lo tanto, a tamaño natural según el canon de la época, está realizada en mármol del monte Himeto con incrustaciones de piedra en los ojos para darle más sensación de vida.

214."Paisaje con el embarque en Ostia de Santa Paula Romana" (1639-1640) de Claude Lorrain

PINTURA BARROCA: Claude Lorrain fue un pintor francés establecido en Roma y que atendía al nombre original de Claude Gellée. Lo enmarcaríamos dentro del barroco clasicista, con una clara inspiración paisajista vinculada a la belleza de la campiña romana de aire bucólico-pastoril. Firmaba sus cuadros como "Le Lorrain" aludiendo a su ciudad natal. Trabó amistad con Nicolas Poussin y se introdujo en los círculos artísticos romanos y del papado. Su fama se fue extendiendo y llegó a tener buenos imitadores como Sebastien Bourdon. Sus paisajes clásicos fueron pintados en clave religiosa o mitológica. Idealizó el paisaje sereno, evocador de la antigüedad, en su búsqueda de la bella Arcadia, con la placidez del mar o del cielo e introduciendo figuras bellas en los conjuntos de la naturaleza. Utilizó una luz directa y natural proveniente del sol del atardecer o del amanecer que centró en sus composiciones. En su afán de pintar espacios abiertos recurrió a los puertos que sirvieron de pretexto para dar cierta acción a las figuras que se movían en escena. Este "Paisaje con el embarque en Ostia de Santa Paula Romana" es un óleo encargado por Felipe V para decorar su Palacio del Buen Retiro y que actualmente se expone en el Museo del Prado. Forma parte de una serie de cuadros que diversos pintores de la época realizaron para el monarca. Aunque no lo parezca a simple vista se trata de una escena religiosa. Es el momento en que Santa Paula, en el siglo IV, se despide de sus hijos cuando embarca en el puerto de Ostia con destino a Palestina, donde vivirá como una ermitaña al lado de San Jerónimo. Pero queda claro que Lorrain utilizó esta temática para la realización de un monumental paisaje urbano lleno de reminiscencias arquitectónicas ambientadas en la antigüedad clásica aunque pretendidamente renacentista en concepto. Destaca el punto de fuga central creado por la luz solar dorada.

213."Iglesia de San Carlos Borromeo" (1716-1737) de Johann Bernhard Fischer

ARQUITECTURA BARROCA: La "Karlskirche" es una de las iglesias centroeuropeas más originales del altobarroco. Está situada en la Karlsplatz de Viena muy cerca del Ringstrasse. El emperador Carlos VI, prometío la construcción de un templo dedicado a San Carlos Borromeo, una vez que la peste que asoló la ciudad en 1713 (con 8.000 muertos), dejara de actuar. La dedicación a este arzobispo milanés provenía de su heroicidad en 1576 cuando luchó contra esta terrible enfermedad. En 1714 se hizo un concurso para la construcción de esta obra y Fischer fue el ganador absoluto con una propuesta ecléctica de un barroco en el que se combinan diferentes estilos: vemos un pórtico central de inspiración griega con un frontón esculpido con las desgracias de la peste y coronado por la escultura del santo patrón con dos columnas helicoidales laterales de recuerdo trajano con relieves sobre la vida del santo y todo ello rematado por una cúpula brunelleschiana. A ambos lados construyó dos pabellones al más puro estilo barroco romano rematado con aires orientales en forma de pagoda. Es un edificio demostrativo del poder religioso e imperial de los Habsburgo, sobretodo en sus dimensiones ya que tiene 80 metros de altura por 60 m de ancho, siendo el segundo templo más grande de la capital del Danubio. En el interior encontramos pinturas barrocas y un retablo en estuco sobre el altar mayor de San Carlos ascendiendo al cielo en una nube.

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212."Sujetador TV para escultura viviente" (1969) de Nam June Paik y Charlotte Moorman

FLUXUS: Nam June Paik fue un famoso videoartista surcoreano que aprendió su oficio en Europa y Estados Unidos. Influenciado por el estilo fluxus, que en los años 60 causó furor, inició una nueva reinvención en su línea catódica al conocer a la violoncelista Charlotte Moorman. Con ella entabló una conversación entre las nuevas tecnologías y el arte y para humanizarlas, utilizó esta acción que se presentó como una extensión de su obra previa “Opera sextronique” de 1967 donde la violoncelista enseñaba un pecho mientras actuaba, motivo por el cual fue encarcelada por escándalo público. Esta acción tuvo lugar en la exposición llamada “La televisión como un medio creativo”. En ella, Charlotte aparecía en público con un sujetador hecho por dos monitores pequeños que cubrían sus senos cuyas imágenes se modifican según la música que ella iba ejecutando con su violonchelo. De esta manera se humanizaba la electrónica, tratada como una prenda íntima y a la vez puesta al servicio del hombre. También era una manera de ridiculizarla o minimizarla como en su corto “Zen for TV” (1963) donde el metraje era una simple luz blanca. Imprescindible ver el enlace informativo para entender esta propuesta.

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211."María Magdalena penitente" (1453) de Donatello

ESCULTURA RENACENTISTA: En 1453, Donatello volvió a su ciudad natal, Florencia, y allí recibió el encargo para hacer una Magdalena penitente que tenía que ubicarse en el baptisterio de San Juan de Santa María de Fiore y que actualmente se encuentra en el Museo dell'Opera del Duomo. El escultor se inspiró en "La leyenda dorada" de Jacopo de la Vorágine donde se relata el retiro de Maria Magdalena. Para conseguir la redención de sus pecados ejerció de ermitaña en, según se cree, el sur de la actual Francia. Realizada en madera policromada, el artista planteó una mujer madura demacrada, cubierta con una prenda de piel completamente ajada, un largo pelo que le cubre el cuerpo. Es una escultura de pie, con las manos huesudas en acto de oración, con un rostro fatigado y dolorido, con unos pómulos muy marcados por su extrema delgadez. Sus ojos son profundos y la boca entreabierta presenta una dentadura mellada. Este enorme expresionismo fuera de los cánones de la antigüedad llamó mucho la atención en los ordenados humanistas. Preconizó el sufrimiento expuesto en las mejores tallas del barroco hispano e italiano de corte religioso.

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210."San Sebastián" (1480) de Andrea Mantegna

PINTURA RENACENTISTA: El tema del asaetamiento de San Sebastián fue pintado tres veces por Andrea Mantegna, uno que se conserva en Viena, otro en Venecia y el que nosotros trataremos y que se halla en el Louvre de París. El artista nativo de Padua vivió en un época donde la peste negra hizo estragos y en un momento donde se pensaba que esta enfermedad se transmitía por el aire. Como San Sebastián fue martirizado con flechas transportadas por la fuerza eólica se pensaba que este santo era protector de la peste. El cuadro que se conserva en la famosa pinacoteca francesa es un fragmento del retablo de San Zenón de Verona. El santo aparece atado a una columna estriada de corte clásico muy de moda en un momento en que se miraba hacia las formas grecorromanas. La perspectiva con la que trabaja el pintor es muy baja, creando una sensación de solidez y dominio en la figura. Sus ojos miran hacia el cielo en un gesto de resignación ante el martirio. A sus pies, se muestran dos personajes que representan a los arqueros que han martirizado al santo, símbolo del mal. Destaca el gran realismo de la higuera, de la anatomía de la figura y la credibilidad visual de las ruinas clásicas.

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209."Templo de Atenea Niké" (427 a.C.) de Calícrates

ARQUITECTURA CLÁSICA: Fue un edificio construído en la Acrópolis en honor a la victoria conseguida por los griegos contra los persas en la Batalla de Salamina del 448 a.C. Esta obra encargada al arquitecto Calícrates, que también había colaborado en el Partenón, tuvo que adaptarse al escueto terreno que tenía el artista para crear este pequeño templo. Justamente encima de los propileos o acceso al santuario, se erigió este edificio en orden jónico. Tiene unos 8 metros de altura y el conjunto descansa sobre una plataforma de forma escalonada. Contiene pronaos y opistodomos y en la parta delantera vemos la organización del tipo de orden con arquitrabe de tres bandas, friso corrido con decoracion mitológica en relación a les Guerras Médicas realizado por algún escultor de la escuela de Fidias, una cornisa y el remate en forma de frontón dedicado a Atenea. En su interior una figura monumental de la misma diosa peró alada (en forma de "niké" o victoria) era motivo de culto y protección. Igualmente, para que protegiera realmente y no abandonara nunca  la ciudad, se le cortaron las alas de piedra conviertiéndose así en una victoria áptera. El templo estaba destinado a las grandes reuniones y por ello tenía enfrente un gran altar para hacer sacrificios.

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208."El enigma de la hora" (1911) de Giorgio de Chirico

PINTURA METAFÍSICA: Giorgio de Chirico es un artista griego, de procedencia italiana, muy conocido en Italia por la creación de la escuela metafísica dentro de la línea del surrealismo europeo de principios del siglo XX. El gusto por el simbolismo y las obras filosóficas de Nietzsche y Schopenhauer le llevaron a una concepción muy personal en su pintura. Las obras comprendidas entre 1909 y 1914 son las que le han dado mayor reconocimiento, una vez mudado a Florencia. En ese impás de tiempo pasó por Turín y por París, captando el carácter metafísico de las arcadas de esas ciudades, su arquitectura, las sombras y plasmándolas en una serie de cuadros llamados "Piazza metafisica" donde diversos "enigmas" recogían espacios evocadores sombríos y abrumadores. En un principio buscó paisajes urbanos inspirados en ciudades mediterráneas, con una luz y una soledad inusual hasta aquel momento. Son imágenes llenas de calma y de silencio. Poco a poco su evolución tendió a crear espacios atiborrados de objetos con la aparición circunstancial de los maniquís como espectadores excepcionales de un mundo onírico y yermo. El artista consideró que el espectador tenía que aportar algo a la obra de arte dejando el tema abierto para que éste lo interpretara como creyese oportuno. Este movimiento artistico se consideró uno de los claros precedentes de la pintura surrealista. Sobre esta obra decir que se nos presentan diversas figuras difuminadas en un espacio arquitectónico dando una sensación de ausencia. Un gran reloj que marca las tres menos cinco aún da más misterio al conjunto.

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207."Iglesia del Gesú" (1568) de Jacopo Vignola y Giacomo della Porta

ARQUITECTURA BARROCA: Ubicada en una céntrica plaza romana, esta iglesia, perteneciente a la Compañía de Jesús, está considerada como la primera de corte barroco, sobretodo en su fachada y paradigma de este movimiento en su línea más clásica. Un modelo que se copió hasta la saciedad en otras iglesias de este orden por toda Europa y Sudamérica. Sabemos que Miguel Ángel se ofreció para diseñar este templo de manera gratuita, aunque al final los principales arquitectos fueron Jacopo Vignola, discípulo del gran maestro antes mencionado y Giacomo della Porta, siendo el segundo el que remató aquello que el primero no pudo finalizar debido a su muerte. Vignola aportó una equilibrada composición en tres niveles superpuestos y Della Porta, revisando el diseño del primero, creó una tensión debido a los elementos verticales que aplicó. Es una iglesia de planta basilical sin nártex donde el visitante accede directamente a una única nave central, sin espacios laterales, envuelta, eso sí, de capillas con decoración en forma de balaustrada y enrejado. El transepto es mínimo en su apreciación en planta y éste, como máximo, enfatiza el altar mayor por sus extremos. La evolución del alto renacimiento al barroco dejó como herencia las cúpulas centrales de base brunelleschiana que seguirán utilizándose. El interior mantiene la bóveda de cañón adaptada en época renacentista con pinturas al fresco, los poderosos pilares del crucero, el revestimiento de las paredes rico en mármoles y decoraciones doradas en relieve, con esculturas en mármol blanco y estucos decorativos por doquier.

206."Cedro de Versalles" (2000-2003) de Giuseppe Penone

ARTE POVERA: Giuseppe Penone es una artista interesado básicamente en el concepto tiempo, más que por el espacio o el lugar. Un tiempo perdido que quiere recuperar basándose en la naturaleza y en el mundo orgánico. En los troncos de los árboles ya existe ese tiempo y Penone quiere arrebatárselo al igual que Miguel Ángel lo hacía en sus esculturas extraídas de los bloques de mármol. Siendo el más joven del grupo, en 1968 empieza a hacer sus primeros actos povera en los bosques de su ciudad natal, Garessio. Es una pequeña ciudad agrícola y eso le influenciará mucho en toda su obra, implicando la naturaleza en todo su entorno artístico. Su abuelo trabajaba abriendo sendas en los bosques y esto también le llevará a realizar un arte "robado" a lo natural. En su obra visualizará la forma escultórica de los árboles, seccionándolos, cortándolos, esculpiéndolos, etc. Le interesa el crecimiento, el equilibrio y la estructura corporal de los elementos a trabajar. Esta obra, como bien indica su nombre, está extraída de un cedro que proviene de Versalles y que se realizó expresamente para ser ubicado en una exposición en el Centro Pompidou de París. Ha utilizado un tronco de cinco toneladas de peso que fue arrancado por una tormenta y comprado posteriormente por el artista para manipularlo. En el tronco ha abierto una gran puerta desde la que se puede ver el corazón desnudo del árbol. Queda frente el espectador toda la fragilidad de un árbol vivo en el seno de la masa inerte.

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205."El rapto de Proserpina" (1621) de Gian Lorenzo Bernini

ESCULTURA BARROCA: Esta magnífica obra del escultor más importante italiano de todos los tiempos, forma parte de una de sus piezas mitológicas, encargada por Scipione Borghese. Esta pieza de Bernini fue realizada para convertirse en obsequio para el cardenal Ludovico Ludovisi en 1622 y pensada para decorar su villa. Permaneció allí hasta 1908 hasta que fue devuelta a la Galeria Borghese. Esta enorme estatua de mármol representa a Plutón (visto como Hades) que  secuestra a la ninfa Proserpina para convertirla en su esposa. Destaca la composición de la pieza, pensada en contraposto, con un cierto giro que la hace turbulenta, al estilo de las formas manieristas de evolución hacia el barroco más clásico. Esta posición hace que podamos contemplar la figura desde diferentes ángulos sin necesidad de una frontalidad única. Plutón intenta mantener sujeta a la que parece huidiza y asustada Proserpina (ó Perséfone), que lucha, con el "grito barroco" dibujado en su rostro, para evitar ser confinada como reina de los infiernos, ella que es la personificación de la primavera y de la libertad. La figura femenina tiene lágrimas en los ojos y su pelo se balancea movido como si una corriente de aire lo agitase en ese mismo momento. El conjunto escultórico tiene una tercera figura: el perro Cancerbero, vigilante de las puertas del infierno, que en esta ocasión está ladrando. El realismo con el que está tratada la pieza destaca al contemplar como los dedos del dios aprietan y se hunden en el muslo de la ninfa o como ella empuja su rostro demostrando su repudia, creando una majestuosa y elegante composición en aspa donde las diagonales toman protagonismo.

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