163."La visión tras el sermón" (1888) de Paul Gauguin

PINTURA POSTIMPRESIONISTA: Esta obra de Gauguin que se encuentra en la Galeria Nacional de Escocia, en Edimburgo, es una de las más enigmáticas de este genial artista. Este cuadro también es conocido por el más preclaro nombre de "La lucha de Jacob con el ángel". Esta obra fue pintada en la segunda estancia en la localidad francesa de Pont-Aven, en la que pretendía señalar una cierta simplicidad y rusticidad en los de los habitantes de la zona, además de la profunda religiosidad. Esta pieza contiene los elementos de la búsqueda poética del artista. En la composición vemos a un grupo de campesinas que tocadas con sus sombreros y sus vestidos de misa "contemplan" una visión relacionada con el pasaje bíblico antes comentado. Una visión con se está ejecutando ante nuestros ojos y en un segundo plano sobre un fondo místico rojo. La antinaturalidad del color de fondo le da ese tono onírico. Destacar sobretodo la influencia de las estampas japonesas tan de moda a finales del siglo XIX, donde vemos al ángel luchador evocando a un practicante de sumo y la rama del manzano que corta en diagonal la imagen en clara referencia a los primeros planos recortados de dichos "japonismo" de artistas exportados como Hokusai.

162."Lucrecia" (1804) de Damià Campeny

ESCULTURA NEOCLÁSICA: Está en el Palau de la Llotja de Barcelona. Campeny fue uno de los primeros escultores catalanes que estudio en la Escuela Gratuita de Dibujo y que era la academia barcelonesa de las bellas artes del momento. Siguiendo la línea de esta tipología de formación copia los modelos de la estatuaria antigua haciendo furor entre los artistas neoclásicos. La historia de Lucrecia es la de la esposa de un patricio romano que es violada por un rey. Denuncia públicamente este acto pero como siente tanta vergüenza y tanta rabia decide suicidarse. En esta escultura vemos el momento posterior a la muerte ya que encontramos la daga a sus pies, la herida sangrante sobre su pecho a la altura del corazón. Pero sobretodo destaca el peso del cuerpo en el momento del fallecimiento. A nivel iconográfico es un tema magnífico porque trata un acontecimiento de la historia antigua ideal para los preceptos neoclásicos y a nivel formal también lo es porque con esta excusa plantea un pseudodesnudo vistiéndola con una sutil túnica que permite contemplar perfectamente su anatomía. Le interesa más el estudio anatómico y el tema queda en segundo término, aunque notamos una cierta sensación de frío y distanciamiento con el espectador al contemplar el conjunto. Está realizada en mármol.

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161."Tholos de Delfos" (380-360 a.C.)

ARQUITECTURA GRIEGA: Los peculiares "tholos" de la antigua Grecia de forma circular tienen su origen en las primeras casas que en el Neolítico construían los habitantes de la península balcánica. También, la cultura micénica, utilizaba estas estructuras como espacios funerarios. Pero el caso del ubicado en Delfos, dentro del período clásico griego, era un templo de culto de la misma forma rodeado de una pantalla de columnas con su respectivo orden arquitectónico. El tholos de Delfos está dentro del conjunto del santuario de Atenea Pronaia. Contiene en su perimetro 20 columnas semiderruidas de estilo dórico dispuestas en un círculo de unos 15 metros de diámetro. En su interior también vemos 10 columnas más solo con su basamento en este caso de orden corintio. Está a unos 800 metros del conjunto monumental de Delfos, muy bien conservado. Es uno de los monumentos más fotografiados de la zona.
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160."La muerte de Marat" (1793) de Jacques Louis David

PINTURA NEOCLÁSICA: Esta excelente pintura del pintor neclásico francés David está considerada una de las más famosas de temática relacionada con la Revolución Francesa. Representa la muerte del radical escritor Jean Paul Marat, que estaba vinculado con la facción jacobina durante el denominado "reinado del Terror". Marat fue apuñalado el 13 de julio de 1793 por una mujer girondina llamada Carlota Corday, que consiguió su objetivo, alegando una serie de nombres de la facción contraria para que fueran guillotinados. Marat, que sufría una grave enfermedad cutánea que le producía terribles picores, tenía que tomar constantemente baños y allí recibió a la dama que, con la excusa delatora, sacó un puñal y asesinó al famoso personaje. El pintor era amigo íntimo del periodista y además seguidor de Robespierre. Conmovido por su muerte, le organizó un gran funeral y decidió inmortalizar la terrible escena, considerándose una de sus mejores obras, aunque su realización fuera rápida. En la imagen vemos la daga ensangrentada en el suelo y la caja (con la dedicatoria del pintor) que hacía de pupitre espontáneo en sus largas horas en el baño. La figura está idealizada en conexión con las formas romanas y la pluma, el tintero, los papeles (donde aparece escrito el nombre de su asesina) y la alfombra verde son verídicos, ya que el propio David estuvo presente posteriormente a la escena del crimen. Destaca la tremenda modernidad del conjunto con ese fondo neutro que prefiguraría muchas de las tendencias de siglos posteriores.

159."Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane" (1638-1641) de Francesco Borromini

ARQUITECTURA BARROCA: Esta paradigmática iglesia barroca romana fue construida por Borromini por orden de los trinitarios descalzos y está considerada una de las mejores representantes de la arquitectura religiosa italiana del siglo XVII. Destaca sobretodo su sinuosa fachada que presenta espacios libres y compactos jugando con las formas geométricas curvas exceptuando los órdenes arquitectónicos gigantes, en esa teatralidad planteada por los ideales barrocos del momento. La planta presenta el formato centralizado elipsoidal típico de las iglesias italianas de aquel momento y bastante exclusivo de aquella zona. En su interior destaca la magnífica cúpula oval con decoración en casetones. Lo que más destaca es el alto grado de conocimientos matemáticos y arquitectónicos que demostró el artista a la hora de concebir esta construcción.

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158."Plaza de San Marcos" (1724) de Canaletto

PINTURA ROCOCÓ: Esta vista de pájaro realizada por Canaletto de la famosa plaza veneciana de San Marcos, fue un encargo de un noble de aquella ciudad para decorar una estancia de su palacio. Este óleo era el primero de un conjunto de cuatro, que tenían la misma función que éste, con diversas vistas de monumentos y canales de Venecia. En esta pieza podemos contemplar toda la plaza con la basílica de San Marcos y su peculiar "campanile" al fondo. Esta torre descentra el eje de simetría en una perspectiva necesaria para poder realizar esta panorámica. Pinta, si es necesario, las líneas del suelo de manera paralela para poder dejar a la vista los edificios laterales forzando de esta manera los ejes de la perspectiva. Aunque esta fue una de sus primeras obras como pintor demuestra una gran pericia y conocimiento topográfico de los espacios pintados. El celo decorativo con el que pinta los detalles de los toldos y los transeuntes junto con las tonalidades suaves del cielo le da ese toque rococó al paisajismo de este gran artista del siglo XVIII.

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157."Cruz de los ángeles" (808)

ARTES MENORES: Es la única muestra de orfebrería que nos queda del reinado de Alfonso II de Asturias. Fue una cruz encargada para ser colocada en la Cámara Santa y conservada actualmente en este mismo lugar. El esqueleto es de madera con láminas de oro y piedras semipreciosas. La forma de la cruz es la que denominamos como "petada" de forma griega y en la zona central destaca un medallón. En el reverso hay una inscripción que nos dice que fue el propio rey el que encargó esta pieza, el motivo del mismo y qué pasaría si no se coloca en el lugar deseado por el comitente. Algunas de estas piedras son camafeos antiguos que daban mayorprestigio a la propia cruz. Se denomina así la cruz, porque según la leyenda de una crónica hallada en la “Historia Silense” del segle XII, fue realizada por ángeles que desaparecieron al acabarla. Lo que sí sabemos es que en la capital del reino asturiano, Oviedo, no había ningún taller de orfebrería y debido a la gran calidad de la pieza se ha pensado que podría haber sido importada del norte de Italia ya que la “Cruz de Desiderio”, hecha en la ciudad de Brescia, tiene las mismas características técnicas y tipológicas.

156."Silla con grasa" (1960) de Joseph Beuys

FLUXUS: La grasa es uno de los elementos esenciales en la obra de Beuys, considerada por su filosofía peculiar como base de calor y energía. Es amorfa y solo puede tener forma durante un tiempo y según las condiciones climatológicas a la que está sometida. Es sensible a las temperaturas y es la contraposición a la piedra de la escultura, ya que es orgánica y variable. La energía de esta sustancia tiene una base curativa, tan curativa como el arte ha de serlo dentro de una sociedad que está enferma. También usa un trozo de cobre que considera el culmen del estado de la espiritualidad por ser portador de carga eléctrica. La silla ha dejado de hacer su función de “ready-made” porque no podemos sentarnos en ella. Son objetos y elementos que han sido parte de la vida del artista y que tras convivir con él le ha dejado una huella imborrable. Son objetos-sujeto y no objetos-objetos como Duchamp pretendía que fueran sus obras. Son a su vez objetos cálidos que incitan a la cooperación que tienen su paradigma en el universo de la colmena. Los convierte en objetos-escultura referidos a todo el mundo y en el que no solo los artistas pueden crear arte.

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155."El banquete de Herodes" (1460-1464) de Fra Filippo Lippi

PINTURA RENACENTISTA: Fra Filippo Lippi fue uno de los más destacados pintores del "quattrocento" italiano y por extensión, del renacimiento. Sobresalió por romper moldes con su paisaje y su elegancia nerviosa alejando definitivamente el fantasma de la pintura gótica ítala. Discípulo directo del gran Masaccio dio un nuevo aire a los temas clásicos tratados hasta el momento buscando un nuevo colorismo. En esta obra que es un fresco ubicado en la catedral del Prato vemos un banquete presidido por el rey Herodes al que ninguno de los invitados faltó ya que el tumulto de personas que se agolpan en la mesa, ataviados elegantemente para el evento, comen copiosamente, ahítos y ebrios, con la intención final de rematar la noche con el asesinato de San Juan Bautista. La escena se compartimenta en dos espacios: la de la izquierda donde Salomé está danzando al lado de los monarcas y la de la derecha donde ella ya tiene en sus manos la cabeza codiciada del santo decapitado. La forma de plantear la escena, el exceso de arabescos y decorados, la delicadeza del movimiento de los vestidos fueron fuente de inspiración para obras de Botticelli.

154."Apoxiomenos" (340 a.C.) de Lisipo

ESCULTURA GRIEGA: Fue la escultura más famosa de uno de los más célebres escultores del período postclásico de la Grecia antigua y llamado Lisipo. La copia que actualmente conocemos es una copia romana que se encuentra en los museos vaticanos y que según los historiadores del arte, fue una réplica de una original realizado en bronce. Se descubrió en 1849 en el populoso barrio romano de Trastevere y mide más de 2 metros de altura. La temática es la de un atleta totalmente desnudo que que se limpia de aceite con el estrígil después de haber realizado sus ejercicios. La posición de la pierna en un incipiente "contraposto" le da un dinamismo momentáneo de gran efectividad visual debido al desplazamiento del peso hacia un lado. La cabeza, en comparación con el resto del cuerpo es pequeña y está ligeramente inclinada tal como lo estaba el famoso "Doríforo" de Policleto, siguiendo el cánon de nueve cabezas típico del período helenístico.

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