194."La última cena" (1955) de Salvador Dalí

PINTURA SURREALISTA: Es uno de los cuadros más famosos del genial pintor Salvador Dalí también conocido como "El sacramento de la última cena". Es una obra que se encuentra en la Galeria de Arte de Washington y pretende ser una revisión moderna de la iconografía utilizada por Leonardo da Vinci durante el llamado período "atómico" del pintor catalán. La sala donde está Jesús con sus apóstoles es un dodecaedro con un paisaje de fondo donde se vislumbra un amanecer, aunque debería ser un atardecer. Se inspiró en la costa ampurdanesa y en su querido Cadaqués ya que vemos el mar y las típicas rocas de la Costa Brava. Cristo está en el centro, representado sin barba y con el pelo claro, predicando a sus apóstoles, los cuales inclinan sus cabezas en posición de rezo. La resolución de cada uno de los discípulos es diferente en los gestos y en sus túnicas e incluso parecen ser de diferentes razas. Los trece personajes de la Santa Cena envuelven la mesa donde vemos el vino en un vaso de cristal moderno y un trozo de pan cortado en dos, todo ello creado como si de un bodegón clásico se tratara. Jesús está representado en su parte inferior casi en transparencia para dar sensación de ser etéreo y sobre él se ve su propio torso en gradación con las manos extendidas en representación de su entrega al hombre. No podemos diferenciar a Judas Iscariote porque todos ellos, dentro de la simetría, destacan por igual.
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193."Díptico del duque de Urbino" (1472) de Piero della Francesca

PINTURA RENACENTISTA: Esta obra de Piero della Francesca, que se encuentra en la Galeria Uffizi de Florencia, también recibe el nombre de "Retrato de Battista Sforza y Federico de Montefeltro". Está realizada al temple sobre madera. Su datación no es segura del todo y el margen estaría establecido entre 1460 y 1470. Otras teorías hablan de que el retrato del duque se finalizó en 1465 y el de su esposa en 1472. Cuando el cuadro se pintó, Battista ya había muerto (con tan solo 26 años) y su retrato se realizó con la máscara mortuoria. Se considera uno de los primeros retratos renacentistas y que estuvieron unidos durante mucho tiempo por un mismo marco. Están realizados en perfil imitando la acuñación de las monedas romanas que comporta una mayor idealización que el retrato a tres cuartos. Este díptico está pintado por ambas caras: en la principal se ven los retratos de los duques y en la parte posterior, en un lado está el duque coronado por la Victoria y en el otro, la duquesa llevada en un carro por unicornios. Los perfiles de la cara principal están enfrentados y en forma de busto, destacan sobre un paisaje idealizado y en perspectiva elevada que recuerda a Jan Van Eyck y la pintura flamenca. Destaca el sentido del volumen y la luz como enblanquece la tez de Battista. El detallismo de las joyas también es una reminiscencia de los flamencos primitivos. Esta obra, curiosamente, fue estudiada en el período cubista de Picasso y Braque por la geometría de los rostros.
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192."Iglesia de Sant Pere el Gros" (1079)

ARQUITECTURA ROMÁNICA: Esta pequeña y peculiar iglesia se encuentra a las afueras de Cervera, una importante ciudad de Lleida. Fue construída a lo largo del s.XI y es una de las construcciones religiosas del románico catalán ubicadas más al oeste de Cataluña. Su gran peculiaridad es su planta circular, poco habitual en este período. Su filiación estuvo inicialmente vinculada al monasterio de San Pere de Rodas para pasar después al auspicio de Santa Maria de Ripoll. Ya en el siglo XIV dejó ser iglesia de culto por su pequeña capacidad para convertirse en una ermita dedicada a San Pedro. La forma de su planta no es del todo un círculo sinó que podríamos hablar de una forma elíptica con el añadido de un ábside semicircular de cubrimiento en forma de cuarto de esfera en la zona de la supuesta cabecera de la iglesia. El conjunto está cubierto con una cúpula de piedra y con losas. Es interesante la decoración con lesenas del ábside exterior y la buena sillería de todo el conjunto con regularidad y zócalo perimetral. En los muros interiores se abren seis nichos de gran altura de los cuales uno contiene una escalera para llegar a la espadaña donde estaba la campana. Es quizás la iglesia románica catalana de mayor perímetro de las encontradas en su formato de planta circular. Se han encontrado restos prehistóricos y existía en época medieval un monasterio benedictino.
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191."Columna de Trajano" (114)

ESCULTURA ROMANA: Fue un monumento conmemorativo encargado por el emperador Trajano (de ahí su nombre) para celebrar su victoria y la de sus tropas sobre los dacios. Se encuentra en el foro, cerca del Quirinal y mide 30 metros de altura (38 metros con su pedestal). Tiene 18 bloques enormes de mármol de Carrara, cada uno de los cuales pesa 40 toneladas con un diámetro de 4 metros. Todo el fuste está recorrido por una espiral en bajorrelieve con 200 metros de escultura en total dando 23 veces la vuelta. En su interior hay una escalera de caracol de 185 peldaños que da acceso a un mirador que se encuentra en la parte superior. El conjunto, originalmente, estaba rematado por un águila y posteriormente por una escultura del propio Trajano. En 1588, el papa Sixto V, reemplazó ésta por la de San Pedro que es la que hoy en día se encuentra allí alojada. La finalidad de este monumento era puramente propagandístico, destinado a glorificar al emperador además de albergar sus cenizas una vez muerto. El famoso relieve que envuelve toda la columna narra las dos victoriosas campañas bélicas contra los dacios. Las dos están separadas entre sí por una Victoria. Este magnífico relieve estuvo en su momento policromado y se tallaron sus escenas con una intención de crónica, por lo que la técnica escultòrica deja mucho que desear en detrimento de la narración del conjunto. Por ejemplo, los ejes visuales son varios y no hay un interés por la perspectiva. Entre las escenas más reconocibles podemos ver la vida en el campamento, la construcción de un acueducto o el asedio a una ciudad. En total se pueden contabilizar más de 2.500 personas y el emperador aparece 59 veces visto como un ser humano y no como un dios.

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190."Catedral de San Pablo de Londres" (1676-1710) de Christopher Wren

ARQUITECTURA BARROCA: Esta iglesia fue construída sobre las ruinas de una anterior iglesia medieval que se quemó en un gran incendio en 1666 que asoló a Londres. Se cree que allí fue donde se construyó la primera iglesia británica allá por el 604 gracias a un agustino que se dedicó a convertir a los anglosajones del momento y llamado Melito de Canterbury. Este primer cenobio tuvo diversas ampliaciones hasta que Íñigo Jones, en 1633, la restauró añadiéndole un nuevo pórtico con toques clásicos que desapareció debido al incendio. Christopher Wren fue el encargado de crear la nueva catedral que diseño desde la planta centralizada. La fachada occidental, a primer golpe de vista, nos recuerda a la de San Pedro del Vaticano, iglesia de la cual el arquitecto se inspiró. Dos órdenes superpuestos rematados en el segundo piso con una estructura edicular de doble columnado dórico. Los laterales se convierten en sendas torres de 63 metros de altura rematadas en dos cúpulas pequeñas que recuerdan a las de San Ivo alla Sapienza de Roma. La espectacular cúpula central brunelleschiana centraliza todo el conjunto arquitectónico. No en vano, su cúpula es la segunda más grande del mundo después de la propia vaticana. Para llegar a ella hay que subir 530 peldaños y así contemplar los magníficos frescos de James Thornhill con escenas de la vida de San Pablo. Destacar el magnífico coro tallado en madera con mosaicos decorativos de inspiración bizantina y el fenomenal órgano. Esta edificación sobrevivió íntegramente a los bombardeos londinenses de la Segunda Guerra Mundial y es la catedral donde se realizan los eventos más importantes de la realeza y de la sociedad británica. En su famosa cripta podemos encontrar al almirante Nelson, a Wellington e incluso a Lawrence de Arabia.
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189."La carreta de heno" (1821) de John Constable

PINTURA ROMÁNTICA: Esta obra está considerada como su pieza más famosa y se conserva actualmente en la National Gallery de Londres. La temática es sencilla: nos muestra un bello paisaje inglés, con un carro de heno cerca de un molino llamado Flatford en la localidad de Suffolk, pueblo donde John Constable pasó su más tierna infancia. Este molino pertenecía a su padre y la casa que estaba al lado mismo era de un vecino agricultor, amigo de la familia del pintor. Es reseñable destacar que este espacio que inmortalizó aún existe, aunque los árboles si han variado. Vemos a dos personas cerca del río conduciendo la destartalada carreta que curiosamente no contiene heno, ya que se entiende que ha sido depositado en algun granero. Da la impresión de que éste se ha estancado mientras los dos caballos tiran para salir del barrizal. Destaca la anécdota de un perro lo que nos da a entender el interés detallista con el que trabajaba el artista. Al fondo vemos los campos llenos de heno mientras una tibia luz baña toda la composición. Se nos presenta la vida campesina de manera natural, real y poco idealizada, donde el estudio del cielo y de la luz es importantísimo. No es una obra hecha en "plein air" sinó que Constable realizó diversos bocetos al aire libre para luego en su estudio acabar de rematar esta composición.

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188."Fábrica de turbinas AEG" (1909) de Peter Behrens

ARQUITECTURA RACIONALISTA: La gran etapa del arquitecto alemán Peter Behrens pertenece a su vinculación con la industria AEG de Emil Rathenau, que en 1910 era la mayor empresa germana del momento. En 1907 empezaron a colaborar esta industria con un artista, un hecho único en aquellos años. Behrens realizó una abstracción artística con los productos diseñados para esta compañía, mezclando arte, artesanía e industrialización, la panacea de lo que se llamaría la Deutscher Werkbund. Así, se convirtió en el pionero del diseño industrial. Además de llamar la atención con sus productos (lámparas, ventiladores, relojes, etc) también destacó por sus edificios. Él había conocido en sus viajes realizados a Londres o París las naves industriales de techo de cristal que se habían construído en aquellas ciudades. Creó una arquitectura incunable, necesaria a partir de entonces, en forma de gran nave de hormigón tipo vagón de ferrocarril sin ninguna decoración exterior. Una masa monumental de cuerpos rigurosamente cúbicos, con el uso a veces clasicista en el lenguaje y no en los materiales, del orden gigante preferentemente dórico. El arquitecto hizo todas las fábricas de la factoría AEG, y además de los productos, se encargó de diseñar los folletos y publicidades de producto para promocionarlos. El interior de la fábrica de turbinas utilizaba la luz de los ventanales y del cristal del techo que a su vez tenía sus luces eléctricas para cuando fuera necesario. Tampoco esconde los materiales metálicos de acero de la pared. No hemos de olvidar su carácter neoclásico en alguna fábrica de las muchas que hizo y que recuerda a los edificios de Schinkel de mediados del siglo XIX y que el propio Behrens conocía bastante bien.
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187."Me gusta América y a América le gusto yo" (1974) de Joseph Beuys

FLUXUS: Del 23 al 25 de mayo de 1974, en la galería René Block de Nueva York, Beuys estuvo encerrado con un coyote. Traído el artista desde Alemania en un avión, fue recibido en el aeropuerto con una ambulancia y trasladado hasta la galería con el cuerpo envuelto en fieltro. Allí permaneció tres días y tres noches conviviendo con un coyote llamado Little John, que es un carnívoro originario de la zona euroasiática. Es un devorador de toda clase de presas, perseguido por el hombre, pero no peligroso para el ser humano. Su salvajismo puede domesticarse, pero mientras está considerado un símbolo de amenaza de la ley y de los órdenes establecidos. Tampoco olvidemos que es animal sagrado para los indios de América del Norte. El espacio se ha separado en dos. En uno de ellos está el coyote vigilante y en el otro el artista va apilando, día a día, ejemplares del “Wall Street Journal”, símbolo del capitalismo norteamericano. Dispone también de una linterna, de un bastón, de un triángulo colgado al cuello con el que hace música, de un viejo magnetófono y fieltro para cubrirse y dormir. Se contemplan persona y animal por una rejas y Beuys, ataviado con el bastón y cubierto de fieltro, entra de vez en cuando en el territorio del coyote para mantener un “diálogo”. Poco a poco se irán conociendo hasta el límite de compartir el lugar para dormir. Una vez conseguida esta amistad, finalidad de esta acción, de nuevo es envuelto en fieltro y conducido en una ambulancia hasta el aeropuerto donde tomará un vuelo de retorno a su país. Con esta acción crea una rotunda crítica al multiculturalismo de los Estados Unidos y a su política, en relación con los pieles rojas.

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186."Dios del cabo Artemisio" (460 a.C.)

ESCULTURA GRIEGA: Esta magnífica estatua del período severo del arte griego fue hallada en 1928 en el fondo del cabo Artemisio, de ahí su nombre actual. Es una escultura que se reconstruyó porque dos años antes se había encontrado uno de sus brazos. Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Atenas. Estaríamos dentro de la tipología estilística puramente clásica, ya que no es arcaica ni helenística su concepción. Ya no existe la frontalidad y el estatismo primigenio, aunque la figura sigue aposentándose en la base con los dos pies, pero ya existe un cierto dinamismo. Representa la imagen de un dios a punto de lanzar con la mano derecha algo, posiblemente una lanza, pero al no tenerla no se puede confirmar. Mide más de 2 metros de altura y está dentro de la escala habitual de la representación escultórica griega de los dioses. Es una figura desnuda, que podría representar a Zeus lanzando su rayo o a Poseidón con el tridente. Por la posición de la mano abierta podría ser el segundo, ya que cuando se representa la sujeción de un rayo se hace con la extremidad cerrada. Se ha asociado a tres escultores: a Kalamis del que solo conocemos copias romanas, a Onatas o a Mirón, más conocido.

185."Almuerzo de remeros" (1881) de Auguste Renoir

PINTURA IMPRESIONISTA: Este famoso cuadro de Renoir enclavado en el período impresionista representa a un grupo de amigos del propio pintor que descansan comiendo en una terraza de la Maison Fournaise ubicada en el río Sena y en la población de Chatou. En una mesa colocada en diagonal, por influencia de los grabados japoneses, aparece un tumulto de personas captadas con una gran luz que proviene básicamente de la apertura izquierda del balcón, justamente detrás del hombre que está en camiseta y lleva un sombrero. Otro de ellos también lleva una camiseta blanca que recoge esa luz indirecta juntamente con el mantel. Al fondo vemos al pintor y su amigo también artista Gustave Caillebotte vestido con el sombrero burgués de copa. También aparece una mujer que está jugando con un perro llamada Aline Charigot y futura esposa del artista. Una obra llena de matices y contrastes lumínicos, con una factura más nerviosa precursora del puntillismo y un encuadre influenciado por la espontaneidad de la fotografía.
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184."La primavera" (1478) de Sandro Botticelli

PINTURA RENACENTISTA: Es una de las obras maestras de Botticelli y está realizada en pintura al temple sobre tabla. Fue una pieza encargada por Lorenzo de Pierfrancesco familiar de Lorenzo el Magnífico para su palacio florentino. Es una pintura basada en los preceptos humanistas y neoplatónicos marcada por esa atmósfera de irrealidad que irradia el conjunto de las figuras mitolológicas del cuadro. Es una representación pagana de un tema claramente religioso con toques alegóricos. El lienzo es de tamaño monumental, con figuras de medida natural compaginado todo ello con un detallismo exacerbado. La mayor parte de las figuras están inspiradas en la escultura antigua pero pasadas por el tamiz formal del pintor. Son estilizadas, delgadas e idealizadas, cuyos cuerpos parecen artificiosamente estirados y que presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI. Éstas destacan por su color de piel en contraposición al fondo paisagístico lleno de naranjos o mandarinas, frutas asociadas a la familia Médici. Parece ser que la fuente literaria de esta compleja iconografía son los "Fastos" de Ovidio. Parece ser que la ninfa Cloris, a la que gustaba exhalar el olor de las flores, cautivó al dios del viento Céfiro, quien la siguió y la tomó por esposa a la fuerza. Arrepintiéndose dicho dios por su actitud, la transformó en Flora regalándole un hermoso jardín donde la primavera reinaría siempre. A la izquierda aparece Mercurio, dios mensajero y a su lado la Tres Gracias danzando. El centro de la escena esta ocupado por Venus, diosa del amor sobre cuya cabeza se sitúa Cupido. A la derecha vemos como una segunda escena presidida en primer término por la Primavera esparciendo sus flores por la tierra mientras Flora, desnuda y cubierta por un ropaje transparente, es perseguida por Céfiro.
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183."La encajera" (1669) de Johannes Vermeer

PINTURA BARROCA: La también denominada "La encajera de bolillos" es una de las obras más interesantes de la pintura holandesa de todos los tiempos. Este óleo que se exhibe actualmente en el Louvre de París, corresponde al momento de madurez de Vermeer. Fue una obra vendida en el pueblo natal del pintor, Delft, y que posteriormente fue pasando por diferentes manos privadas. Aunque por su fecha tengamos que ubicarlo en el momento del barroco, la intención de la obra es representar de manera realista una escena cotidiana costumbrista sin ninguna intención fastuosa. Es ese aislamiento íntimo tan de moda en la pintura de los Países Bajos y que tanto gustaba a los promotores burgueses queda muy alejado de la suntuosidad de los encargos áulicos o eclesiásticos. El artista contemplaba los objetos cotidianos que le envolvían y los representaba con detalle. Sus figuras están en silencio, recogidas en un microcosmos resplandeciente pero a la vez difuminado, donde la soledad y el recogimiento hacen acto de presencia con gran solemnidad. Esta joven encajera se encorva sobre su labor y su mirada se concentra en ésta, ajena al espectador. Es un símbolo de una de las virtudes femeninas domésticas reforzado por el libro que hay encima de la mesa que, aunque no lo reconozcamos, seguro que estaría vinculado con algún texto bíblico, ya que Vermeer era profundamente religioso. Destaca el juego de colores de los diversos elementos, jugando al desenfoque y con cierto toque puntillista, avanzando las formas impresionistas decimonónicas.
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182."Tímpano de Saint Foy de Conques" (s.XII)

ESCULTURA ROMÁNICA: En la fachada occidental de esta magnífica catedral francesa encontramos uno de los tímpanos más interesantes del románico europeo. 124 figuras componen este grupo escultórico realizado en bajorrelieve y dedicado al Juicio Final. Dentro de una profunda arquivolta en forma de medio punto sobre la portada encontramos tres niveles donde se desarrolla esta historia apocalíptica según el evangelio de San Mateo. En el espacio más cercano a la parte superior encontramos a los ángeles que con sus trompetas nos avisan del fin del mundo. En el nivel intermedio y presidido por un imponente "maiestas domini" en el centro, encontramos, a su derecha, a los elegidos y a su izquierda, los condenados. Detras de Cristo encontramos símbolos evocadores de la Pasión (la cruz y la lanza) transportados por ángeles y cercanos a él, San Pedro y la Vírgen María, aparte del abad y Carlomagno evidentemente ubicados en la zona de los elegidos. Los condenados de la parte izquierda son rechazados por los ángeles que custodian el paraíso representados como monjes indignos y borrachos. El nivel inferior contiene dos escenas genéricas: el Paraíso y el Infierno. El primero está presidido por Abraham con un ángel que acepta los elegidos y un demonio que empuja al Infierno los condenados. Satanás preside su reino donde se castigan las alegorías de los pecados capitales (soberbia, avaricia, envidia y lujuria). En el dintel de la puerta podemos leer la siguiente frase lapaidaria: "Pecadores, si no cambiáis vuestras costumbres, sabed que sufriréis un juicio terrible".
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181.Iglesia de San Juan de los Baños (661)

ARQUITECTURA VISIGODA: Está considerado el primer monumento visigodo de la península ibérica y la iglesia en pie más antigua de España, con sus evidentes retoques. La mandó construir en el 661 el rey Recesvinto consagrando el recinto en el 669. Está ubicada cerca del río Pisuerga en la provincia de Palencia. Era zona de buenas tierras y desde época romana se conoce como lugar de siembra de cereales. De ahí que se crearan núcleos urbanos en los alrededores y en este caso se hizo importante por tener aguas termales de las que curó el rey visigodo, motivo "milagroso" por el cual el monarca decidió erigir esta iglesia. En su interior hallaremos una planta basilical de tres naves con una cabecera de tres ábsides típica del arte prerrománico de la zona norte peninsular. Su belleza exterior estriba en la pureza de los volúmenes y la austeridad decorativa, aunque la espadaña no es original sino añadida en el siglo XIX. Vemos la puerta de acceso en forma de arco de herradura sobrepasado y solo muestra una decoración en la clave con una cruz patada. En el interior vemos columnas de mármol en tonos rosados y gris reutilizadas que sostienen arcos. La sillería es de piedra caliza. Antes de ser guardada en el Museo Arqueológico Nacional de España, había a la derecha de la iglesia, la famosa Fuente de Recesvinto que curó los cálculos renales del rey. Se trataba de una de las escasas obras hidráulicas que aún se hacían en época prerrománica y estaba conformada por dos arcos de herradura de donde brotaba un manantial reconducido.
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180."Los burgueses de Calais" (1895) de Auguste Rodin

ESCULTURA IMPRESIONISTA: Rodin quiso representar con esta escultura de conjunto a los seis burgueses que en 1347 iniciaron la Guerra de los Cien Años y que ofrecieron sus vidas para salvar la población de Calais. Existen diversas copias de esta obra por todo el mundo. La escultura principal se encuentra en la plaza del ayuntamiento de dicha ciudad y está realizada en bronce. Mide 2 metros de alto por 2,5 metros de ancho y la componen seis hombres de similar altura y ropajes iguales. Todos ellos dirigen sus miradas a diversos puntos como si estuvieran perdidos y presagiando su sacrificio. Algunos de ellos gesticulan con tristeza pero dos en concreto se muestran tranquilos. Son figuras indepedientes dentro de un mismo grupo rotatorio y los ropajes parece que pesan más de la cuenta con esas desproporcionadas manos que dan un gran patetismo a la obra. Está compuesta de manera multifacial aunque en ningún momento las figuras miran al espectador para interactuar con él. Rodin intenta retratar cada cara de manera individual reflejando en sus rostros antipatía y angustia. Fue una escultura innovadora en su época ya que manifestaba la cruda realidad siguiendo los cánones del realismo decimonónico y contraviniendo las fórmulas academicistas de la época. Los contrastes lumínicos y el modelado evocan al impresionismo tan de moda en aquel momento presagiando la pintura de Cezánne. Además planteaba sus obras sin pedestal rompiendo las reglas de manera clara y evidente.
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179."La otra figura" (1970) de Giulio Paolini

ARTE POVERA: Nacido en Génova, Giulio Paolini vivió primero en Turín y luego en París. Su actitud siempre fue muy amplia en sus temáticas y maneras dentro del estilo povera. La influencia del “collage” que él había realizado, le llevó a estudiar la relación entre soporte, autor y espectador y todo lo relacionado con las metáforas y un sinfín de existencias posibles. Las características esenciales de este arte fueron las inesperadas yuxtaposiciones de objetos e imágenes, la utilización de materiales que contrastaban visualmente fusionando pasado y presente, naturaleza y cultura y arte y vida. Jugó durante mucho tiempo a esta burla radical y divertida en la que en “Mímesis” enfrenta a dos figuras sin más que encararse. “En la otra figura” el motivo de la mofa es la mirada de dos bustos colocados sobre altas peanas que con un altivo escorzo miran al suelo donde hay otro “posible” busto destruido, ya que solo vemos los trozos. Y en “Intervalo” hizo toda una serie de obras donde la figura elegida era seccionada verticalmente y colocada cada una de las partes en paredes enfrentadas, dando una sensación de aparición/desaparición por ambos lados. Retomará el concepto clásico de la estatuaria defragmentándolo y deconstruyéndolo.

178."Poco después de la boda" (1743) de William Hogarth

PINTURA ROCOCÓ: Este también llamado "El tête à tête" y perteneciente al ciclo del pintor británico Hogarth del "Casamiento a la moda", es una irónica serie de cuadros relacionados con los matrimonios de conveniencia, muy típicos de aquel período y al gusto del anecdotismo burgés y cortesano del estilo rococó. Esta obra realizada en óleo y dentro del costumbrismo británico es la menos tumultuosa, en cuanto a personajes se refiere del conjunto, ya que solo hay cuatro. Vemos al vizconde sentado en una silla alicaído después de una juerga. La condesa, sentada al otro lado de la mesilla ,se despereza aburrida después de una sesión de cartas con sus amigas. En la otra habitación vemos a un sirviente y el mayordomo, harto del desorden de la casa y las deudas, se va molesto con el libro de cuentas bajo el brazo. Vemos en primer plano una silla caída y como el sirviente no se inmuta ante esta estampa anodina. La implicación principal de la obra es el mutuo desinterés de esa pareja, que lleva poco tiempo de casada y que al parecer no se quieren y lo que ello comporta en el hogar, ya que el hastío comporta caos y pereza.

177."Catedral de León" (1205-1302)

ARQUITECTURA GÓTICA: Iniciada en el el siglo XIII, esta catedral, junto a la de Burgos, están consideradas las más importantes del gótico nórdico aplicado en territorio español. Sabemos que en tiempos de Ordoño II, en 916, ya existía una pequeña catedral o cenobio que se levantó en honor al triunfo contra los árabes. Tras el paso de Almanzor y sus tropas, la iglesia quedó arrasada hasta que Fernando I de León y su hermana Doña Urraca crearon la catedral románica consagrada en 1073 que se mantuvo en pie más de un siglo. Los cambios llegaron con la importancia cultural y artística de la ciudad con el reinado de Alfonso IX iniciándose la tercera y última catedral en 1205 y finalizada en 1301, aunque la torre sur no se finalizó hasta el siglo XV. Ha sufrido diversos cambios a lo largo del período moderno, pero su aspecto exterior es muy parecido a como este edificio religioso lucía en el siglo XIV. Un exterior de triple pórtico muy parecido al de la catedral de Reims, con un gran rosetón central y dos enormes torres de casi 70 metros de altura y desiguales entre sí. En la portada, la profusa decoración escultórica nos recuerda a dichas catedrales francesas. Las figuras son de gran naturalismo aparcando el hieratismo del románico y en consonancia con la nueva moda constructiva: el trabajo de los pliegues, el movimiento de las figuras y su intento de individualización. En el interior sigue el modelo galo de arcos formeros, triforio y claristorio, con pilares fasciculados y unas enormes vidrieras que aligeran el muro teniendo en cuenta las teorías lumínicas y religiosas del abad Suger.
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176."La tempestad" (1518) de Giorgione

PINTURA RENACENTISTA: Gabriel Vendramin fue el magnate que encargó al genial pintor veneciano Giorgione este enigmático cuadro. Hay diversas hipótesis sobre el significado iconográfico de la obra basados en episodios bíblicos y mitológicos, incluso se ha hablado de supuestas alegorías vinculadas con la fortuna, la fortaleza y la caridad. Se ha relacionado esta escena con la unión entre Mercurio e Isis, o el mito de Paris y Enone, aunque se ha considerado la posibilidad de que fuera un retrato de corte pastoril del propio pintor y su familia. La línea bíblica nos habla de la ciudad del fondo vista como el paraíso terrenal, y las dos figuras del hombre y la mujer, serían vistas Adan y Eva con su hijo Caín, evidentemente con ropas del "cinquecento". El rayo del fondo simbolizaría la cólera de Dios expulsándolos del Edén y las columnas rotas harían referencia a la mortalidad de los hombres como castigo eterno por el pecado original. Lo que sí es cierto es que contemplamos a una mujer semidesnuda amamantando a un bebé y por ello se la ha vinculado a la pureza, la castidad, la caridad e incluso a la Virgen María. El hombre, vestido de soldado y con una forzada posición en "contrapposto", mira hacia la derecha, pero no en dirección a la mujer, en representación de la fortaleza o la firmeza. Lo más curioso es que debajo de él había un "pentimento" ya que los rayos X han dejado entrever que el pintor había dibujado a otra mujer desnuda. La ciudad del fondo podría ser la Arcadia o el paraíso terrenal del cristianismo posterior al Edén y localizado en una zona desértica de Grecia. Un misterioso lienzo que adopta todos los valores lumínicos y cromáticos de la escuela veneciano con esa textura atmosférica y esa representación tenue de las nubes y el cielo tan carácterísticos de este momento y que no volveremos a encontrar hasta los paisajistas británicos del siglo XIX.

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175."Palazzo Rucellai" (1446-1451) de Leon Battista Alberti

ARQUITECTURA RENACENTISTA: Esta muestra de construcción palaciega del "cinquecento" florentino, nos remite al estándard de otros edificios nobiliarios del siglo XV de la zona de la Toscana. Ubicado en Florencia, este edificio diseñado por Alberti, pero construído por Bernardo Rossellino, fue encargado por los Rucellai, una rica familia de tintoreros de tejidos. Es una demostración de austeridad y sobriedad basado en sus preceptos de la imposición en arquitectura de las proporciones para demostración final de la belleza y el lujo del conjunto. Vemos tres pisos: en el primero vemos pilastras de orden jónico ricamente decoradas que constrastan con el corintio de los niveles superiores. Las ventanas son de arco de medio punto y bíforas, separadas todas ellas por un parteluz en forma de columnilla. Cada uno de los pisos está marcado claramente por una cornisa y la superior sobresale soportada por ménsulas. El almohadillado es plano e irregular. En el interior hay un patio renacentista retocado con amplios arcos de medio punto sostenidos por columnas corintias muy elaboradas.
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