143."Ritmo 0" (1973-1979) de Marina Abramovic

ARTE NO OBJETUAL "BODY ART": Realizó hasta diez acciones con el mismo nombre en este impás de tiempo, cada una con su número correspondiente. La más conocida fue “Ritmo 0” una revelación artística "body art" en contra de la dictadura del General Tito en la antigua Yugoslavia. Quiso llevar a límites insospechados la relación de la artista con el público, ya que le interesaba mucho el momento de la espontaneidad del peligro. Para ello Marina Abramovic se convirtió en una escultura viviente pasiva durante 6 horas. Colocó en una mesa 72 objetos de dolor y placer como cuchillos, plumas, tijeras, látigos, una pistola y una bala por separado. Durante ese período el público asistente podía manipular su cuerpo como quisieras: acariciándola, cortándola e incluso matándola si alguien se prestaba. En un principio la gente era tímida pero poco a poco, al ver la impasibilidad de la artista, se volvía más agresiva. Al final se crearon dos grupos: el atacante y el defensor. Fue una de las defensoras de arte no objectual imposible de ubicar en el salón de un coleccionista ya que ella como lienzo no podía exponerse por ser humano. Se produjo una serie de tendencias que desmaterializaron el arte. Las fotografías son las únicas muestras de esta "performance", siendo el testimonio de la obra en sí.

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142."Catedral de Cuenca" (1196-1257)

ARQUITECTURA GÓTICA: Es una catedral advocada a Santa María y a San Julián y es sede diocesiana desde 1183. Es una peculiar catedral, ya que tiene reminiscencias directas con el gótico normando que se realizaba en la zona central de Europa a lo largo del siglo XIII. La inspiradora de esta línea artística fue la mujer de Alfonso VIII, Leonor de Plantagenet, que provenía de familia inglesa. Acompañada de su séquito normando, éstos fueron los que diseñaron bajo los modelos de este estilo a la hora de construir esta catedral, siendo la primera catedral de estilo gótico, junto a la de Ávila. El románico, fuertemente instaurado en la península, dió paso a este estilo protogótico que recuerda a catedrales como las de Laon en Francia. El interior evolucionó de un románico tardío a un primer gótico con la presencia de un triforio con bóvedas de arista sexpartitas. Sobre la fachada decir que después de la caída de la torre del Giraldo, se reconstruyó a principios del siglo XX bajo los prototipos del neogoticismo inspirándose a su vez en la fachada de la catedral de Reims. Por miedo a desvirtuar la fachada original se frenaron las obras, de ahí que no tenga torres esta majestuosa iglesia.
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141."Urna de Santo Domingo de Silos" (1165-1170)

ARTES MENORES: Es la obra maestra del taller de esmaltes que había en el monasterio de Santo Domingo de Silos en Burgos. Este trabajo estaba destinado a cubrir el modesto sepulcro hecho en piedra y que alojaba las reliquias del santo. Consta de dos piezas: una frontal y otra inclinada en forma de techado superior. El frontal, que se guarda en el Museo de Burgos, son tres tablas de roble recubiertas con cobre dorado decoradas a su vez con figuras esmaltadas. En el centro, encontramos una "maiestas domini" envuelta por la mandorla mística. Cristo está sentado sobre un arcoiris y está rodeado del tetramorfos. Con la mano derecha bendice y con la izquierda sostiene el libro. Tiene nimbo crucífero y a ambos lados de su rostro aparecen los caracteres griegos de la alfa y la omega, símbolo del principio y del final del mundo. A ambos lados, los apóstoles en dos baterías de seis representantes a cada lado, están bajo arquerías separadas por columnas y arquitecturas en relieve. Es el prototipo decorativo románico de los frontales de altar. Sobre el detalle de las vestiduras esmaltadas destacan las cabezas que sobresalen en bajorrelieve labradas con gran calidad. En la parte inferior hay unas arquerías que posiblemente llevarían unas columnillas para sostener en alto el conjunto. En esa zona hay marcas de fuego probablemente de las velas cercanas colocadas en su época. Es sin duda una de las pocas y mejores muestras de la técnica del esmalte románico hispánico.

140."La fragua de Vulcano" (1630) de Diego Velázquez

PINTURA BARROCA: Durante su primer viaje a Italia, Velázquez pintó esta magnífica obra. Fue una pieza que se realizó sin petición de encargo y fue vendido posteriormente a la corona española. Actualmente se puede contemplar en el Museo del Prado. Es un cuadro de temática mitológica extraído de "las metamorfosis" de Ovidio y refleja el momento en que el dios Apolo revela a Vulcano el adulterio entre Venus y Marte. Vulcano, esposo de Venus, queda sorprendido ante semejante noticia. Es un pasaje de poca tradición iconográfica, ya que era más habitual otro momentodel mito en que Vulcano apresa a los amantes con una red. El pintor se basó en sus conocimientos de estatuaria clásica para realizar las figuras de la composición que siguen los preceptos del claroscuro mezclados con tonos terrosos y que a su vez contrastan con la teatral aparición de Apolo. Sobre la bella cabeza de Apolo existe un estudio previo que se conserva en una colección privada norteamericana.

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139."Lamentación sobre Cristo muerto" (1485) de Andrea Mantegna

PINTURA RENACENTISTA: Este óleo conservado en la Pinacoteca de Brera de Milán, presenta una certera imagen de Cristo muerto y yacente sobre una losa de mármol en posición casi perpendicular al espectador. Se la ha considerado uno de los escorzos más violentos de la historia de la pintura. Adelantándose a los pintores barrocos, Mantegna juega con un gran contraste de luces y sombras creando un ambiente de desolación y gran tristeza. Esta dramatización queda patente con los estigmas de las manos y de los pies, sin ningún tipo de idealización o retórica visual. Trabajó la sábana que cubre su cuerpo con un gran clasicismo y pegada a la anatomía del cuerpo. El tema de la lamentación de la muerte de Cristo era un tema habitual en el Renacimiento, pero jamás se plasmó con tanta rotundidad. Está rodeado por la virgen María y María Magdalena, que parecen ser añadidas posteriormente por el propio artista. Este cuadro podría haber estado destinado a la capilla funeraria del pintor, pero no se sabe con certeza, ya que fue vendido por sus hijos.

138."Erecteion de Atenas" (421-407 a.C.)

ARQUITECTURA GRIEGA: Este emblemático templo está ubicado en la zona norte del conjunto de la Acrópolis ateniense. Se construyó en honor a los dioses Atenea y Poseidón pero sobretodo fue dedicado al mítico rey Erecteo. Está hecho en mármol pentélico y se le ha asignado la construcción al arquitecto Filocles o bien a Mnesicles aunque no con total seguridad. Es de planta irregular debido a la bajada del terreno. Está realizado dentro del órden jónico y consta de tres pórticos con dos "cellas" y pronaos hexástilo. El más famoso es el que está sostenido por las emblemáticas cariátides. Son seis columnas en forma de figura femenina de más de 2 metros de altura cada una y que son las encargadas de soportar el peso del entablamento. Es una obra realizada en el famoso siglo de oro del gobernador Pericles. Como curiosidad del uso de este edificio en su devenir histórico decir que en el siglo VII fue una iglesia bizantina y que en 1463, el comandante turco que dominaba la zona, alojó allí a su harén personal.
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137."Valley curtain" (1971) de Christo

ESCULTURA LAND ART: A finales de 1970, Christo y su esposa Jeanne-Claude, crearon una tela de 400 metros de largo para enlazar entre sí las laderas de Rifle Gap, en las Montañas Rocosas. La obra costó 230.000 dólares y grupos ecologistas del momento se quejaron ante el posible desperfecto medioambiental de esta mastodóntica instalación. Los 14.000 m2 de paño de color azafrán estaban engarzados por un cable de acero con trabillas y sujeto a dos barras metálicas laterales reforzadas con 200 toneladas de hormigón. La obra al final costó el doble pero pudo financiarse con la venta del "merchandising" artístico de esta inusual pareja de creadores. Su tendencia a "envolver" edificios o espacios naturales se había iniciado ya en 1958 envolviendo con papel y cuerda un bote de pintura. La megalomanía de su obra le llevó a realizar empresas tan espectaculares como ésta. El 10 de octubre de 1971 se pudo colgar esta inmensa cortina, base de la obra artística, pero fue rasgada por las inclemencias del viento. Se fabricó de nuevo otra y se ubicó en el mismo lugar el 10 de agosto de 1972 pero se tuvo que retirar 48 horas después de su colocación debido a una gran tormenta que asoló la zona. Esta obra efímera solo cuenta con el testimonio audiovisual que os invitamos a contemplar a continuación y que consta de 3 partes.
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136."Fontana de Trevi" (1732-1762) de Nicola Salvi

ESCULTURA BARROCA: Está considerada la fuente más grande, más bella y más ambiciosa de la Roma del período barroco. Está situada en el cruce de tres calles donde antes había un acueducto de época romana llamado Aqua Virgo. Existía la tradición de construir una gran fuente al final de los acueductos y con el Renacimiento resucitó esta idea clásica. Ya en 1453, Alberti construyó una simple pila para anunciar la llegada del agua. En 1625, el papa Urbano VIII, en un momento clave del urbanismo en la ciudad de Roma, pide a Bernini una mejora de esa misma fuente. Su proyecto fue rechazado en favor del de Nicola Salvi y se iniciaron las obras ya en época del papa Clemente XII. El telón de fondo de este magnífico conjunto escultórico, con grandes influencias berninianas, es el palacio Poli realizado con un orden gigante de pilastras corintias que enlazan las dos plantas del edificio. El tema iconográfico es el de la doma de las aguas mezclando este elemento líquido, con roca tallada y con la arquitectura. Vemos tritones, caballos, a Neptuno en su carroza y alegorías de la abundancia y la salubridad. El centro está marcado por un arco triunfal y hay diversos bajorrelieves por toda la composición. El precario equilibrio de las figuras y el dinamismo de las mismas nos evocan al inminente rococó.

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135."Baco adolescente" (1598) de Caravaggio

PINTURA BARROCA: Este delicioso "fanciullo" de la etapa "juvenalia" de Caravaggio es un óleo sobre lienzo que se conserva en la Galería Uffizi de Florencia. Fue un momento en el que estaba a las órdenes del mecenas y cardenal Del Monte donde vemos el interés humanista de la iglesia católica del momento. Fue un regalo del cardenal a Fernando I de Medicis por las bodas de su hijo Cosme I. En la pintura se representa a un joven dios Baco reclinado al estilo clásico con una naturaleza muerta en primer plano. Mientras toca suavemente su ropaje nos invita a unirnos a la fiesta ofreciéndonos provocativamente un cáliz con vino. Va tocado con hojas de parra y el fondo es neutro, como en la mayoría de sus cuadros: se le acusó equivocadamente de ser un mal paisajista. Contrasta la blancura de su cuerpo contra el fondo iniciando el claroscurismo, técnica que a lo largo del siglo XVII se fue consolidando, sobretodo en los pintores de los Países Bajos, como Rembrandt o Vermeer. La homosexualidad de Caravaggio le llevó a tratar con suma delicadeza, casi andrógina, a esos muchachos que tanto admiraba.

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134."El marxismo dará salud a los enfermos" (1954) de Frida Kahlo

PINTURA SURREALISTA: Este óleo, ubicado en el museo de la artista Frida Kahlo y también conocido como La Casa Azul". En ella podemos ver a la propia pintora, en el centro de la composición, soltando sus muletas y un corsé de hierro, ambos elementos necesarios para subsistir después de su grave accidente de coche. Está sostenida por unas manos que representan al marxismo. Por si hubiese dudas, encontramos los símbolos de la águila norteamericana y el retrato de Karl Marx ahogando este emblema. También vemos un mapa del mundo con los países de China y la antigua Unión Soviética marcados en rojo. Intenta explicar con este cuadro que la mejor manera de vivir es aplicar esta doctrina al mundo. No solo la ha curado a ella sinó que ha conseguido acabar con el capitalismo norteamericano.

133."Torre Einstein" (1917-1924) de Erich Mendelsohn

ARQUITECTURA EXPRESIONISTA: Este es uno de los pocos ejemplos de arquitectura expresionista realizada en el período en que esta vanguardia estuvo de moda en Alemania. Esta torre es un observatorio astrofísico ubicado en un parque de Postdam, diseñada por el arquitecto Erich Mendelsohn. La utilidad de la misma era experimentar con la teoría de la relatividad de Albert Einstein. Fue diseñado para realizarse en hormigón pero por problemas estructurales finalmente se decidió construirlo en ladrillo y recubierto de estuco. Una vez finalizado el arquitecto se hizo acompañar por el propio genio para que diese el visto bueno a su obra de arte.

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132."Claustro de Moissac" (1100)

ESCULTURA ROMÁNICA: La abadia de Saint Pierre de Moissac es uno de los grandes referentes europeos de la arquitectura románica pero también de la escultura, gracias a su espectacular claustro que tanto ha influenciado en el románico meridional. Vinculada al todopoderoso Cluny, fue consagrada de nuevo en 1047 después de un incendio y el claustro está datado aproximadamente sobre el 1100. Miden 31 m x 27 m las cuatro galerías que conforman este espacio comunitario donde arcadas de medio punto se unen gracias a columnas, en un total de 116 y en alternancia estructural sencilla y compuesta. Los capiteles presentan una decoración historiada en sus cuatro caras con escenas del Génesis, la Infancia de Cristo y otras escenas del Antiguo testamento. También, motivos fitomórficos y zoomórficos, decoran estos capiteles que han sido de referencia en los talleres tolosanos y sobretodo en el románico catalán.

131."Castillo de Neuschwanstein" (1866)

ARQUITECTURA NEOGÓTICA: És una de las obras neogóticas más impresionantes de Europa. Fue mandado construir por Luis II de Baviera, llamado el "rey loco". Es el edificio más fotografiado de Alemania y el destino turístico más popular del país. Se construyó en pleno siglo XIX, cuando los castillos y las fortalezas no eran necesarias para frenar la invasión de ningún pueblo. Fue una fantasía romántica de la época, una composición de torreones y muros que querían armonizar con las montañas circundantes. Combina eclécticamente gran número de estilos en esa obsesión historicista decimonónica. Se planteó como una gran escenografia teatral, sobretodo en sus interiores donde se albergan múltiples piezas de artesanía de gran calidad e imaginación, con un cierto regusto "kitsch" visto desde la óptica del siglo XXI.

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130."Maestà del Duomo de Siena" (1308-1311) de Duccio

PINTURA GÓTICA: Está considerada la obra maestra de Duccio di Buoninsegna. Está realizada en temple sobre madera. Una vez acabada la pieza fue llevada en solemene procesión a la catedral de Siena, el 7 de junio de 1311. Tenía un reverso con diferentes escenas de la vida de Jesús y de María que se han desperdigado por diferentes museos europeos, cuando en 1795 fue separado de su anverso. Pero en el frontal, que es la parte de la obra más conocida, vemos centralizados a la Virgen con el niño como "sedes sapientiae", rodeados de una corte de veinte ángeles y de diecinueve santos. En la parte superior y a ambos lados encontramos el colegio apostólico. En la base del trono aparece una inscripción en latín que dice lo siguiente: "Santa Madre de Dios, causa de paz en Siena, seas vida para Duccio ya que así te pintó".

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