24."Discóbolo" (455 a.C.) de Miron

ESCULTURA GRIEGA: Ante la duda, nos encontramos en el momento justo del lanzamiento de disco de un atleta griego. Su magistral artífice fue Mirón, que supo imprimir toda la tensión muscular en el mármol de esta pieza, considerada uno de los cánones del clasicismo. Curiosamente esa tensión no se refleja en el rostro y solo hay concentración en sus rasgos faciales. Existe una fuerte torsión del cuerpo, pero a la vez hay armonía en el movimiento. Como ha sucedido en infinidad de esculturas de este período, nos han llegado las copias romanas, gracias a las cuales podemos conocer auténticas joyas como este "Discóbolo".

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23."Campbell soup" (1962) de Andy Warhol

ARTE POP: Andy Warhol, es junto a Salvador Dalí, uno de los pocos genios de la historia del arte. Demostró una gran imaginación y originalidad al plantear sus campañas publicitarias, en sus inicios. Fue pintor, ilustrador, cineasta y literato, pero sobretodo el mejor relaciones públicas del Hollywood de los años 60. Su primera exposición individual del 9 de Julio de 1962, fue todo un descubrimiento, ya que marcó la llegada del "pop art" a la costa oeste de los Estados Unidos. Para ésta, utilizó productos de consumo realizados en serie e iconos del "star system" que transformó como si fueran "ready mades" y como él quiso. La decisión era de él: en el fondo era el artista. Esta idea "duchampiana" planeó siempre por sus obras y en la serie de "Campbell soup" pudimos disfrutar de ilustraciones, serigrafías o instalaciones con cientos de latas apiladas. Fue un icono de la vanguardia y del "underground" en un momento en que el arte estaba caminando a toda velocidad hacia lo conceptual.

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22."La adoración de los Reyes Magos" (1301) de GIOTTO

PINTURA RENACENTISTA:"La adoración de los Reyes Magos", llamada también epifanía, es uno de los frescos con más reputación del "trecento" o primer renacimiento italiano. Iconográficamente, asistimos a la escena de la llegada de los reyes de oriente al portal de Belén para adorar al niño Jesús. Es un espacio modesto, con San José, la Virgen y el Niño sedente bajo palio al lado del ángel de la anunciación. El suelo es arenoso y detrás aparece un estilizado camello. Se deja entrever una perspectiva tosca desplazada a la izquierda del cuadro y una curiosa estrella de Belén. La guía divina tiene forma de cometa y es que Giotto, en ese mismo 1301, vio el cometa Halley porque pasó por Italia y fue avistada. Es una de las primeras obras de transición de la pintura mural gótica al renacimiento, donde vemos un interés por los pliegues de las capas y un cierto camino hacia el naturalismo. La temática religiosa medieval entrará rápidamente en decadencia para dar paso a la renovación de la mitología griega.

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21."Catedral Notre-Dame de París" (1163-1245)

ARQUITECTURA GOTICA: Es una de las iglesias góticas más antiguas de Francia. Apareció en pleno esplendor económico en una ciudad que necesitaba un nuevo enfoque a su edificio de reunión litúrgica. Una catedral imponente que fuera una gran simbología del ascenso espiritual marcado por el apuntamiento de los arcos y la gran verticalidad del conjunto. La burguesía adinerada y el prestigio del clero del momento, forjaron un estilo basado en la prosperidad urbana y el resultado fue la catedral gótica. En Notre-Dame de París vamos a encontrar diferentes influencias en su espectacular fachada: románico normando por su fuerte y compacta unidad y el gótico por su ligereza en la construcción vertical, y como no, por sus magníficas portadas. Las torres miden 69 metros de altura, aunque se cree que podrían haber sido más altas si se hubieran aplicado las teóricas linternas. Los elementos más conocidos de la catedral són la campana de la torre sur llamada "Emmanuel", la galería de las gárgolas y el famoso órgano Cavaille-Coll. El interior de las naves es de una ligereza sublime, sobretodo por las grandes vidrieras que se abren en los laterales.

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20."Sarcófago de los esposos" (s.VI a.C.)

ARTE ETRUSCO: Es un sarcófago funerario de tipo antropoide realizado en terracota pintada. Muestra a una pareja casada que está reclinada, tal y como se hacía en las bacanales romanas. En este caso la idea es el mantener esta costumbre en la otra vida, donde el ocio puede seguir existiendo. Los rostros son sonrientes, con ojos de forma almendrada y cabellos trenzados. En cuanto a la forma de los pies de las figuras y sus ropajes son de clara influencia del arte clásico de Grecia. El marcado contraste entre el busto realizado en alto relieve y las piernas casi aplastadas es una técnica muy etrusca en cuanto a composición. La acción se traslada a la parte superior del cuerpo con un intento de individualizar las caras y los dinámicos movimientos de los brazos gesticulantes.

19."Las señoritas de Avignon" (1907) de Picasso

PINTURA CUBISTA: Este cuadro pertenece al período protocubista de Pablo Ruiz Picasso. Con el se inició un intento de romper con el realismo figurativo, los ideales del canon espacial y las formas clásicas del cuerpo femenino. Todo se reduce a una serie de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, solamente destacan las lineas del dibujo en una especie de claroscuro. Las caras reflejan un cierto gusto por el africanismo, como si de máscaras superpuestas se trataran. Y no es de extrañar porque el arte africano empezó a conocerse en aqeul período y con más profundidad en la cultura occidental. Recuerda también ese alargamiento de las figuras pictóricas de El Greco o una composición que nos evoca a "Las bañistas" de Cezánne. Fue una obra incomprendida en la época por su radicalidad visual. El nombre final se tomó de una calle barcelonesa (Carrer Avinyó) donde habían muchos prostíbulos a principios del siglo XX, aunque muchos desconocedores de esta vía, creyeron que se referían a la ciudad francesa del mismo nombre.

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18."La escuela de Atenas" (1511) de Rafael

PINTURA RENACENTISTA: Es, sin lugar a dudas, una de las obras más conocidas e interesantes de Rafael Sanzio. Fue pintada entre 1510-1511 y estaba destinada a la decoración de unas habitaciones privadas del Vaticano. Es un cuadro de gran formato y representa la filosofía en mayúsculas, basado en una escena que narra una sesión entre diferentes filósofos, científicos y matemáticos clásicos. Para ello, adapta las figuras al espacio, tomado como una perspectiva exacta y científica. De entre los personajes reconocidos están Sócrates, Miguel Angel, Epicuro, Platón, Aristóteles, etc. El escenario recrea un espacio clásico ideal que cambio los esquemas artísticos del período renacentista.

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17."Torre del oro" (1221)

ARQUITECTURA ISLAMICA: Es una torre albarrana ubicada a orillas del Guadalquivir en la ciudad de Sevilla. Mide 36 metros y el nombre lo recibe por el material de construcción que al reflejarse en el río les da un tono dorado. Se pensaba que eran azulejos lo que brillaba, pero en una reciente restauración se ha demsotrado que era una mezcla de mortero con cal y paja prensada. Es una torres con tres cuerpos transversales: dos dodecagonales y uno cilíndrico, este último terminado en 1760. Se hizo construir por el gobernador almohade de la ciudad, Abú I-Ulá, como elemento defensivo al lado de las antiguas murallas y el alcázar, que han desaparecido. Actualmente alberga el museo marítimo de la ciudad hispalense.

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16."Pirámides de Giza" (4600 a.C.)

ARQUITECTURA EGIPCIA: Situada a 2o km de El Cairo, encontramos la imponente necrópolis de Giza. En ella se encuentra las tres famosas pirámides (Kefren, Keops y Micerinos) perteneciente a la cuarta dinastía egipcia, aunque ya se realizaban entierros a lo largo de la segunda. En el conjunto también encontramos los templos del valle, las mastabas y, excavada en la roca, la Gran Esfinge. De las pirámides solo conservamos su núcleo realizado en piedra caliza. Poco queda de su revestimiento en caliza pulida y granito rosado por la acción de la erosión. La imponente esfinge mide 57 metros de longitud y 20 de altura. En 1979, este conjunto único es considerado Patrimonio de la Humanidad.

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15."El columpio" (1757) de Jean Honoré Fragonard

PINTURA ROCOCÓ: Esta obra es el perfecto ejemplo de la pintura rococó. "Los felices azares del columpio" o simplemente "El columpio" es una obra encargada por un rico barón a Fragonard en homenaje a su amante. Otro pintor rechazó el encargo por considerarlo obsceno. La verdad es que el resultado conseguido, entre refinado y sensual, con ese dinamismo y ese escorzo, ha catapultado esta obra al esquema de las formas ideales de una época concreta. Representa una escena galante en un paisaje idílico. La mujer se balancea en un enorme columpio gracias a los empujones de una persona mayor, mientras un joven mira debajo de las faldas. No olvidemos que el adulterio estuvo permitido entre las clases aristocráticas a lo largo del siglo XVIII, ya que muchas bodas estaban concertadas o se realizaban por interés. Después de casarse era habitual que cada miembro de la pareja tuviera aventuras sexuales con sus verdaderos amores. Una obra que presagiaba la moda paisajista de Turner o Constable.

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14."Cruz de la Victoria" (905)

ARTES MENORES: La cruz más famosa de Asturias está guardada en la Cámara Santa de Oviedo y se hizo en el taller de orfebrería de la capital. Alfonso III, rey de Asturias, encarga esta cruz para conmemorar la el centanarios de la "Cruz de los Angeles", la cual admiraba. El alma es de madera y parte de ella pertenece a la cruz que lleva Don Pelayo cuando ganó la Batalla de Covadonga. De ahí su nombre de "victoria". Tipológicamente, la cruz tiene forma latina y tiene las cuatro puntas trilobuladas. Por delante, la decoración es de piedras preciosas no engarzadas. La base de madera se cubrió con láminas de oro trabajadas con filigrana en motivos vegetales y animales. La parte de atrás también está laminada en oro, pero no está tan elaborada su decoración y las piedras son más modestas.

13."Capilla de Notre Dâme de Haut" (1954) de Le Corbusier

ARQUITECTURA DEL SIGLO XX: La revolución plástica que comportó esta capilla para seguidores y discípulos de este maestro vino dada por su acercamiento a la arquitectura sacra. No olvidemos que Le Corbusier era agnóstico y cuando recibió el encargo de este lugar de peregrinación destruido por los bombardeos en la II Guerra Mundial, tuvo que pensarlo. Igualmente, él estaba de acuerdo en la introducción de la arquitectura y la pintura moderna en las construcciones religiosas. Una vez convencido le sedujo el enclave ya que estaba en un promontorio de unos 500 metros de altura. Otro elemento que generará la curiosa forma afilada de la iglesia fue el descubrimiento de un caparazón vacío de un cangrejo que encontró en una playa de Long Island. Apoyado en cuatro gruesos muros esta forma de concha servirá como modelo para la cubierta. Ésta se construye como si fuera un ala de un avión, es decir, de una sola pieza utilizando el hormigón de manera bruta que le da un color más oscuro. Esto contrastará con la blancura de las paredes que tendrá un refinamiento mayor con el mismo material. Los muros son independientes y separados de la cubierta por una hendidura, pero a la vez sujetos por pilares de hormigón que conforman la verdadera estructura portante del edificio. La planta de la capilla es asimétrica y los suelos del altar son de piedra. Se coloca en el interior una virgen policromada del siglo XVII único vestigio de la antigua capilla. Los muros juegan con pequeños ventanales que contienen vidrieras creando en el interior efectos de luz por el abocinamiento de las mismas. También, las paredes interiores laterales caen en diagonal evocando modernos contrafuertes. Los campanarios recuerdan las estelas funerarias de Esquía. Lo que más destaca de esta iglesia es el juego de luces y sombras, rompiendo con aquella obsesión de las superficies claras y la luminosidad homogénea de los años 20. Consigue una fusión de las artes: arquitectura, escultura y pintura.

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12."Moisés" (1513) de Miguel Angel

ESCULTURA RENACENTISTA: El Moisés es una espectacular escultura de mármol centrada en la figura del personaje bíblico. Se concebió originariamente como figura para decorar el sepulcro del papa Julio II que tenia que ubicarse en San Pedro del Vaticano. Al final acabó en la iglesia de San Pietro in Vincoli. El hecho de que tenga cuernos es debido a un error de interpretación de San Jerónimo al traducir del hebreo: entendió que tenía cuernos cuando tenía que haber escrito que le salían rayos por los ojos una vez que Moisés recibió la bendición divina. En la figura destaca los pliegues de los ropajes, que junto al movimiento de la cabeza y la protuberancia muscular y vascular, crea una tensión psíquica inusual en el período. Es una imagen tan realista que la leyenda dice que cuando Miguel Angel acabó la obra le dijo "Parla, cane!" ("habla, perro") golpéandole la rodilla con un martillo. La verdad es que sólo faltaba extraerle la vida a la piedra.

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11."Victoria de Samotracia" (190 a.C.)

ESCULTURA GRIEGA: Es una “niké” alada de bulto redondo perteneciente a la escuela rodia del período helenístico. Mide 245 cm y está hecha en mármol. Parece ser que se hizo construir para conmemorar el triunfo de las tropas navales griegas en la batalla de Salamina. La victoria se posa encima de una plataforma que es la proa de un navío. El cuerpo se contonea en una graciosa posición que le da gran dinamismo. Va envuelta en un finísimo manto labrado en la piedra que produce una sensación de traslucidez anatómica, que recuerda a la técnica de los “paños mojados” preconizada por Fidias. El viento agita los ropajes de la figura lo que da un sentimiento de gozo y de triunfo. Como curiosidad, decir que una de sus famosas alas se adhirió posteriormente debido a una restauración. También comentar que la conocidad marca de ropa deportiva “Nike”, extrajo su nombre de esta estatua y la forma de su logotipo emula una de sus alas.

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10."Pantocrator de Sant Climent de Taüll" (1123)

PINTURA ROMÁNICA: En este edificio singular del románico catalán de influencia lombarda, encontramos una de las pinturas murales más interesantes del mundo. Estamos hablando del “Pantocrátor” que se hallaba (actualmente están conservadas en el Museo de Arte Nacional de Catalunya) en el ábside central de la iglesia. En ella vemos al “maiestas domini” dentro de una mandorla perlada y en posición sedente. A la altura de sus hombros encontramos una alfa y una omega, del alfabeto griego, símbolo del principio y del fin de la humanidad. Una de sus manos está en posición de bendición mientras que la otra sostiene un libro abierto donde podemos contemplar la leyenda “Yo soy la luz del mundo”. A ambos lados de Dios encontramos dos serafines alados y a continuación el tetramorfos. Debajo encontramos la figura de cinco apóstoles y la imagen de la virgen María tocada en blanco y con un manto azul.

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9."La habitación" (1888) de Vincent Van Gogh

PINTURA POSTIMPRESIONISTA: Van Gogh realizó tres obras parecidas y ésta en concreto es la denominada “El dormitorio en Arles”. Representa la modesta habitación que tenía el artista en la plaza Lamartine, 2 de esa localidad francesa. Residió en los años 1888-1889, un poco antes de la llegada de Paul Gauguin a la ciudad. En el cuadro vemos dos puertas: la de la izquierda subía a otro piso y la de la izquierda era la habitación de invitados que fue ocupado posteriormente por su amigo Gauguin. No era la mente convulsa del artista lo que motivó la forma trapezoidal de la habitación, sino que era así. El mobiliario era sencillo, en madera de pino y con poca decoración. La fuerte perspectiva torva que utiliza, es uno de los sellos de identidad de su etapa final, ya que fallecería dos años después de terminar este cuadro y después de sufrir una gran depresión nerviosa. El artista dejó más de 900 pinturas y 1.600 dibujos, solo en los últimos diez años su vida.

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8.“El Panteón” (27 a.C.) de Agripa

ARQUITECTURA ROMANA: El Panteón fue un templo circular que se construyó para el culto de todos los dioses romanos. Se cree que el edificio fue destruido y en tiempos de Adriano se volvió a realizar siguiendo los planos del edificio original. Por lo tanto la cronología correría hacia el 125 d.C. y la construcción sería del arquitecto Apolodoro de Damasco. Adosado al pórtico de un templo clásico en planta y estructura, se le añadió una innovadora sala circular exclusiva de la arquitectura romana. Esta forma junto con la bóveda semiesférica se utilizaba en los baños termales, pero nunca en un templo. La cúpula mide 43,44 m de diámetro, lo que la convierte en la mayor cúpula de la historia del arte. La otra gran cúpula, la de San Pedro del Vaticano, se construyó un poco más pequeña por respeto a este monumento. El interior es espectacular con sus ocho exedras y nichos que alternan pilastras y columnas en su primer piso. En el segundo una hilera de ventanas que fueron redecoradas a la “maniera” clásica en el siglo XVIII. El pavimento de la rotonda es ligeramente convexo, para que la lluvia que entra por su famoso óculo abierto, fluya sin problema. El interior de la cúpula está decorado con cinco filas de casetones. Una obra inigualable y necesaria para comprender muchas iglesias posteriores.

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7.”La venus de los 262 trapos” (1967) de Michelangelo Pistoletto

ARTE POVERA: Es un montaje de la famosa Venus de Cnido en forma y concepción. Está rodeada de trapos imitando el acceso a una cueva. La figura parece sostener para que no se caigan o bien se dispone a entrar. El artista hizo una serie donde variaba figura de Venus que podía ser blanca o dorada. La primera que usó fue de yeso y la compró en una tienda de figuras de jardín seriadas de una carretera. Tras el éxito de esa primera obra, los otros montajes los hizo en mármol y chapado en oro. En su intento constante de armonizar la vida real con el arte, expuso por primera vez esta obra en un patio de vecinos, acercando el arte al vulgo y buscando un alejamiento del lugar tradicional de exposición (arte povera). Con esta obra se pretende olvidar el arte del pasado, banalizándolo mediante la reproducción serial de la estatuaria clásica y rodeando la pieza con un efímero y vulgar montón de trapos que podría significar la matriz femenina. Se mitifica, eso sí, la figura de la mujer. Aún y así, estas obras, al no estar solidificadas con ningún material, varían siempre que se transporta a una nueva exposición. Pistoletto creó también “La venus ciega” que fue otra obra en la que cogió otra Venus en serie y le creó como una especie de turbante-capa de ropas que empezaba a la altura de los ojos.

6."Extasis de Santa Teresa" (1647-1651) de Gian Lorenzo Bernini.

ESCULTURA BARROCA: Fue un encargo del cardenal Cornaro para ser colocada sobre su tumba. Actualmente se encuentra en la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma. Es, sin duda, la obra más conocida de Bernini y una de las piezas más interesantes del alto barroco romano. En esta exquisita obra encontramos a Santa Teresa de Jesús, escritora mística y reformadora, en pleno trance. El movimiento frenético de los ropajes, junto al uso de materiales marmóreos de color y metal, crea una atmósfera divina. Gran culpa de ello lo tienen los filtros de luz que atraviesan la ventana cercana al conjunto escultórico. La iconografía que la propia santa explica en su obra escrita, nos deja entrever un episodio en que se le aparece un ángel que le atraviesa el corazón con un dardo de oro. La expresión de ella es de dolor/placer ya que está sufriendo el castigo divino. Las figuras están hechas de blanco mármol y los rayos de sol que decoran el fondo son de bronce. Además, la capilla donde fue ubicada esta escultura de grandes dimensiones, fue pintada por el propio artista para darle más realismo al conjunto.

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5."El beso" (1887) de Auguste Rodin

ESCULTURA DEL SIGLO XIX: Esta monumental escultura fue encargada como una figura más en un grupo de relieves que se colocó en las puertas de un nuevo museo de artes decorativas en París. Debido a su belleza y junto a “El pensador”, la escultura fue separada del conjunto y expuesta como pieza única. Rodin nunca esculpía sus grandes figuras desde el alma: el solo retocaba y daba los toques finales para crear la genialidad de sus obras. “El beso” tuvo versiones iniciales en bronce y terracota a pequeña escala y que sirvieron de maquetas para la obra final realizada en mármol. Esta estatua apareció por primera vez en el Salón de París de 1898 y el éxito fue tal, que una compañía ofreció al artista un contrato para comercializar un número ilimitado de figuras en bronce de pequeño formato. Esta obra tuvo tres copias que realizó por encargo para diversos magnates, pero la oficial y la que fue encargada por el gobierno de Francia descansa en el Museo Rodin de París. La inspiración de esta excelente obra de arte provino de su relación con Camille Claudel.

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4."El nacimiento de Venus" (1484) de Sandro Botticelli.

PINTURA RENACENTISTA: Esta obra, realizada en temple sobre lienzo de grandes dimensiones es la obra maestra de Sandro Botticelli y una de las joyas del Quattrocento italiano por excelencia. La iconografía de la obra nos cuenta que Venus nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y tirados al mar. La obra en sí no muestra el nacimiento de la diosa sino el momento en que ésta arriba a una playa sobre una concha. Es empujada por el soplo de los dioses alados que son Céfiro, dios del viento del oeste y su esposa Cloris que es la ninfa de la brisa. El fuerte abrazo de ambos es símbolo de la unión de la materia y el espíritu y las flores que caen delicadamente simbolizan la virginidad. La fuerza de la obra se centra en una Venus púdica, que tapa su sexo y sus senos, pero su pose y el uso del largo cabello rojizo para cubrirse, le da un erotismo inusual. A la derecha aparece una ninfa que viene corriendo con un manto floreado para cubrirla y de esa manera cubrir los misterios de la diosa.

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3."Las meninas" (1656) de Diego Velázquez

PINTURA BARROCA: Conocida popularmente desde el siglo como Las Meninas, el cuadro fue titulado originalmente como "La familia de Felipe IV" y es, probablemente, la obra más importante del pintor español Diego Velazquez. Es una pintura de grandes dimensiones, con las figuras representadas a tamaño natural. Se halla expuesta en el Museo del Prado de Madrid. El tema principal es el retrato de la infanta Margarita de Austria, aunque se convierte en un retrato final de corte costumbrista en el cual el propio Velázquez aparece. No es una escena familiar ya que aparece un enano, la camarera mayor de la infanta, su perro, etc. Se ha dicho que es una imagen casi fotográfica en que la niña entra en el estudio del pintor de la corte y esa espontaneidad es la que pretende Velázquez en su obra. Hay un juego de miradas entrecruzadas entre los personajes de la escena teatral con el público que observa el cuadro. Todo un juego de luces y sombras muy del barroco y a la vez un homenaje a la nobleza pictórica que el artista quiso plasmar. Es sin duda la obra española que más ríos de tinta ha provocado.

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2."Iglesia de Santa Maria del Naranco" (842)

ARTE PRERROMÁNICO: Esta iglesia ovetense se contruyó como palacio real en una zona para la caza áulica. De original concepción, parte de un modelo parecido al de la Cámara Santa. La fachada occidental y la oriental son iguales. En la parte central hay una balconada con tres arcos, en la parte superior una ventana tripartita imita el belvedere y en la parte inferior hay una puerta de acceso a la capilla real. Vemos el uso correcto de los bloques de piedra bien encuadrados. Para garantizar el peso de la única nave central se han utilizado contrafuertes con un cierto ritmo. La planta es rectangular y tiene dos niveles: la superior está envuelta con bóveda de cañon reforzada con arcos fajones. Hay medallones en las enjutas y las columnas están decoradas con sogeado geométrico. Los capiteles tienen decoración antropomórfica y zoomórfica. El nivel inferior está dividido en tres espacios: uno central, y dos laterales que pertenecía a la piscina y a la capilla real. Una de las joyas del arte asturiano y referente del primer románico hispánico en la península.

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1."Casa Kaufmann" (1935-1939) de Frank Lloyd Wright

ARTE DEL SIGLO XX: También llamada "Casa de la cascada", está ubicada en Pensylvannia y es la obra cumbre de Wright de sus “prairie houses”. Antes de la construcción de esta imponente casa había una casita de madera que pertenecía al presidente George Washington. La casa se construyó en medio del bosque por donde pasa una cascada natural. Sobre un montículo de piedra, el arquitecto generó toda una serie de horizontales y verticales para jugar con el agua y la propia roca, intercalando esta última a nivel espacial y de materiales. Ante la complejidad del proyecto y lo ambicioso de la idea, el promotor contrató a otros ingenieros para que dieran una opinión objetiva sobre el riesgo de la obra que la aprobaron. Las estructuras de amplios voladizos y las grandes terrazas de influencia japonesa hacen que la casa "flote" sobre la corriente del río. Esta obra pone en contacto la casa con la naturaleza. Desde el interior todas las vistas dan a la cascada o a las rocas, bien en forma de terrazas bien en forma de grandes muros cortina. En la planta superior se encuentran los dormitorios, cada uno de ellos con su terraza propia. Los elementos verticales de la casa (torre de la chimenea) está hechos con piedra nativa y con un ligero relieve que le dan un aspecto escultural. Los otros elementos son de hormigón. Los suelos y las paredes están recubiertos de piedra y los trabajos en madera están realizados en nogal veteado. Además es interesante la decoración con mantas y jarapas mejicanas como decoración de la sala principal. La casa que todo el mundo soñaría tener.

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