220."La gran odalisca" (1814) de DOMINIQUE INGRES

PINTURA ROMANTICISTA: Esta obra de corte orientalista fue un encargo realizado por Carolina, hermana de Napoleón y reina de Nápoles. Un cuadro que tenía que hacer pendant con otro desnudo  que tenía en su poder la mecenas. Fue una obra expuesta en el Salón de París en 1819. El nombre de odalisca proviene del turco odalik y designa a una mujer de un harén. Está recostada vuluptuosamente sobre un diván que de espaldas gira su cara al público de manera insinuante, entre accesorios de toque arábigo como un abanico, un turbante o una pipa. Destaca el detallismo del cuerpo pero sobre todo de los ropajes y las texturas de las telas. Un cuerpo criticado por ser excesivamente alargado y que parece ser que el propio Ingres decidió aplicar en evocación al manierismo precedente. Un intento de belleza individualizada que muestra dulzura y una mayor sensación curvilínea influencia de Rafael y del conocimiento de los pintores italianos que obtuvo en su viaje a Florencia. También fue criticado por su escaso cromatismo, aunque la percepción del mismo está perfectamente vinculada a la realidad.

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217."Los girasoles" (1888) de Vincent Van Gogh

PINTURA POSTIMPRESIONISTA: "Los girasoles" es una serie pictórica que el artista holandés Vincent van Gogh realizó entre 1888-1889. Tres de estos cuadros contienen quince girasoles y dos de ellos doce, todos siempre dentro de un único jarrón. De la selección de estas obras nos quedaremos con el más conocido que se puede contemplar actualmente en la Nueva Pinacoteca de Munich por su belleza y por ser el primero de la serie. Este lienzo en concreto, lo pintó en agosto de 1888 durante su estancia en Arlés. Destaca las tonalidades amarillas y es que no olvidemos que el pintor, muy receptivo a los colores que le envolvían, estaba disfrutando de una luz típicamente mediterránea. Sabemos que uno de estos "girasoles" decoró la habitación que el artista preparó para su amigo Gauguin. En cada una de las telas vemos girasoles en diferentes etapas de su vida: creciendo, en su esplendor y marchitos. El uso del espectro de tonos amarillos fue muy innovador en la época conjuntándolos además con tonos ocre, tierra, naranja, etc. El color está aplicado con fuertes pinceladas, casi agresivas, con pequeños toques salteados, de gran plasticidad y relieve.  Un relieve que da cierto volumen a los girasoles además del uso de tonos azules y verdes para resaltar las sombras creando una suave intensidad lumínica. 

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216."Big Ben" (1858) de Charles Barry y Augustus Pugin

ARQUITECTURA NEOGÓTICA: Cuando hablamos del mítico Big Ben londinense hay que matizar. El nombre hace referencia a la enorme campana que aloja en el lado noroeste del palacio de Westminster y que por extensión denomina al famoso reloj de esta torre que forma parte del complejo arquitectónico. El nombre oficial de este reloj era "Clock tower", pero el 26 de junio de 2012 se ha convertido, en honor al jubileo de la reina Isabel II en "Elisabeth Tower". La torre alberga el reloj de cuatro caras más grande del mundo y es la tercera torre del reloj más alta del mundo con 96,3 metros de altura. Charles Barry fue el encargado de proponer esta torre que iría adherido al nuevo proyecto del Palacio de Westminster que  sufríó un incendio en octubre de 1834, aunque Augustus Pugin fue el diseñador real del conjunto, en un estilo neogótico muy típico de la época siendo ésta su última y genial obra antes de enloquecer. El cuerpo de la torre está realizado en ladrillo pero revestido con piedra caliza de color arena de Anston y la zona de la aguja de más de 35 metros está realizada en hierro fundido. El interior de la torre tiene 344 escalones de ascenso y sufre, desde su construcción, una leve inclinación hacia el noroeste de 22 cm que no cesa.

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203."El caminante sobre el mar de niebla" (1818) de Caspar David Friedrich

PINTURA ROMÁNTICA: Esta evocadora imágen de Friedrich es un hermoso óleo que se encuentra en la Kunsthalle de Hamburgo. Parece ser que la persona que contempla el inhóspito paisaje puede ser el propio pintor que contempla el mar de nubes que queda bajo sus pies. Vemos al fondo la aparición de otros picos mientras él, impasible en su postura y apoyado elegantemente en un bastón, crea un contraste negro en su ropa como la montaña que hay en primer plano. Sus orígenes suizos nos hace pensar que el paisaje representado fuera de la zona de la Sajonia. Dentro de la moda romántica de aislarse para crear un mundo diferente al real, el pintor decide experimentar en paisajes imposibles como en los altos de una cascada o en el borde del mar. Esta intención de separarse del mundo estaba vinculada con la idea de lo sublime que experimentaban estos artistas. La gama cromática de este cuadro és muy reducida: el negro del primer plano, los tonos marrones de las rocas y el gris blanquecino para representar el cielo y la densa niebla. El gran triunfo de la obra gracias a los contrastes en el color es la consecución de una clara perspectiva aérea que le da una gran profundidad física y moral a este paisaje irreal.

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198."La familia de Carlos IV" (1800-1801) de Francisco de Goya

PINTURA REALISTA: Este retrato colectivo familiar de la familia real española se conserva en el Museo del Prado. En esta obra Goya destaca su gran conocimiento retratístico siendo el culmen un tipo de pintura que durante años realizó. Revela su gran maestría en los detalles y su sutileza a la hora de definir los personajes. No olvidemos que el artista era pintor de cámara de Carlos IV y su primer gran encargo para el monarca fue un retrato donde apareciera toda la familia borbona con la única condición de cierto parecido con "Las meninas" de Velázquez. Realizó gran cantidad de bocetos, que hoy en día se conservan, para enfocar bien este cuadro, realizados en forma de dibujos de imprimación rojiza con ciertos matices de color. Presento diez bocetos de los diferentes miembros que integrarían la tela. Finalmente entre junio de 1800 y diciembre de 1801 el artista trabajó en la obra definitiva y cuando fue presentada no suscitó, por lo visto, gran regocijo en el rey que esperaba algo más grandioso, aunque todos reconocieron que fueron fielmente representados. Parece ser que Goya fue muy diligente y los pintó más favorecidos de lo que realmente eran, otorgándoles una sensación vívida y un aire digno que pocos pintores de la época sabían representar en sus personajes. Están todos los miembros de pie y alineados, vestidos con lujosos trajes y abundantes joyas. El centro del cuadro y del poder del momento no lo marca el rey sinó la reina María Luisa de Parma. La perspectiva está bien elaborada pero evita las decoraciones de fondo de gusto velazquiano. Mencionar la aparición en la zona de la izquierda del propio Goya con un gran lienzo emulando al Velázquez de las meninas. La pincelada disuelta del pintor presagia un primerísimo impresionismo que le permite crear destellos lumínicos muy innovadores en la pintura de la época.

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189."La carreta de heno" (1821) de John Constable

PINTURA ROMÁNTICA: Esta obra está considerada como su pieza más famosa y se conserva actualmente en la National Gallery de Londres. La temática es sencilla: nos muestra un bello paisaje inglés, con un carro de heno cerca de un molino llamado Flatford en la localidad de Suffolk, pueblo donde John Constable pasó su más tierna infancia. Este molino pertenecía a su padre y la casa que estaba al lado mismo era de un vecino agricultor, amigo de la familia del pintor. Es reseñable destacar que este espacio que inmortalizó aún existe, aunque los árboles si han variado. Vemos a dos personas cerca del río conduciendo la destartalada carreta que curiosamente no contiene heno, ya que se entiende que ha sido depositado en algun granero. Da la impresión de que éste se ha estancado mientras los dos caballos tiran para salir del barrizal. Destaca la anécdota de un perro lo que nos da a entender el interés detallista con el que trabajaba el artista. Al fondo vemos los campos llenos de heno mientras una tibia luz baña toda la composición. Se nos presenta la vida campesina de manera natural, real y poco idealizada, donde el estudio del cielo y de la luz es importantísimo. No es una obra hecha en "plein air" sinó que Constable realizó diversos bocetos al aire libre para luego en su estudio acabar de rematar esta composición.

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185."Almuerzo de remeros" (1881) de Auguste Renoir

PINTURA IMPRESIONISTA: Este famoso cuadro de Renoir enclavado en el período impresionista representa a un grupo de amigos del propio pintor que descansan comiendo en una terraza de la Maison Fournaise ubicada en el río Sena y en la población de Chatou. En una mesa colocada en diagonal, por influencia de los grabados japoneses, aparece un tumulto de personas captadas con una gran luz que proviene básicamente de la apertura izquierda del balcón, justamente detrás del hombre que está en camiseta y lleva un sombrero. Otro de ellos también lleva una camiseta blanca que recoge esa luz indirecta juntamente con el mantel. Al fondo vemos al pintor y su amigo también artista Gustave Caillebotte vestido con el sombrero burgués de copa. También aparece una mujer que está jugando con un perro llamada Aline Charigot y futura esposa del artista. Una obra llena de matices y contrastes lumínicos, con una factura más nerviosa precursora del puntillismo y un encuadre influenciado por la espontaneidad de la fotografía.
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180."Los burgueses de Calais" (1895) de Auguste Rodin

ESCULTURA IMPRESIONISTA: Rodin quiso representar con esta escultura de conjunto a los seis burgueses que en 1347 iniciaron la Guerra de los Cien Años y que ofrecieron sus vidas para salvar la población de Calais. Existen diversas copias de esta obra por todo el mundo. La escultura principal se encuentra en la plaza del ayuntamiento de dicha ciudad y está realizada en bronce. Mide 2 metros de alto por 2,5 metros de ancho y la componen seis hombres de similar altura y ropajes iguales. Todos ellos dirigen sus miradas a diversos puntos como si estuvieran perdidos y presagiando su sacrificio. Algunos de ellos gesticulan con tristeza pero dos en concreto se muestran tranquilos. Son figuras indepedientes dentro de un mismo grupo rotatorio y los ropajes parece que pesan más de la cuenta con esas desproporcionadas manos que dan un gran patetismo a la obra. Está compuesta de manera multifacial aunque en ningún momento las figuras miran al espectador para interactuar con él. Rodin intenta retratar cada cara de manera individual reflejando en sus rostros antipatía y angustia. Fue una escultura innovadora en su época ya que manifestaba la cruda realidad siguiendo los cánones del realismo decimonónico y contraviniendo las fórmulas academicistas de la época. Los contrastes lumínicos y el modelado evocan al impresionismo tan de moda en aquel momento presagiando la pintura de Cezánne. Además planteaba sus obras sin pedestal rompiendo las reglas de manera clara y evidente.
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163."La visión tras el sermón" (1888) de Paul Gauguin

PINTURA POSTIMPRESIONISTA: Esta obra de Gauguin que se encuentra en la Galeria Nacional de Escocia, en Edimburgo, es una de las más enigmáticas de este genial artista. Este cuadro también es conocido por el más preclaro nombre de "La lucha de Jacob con el ángel". Esta obra fue pintada en la segunda estancia en la localidad francesa de Pont-Aven, en la que pretendía señalar una cierta simplicidad y rusticidad en los de los habitantes de la zona, además de la profunda religiosidad. Esta pieza contiene los elementos de la búsqueda poética del artista. En la composición vemos a un grupo de campesinas que tocadas con sus sombreros y sus vestidos de misa "contemplan" una visión relacionada con el pasaje bíblico antes comentado. Una visión con se está ejecutando ante nuestros ojos y en un segundo plano sobre un fondo místico rojo. La antinaturalidad del color de fondo le da ese tono onírico. Destacar sobretodo la influencia de las estampas japonesas tan de moda a finales del siglo XIX, donde vemos al ángel luchador evocando a un practicante de sumo y la rama del manzano que corta en diagonal la imagen en clara referencia a los primeros planos recortados de dichos "japonismo" de artistas exportados como Hokusai.

162."Lucrecia" (1804) de Damià Campeny

ESCULTURA NEOCLÁSICA: Está en el Palau de la Llotja de Barcelona. Campeny fue uno de los primeros escultores catalanes que estudio en la Escuela Gratuita de Dibujo y que era la academia barcelonesa de las bellas artes del momento. Siguiendo la línea de esta tipología de formación copia los modelos de la estatuaria antigua haciendo furor entre los artistas neoclásicos. La historia de Lucrecia es la de la esposa de un patricio romano que es violada por un rey. Denuncia públicamente este acto pero como siente tanta vergüenza y tanta rabia decide suicidarse. En esta escultura vemos el momento posterior a la muerte ya que encontramos la daga a sus pies, la herida sangrante sobre su pecho a la altura del corazón. Pero sobretodo destaca el peso del cuerpo en el momento del fallecimiento. A nivel iconográfico es un tema magnífico porque trata un acontecimiento de la historia antigua ideal para los preceptos neoclásicos y a nivel formal también lo es porque con esta excusa plantea un pseudodesnudo vistiéndola con una sutil túnica que permite contemplar perfectamente su anatomía. Le interesa más el estudio anatómico y el tema queda en segundo término, aunque notamos una cierta sensación de frío y distanciamiento con el espectador al contemplar el conjunto. Está realizada en mármol.

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153."Desayuno sobre la hierba" (1863) de Edouard Manet

PINTURA IMPRESIONISTA: Este enigmático y elegante cuadro de Manet se exhibe en el Museo de Orsay de París. Es una obra que ha recibido diversos nombres como "El baño" o "Almuerzo campestre". Fue presentada para competir en el Salón de la Academia pero no fue aceptado por el gratuito desnudo femenino y por no tener éste una base mitológica. De ahí que apareciera en uno de las primeras salas de exposición independientes como era el "Salón des Refusés". Se consideró el lienzo más "irritante y controvertido" de los presentados. Además de lo escandaloso de lo iconográfico no gustó a la crítica del momento el cromatismo y la composición. Es un almuerzo en el claro de un bosque donde la modelo desnuda Victorine Meurend, sentada entre caballeros vestidos con ropas de "dandy", mira con descaro al espectador. Los hombres son el hermano y el cuñado del pintor. A este plano intermedio le antecede una especie de bodegón con frutas y las ropas de la chica desnuda, en primer plano y le precede otra mujer semivestida tomando un baño en un arroyo. Destaca por una luz casi fotográfica donde no hay espacio para las sombras. No había intenciones sociales ni realistas en esta pieza, simplemente el naturalismo que destilaba una escena bucólica.

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150."Baile en el Moulin Rouge" (1889) de Henri de Toulouse-Lautrec

PINTURA POSTIMPRESIONISTA: Este óleo sobre lienzo se encuentra actualmente expuesto en el Museo de Arte de Filadelfia. Fue expuesto en 1890 en el Salón de los Independientes, desmarcándose de la dictatorial línea de la Academia Francesa. Toulouse-Lautrec concibió el famoso cabaret del Moulin Rouge como su segundo hogar, ya que era el único lugar donde era apreciado por sus cualidades artísticas y debido a su malformación congénita. En una de las mesas pintaba sus obras y carteles, casi siempre con esa amargo caricaturismo que tanto lo caracterizó. Esta sala era frecuentada por la sociedad parisina de "fin de siecle". Vemos como los caballeros tocados con sombreros de copa alta (símbolo de burguesía) toman refrigerios en la barra, charlando entre ellos y contemplando a las bailarinas. Gracias a una línea pictórica central marcada por la dama de rosa vemos una serie de personajes masculinos al fondo que son retratos de amigos del pintor y la bailarina Jane Avril, musa del pintor. En el plano central vemos los ágiles saltos de otra bailarina muy cotizada en la época y llamada La Goulue y a su lado a Valentin le Desossé, otro famoso vividor de la época que se le daba muy bien eso del baile. Vemos el poco interés del artista por la perspectiva clásica, la poca verosimilitud de los colores y esa sensación de instantánea fotográfica que comportó siempre el encuadre y la técnica del postimpresionismo.

119."Calle de París, día lluvioso" (1877) de Gustave Caillebotte

PINTURA IMPRESIONISTA: Las etiquetas historiográficas utilizadas para delimitar los diversos estilos a veces nos dan problemas cuando hemos de catalogar ciertas obras de arte. Gustave Caillebotte, que aprendió su técnica pictórica dentro del realismo del siglo XIX, sufrió las influencias de grandes impresionistas como Millet o Courbet creando un tipo de pintura diferente. La intención realista en esta obra no nos deja indiferentes ante la característica de la meteorología. Los impresionistas experimentaron con una misma escena según la variabilidad atmosférica: sol, niebla, nieve... Aquí predomina la lluvia, las calles mojadas que refulgen, la magnífica perspectiva de dimensiones renacentistas y sobretodo el encuadre. Parece una instantánea tomada en pleno centro de París, en un momento en que la fotografía empezaba a infuenciar a la pintura.

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107."La balsa de la medusa" (1819) de Theodore Gericault

PINTURA ROMÁNTICA: Esta obra de juventud del artista Theodore Gericault impactó sobremanera a la Academia Francesa convirtiéndolo en uno de los mejores exponentes del romanticismo francés. Nos presenta las terribles consecuencias del naufragio de la fragata de la marina francesa "Meduse", que encalló frente a las costas mauritanas en julio de 1816. Por lo tanto, es una recreación pictórica de un hecho real. Unas 147 personas pudieron salir del barco gracias a una balsa improvisada, pero a lo largo de los trece días que estuvieron a la deriva solo se pudieron salvar 15 personas, que sobrevivieron gracias al canibalismo. La noticia tuvo repercusión mundial porque, además de remarcarse la proeza de los supervivientes, el capitán del barco los había abandonado a su suerte. Entraría dentro de la tipología de la pintura histórica de corte academicista, aunque destaca su asimetría, la crudeza representativa de los cadáveres y la luz mortecina y tormentosa. Una escena dramática que te introduce en la balsa por la cercanía de la misma a la base del lienzo.

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103."Puerta de Brandeburgo" (1788-1791) de Carl Gotthard Langhans

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA: Es la entrada de acceso a Berlín a modo de propileos griegos. Obra del arquitecto Carl Gottard Langhans, está construída en piedra de arenisca y mide 26 m de alto por 66 de ancho. Sigue la línea del neoclasicismo inicial que se consolidó plenamente en el siglo XIX. Recuerda a los famosos accesos a la Acrópolis ateniense. Contiene cinco zonas de acceso, cuatro iguales y una central más amplia, con dos puertas menores a ambos lados. El orden utilizado es el dórico con columnas estriadas. Las partes superior e interior del intercolumnado contienen relieves con representaciones mitológicas dedicadas a Hércules, Marte y Minerva. Después de derribar la muralla de la ciudad en 1868, Johann Heinrick Strack, colocó a ambos lados dos pórticos mayores que le dan la actual y peculiar forma a esta conocida puerta monumental. Ésta ha sido coronada por una cuádriga de 5 m de altura obra del escultor Johann Schadow que representa a la diosa Victoria montada en un carro tirado por cuatro caballos y entrando triunfadora en la ciudad.

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99."Brighton Royal Pavillion" (1815-1822) de John Nash

ARQUITECTURA PINTORESCA: Esta antigua residencia real de Jorge IV de Inglaterra se construyó como palacio de retiro a orillas del mar debido a la gota que sufría el monarca. Sobre un primer edificio anterior y ampliado por Henry Holland, el arquitecto John Nash rediseñó toda la vivienda a principios del siglo XIX. En un período donde se pretendía volver a los estilos anteriores y debido a la influencia colonialista de la India que aún estaba bajo el imperio británico, el rey decidió darle una aire hindú a la decoración interior, con toques chinos, pero sobretodo a la exterior donde también hay ciertos toques de la arquitectura mogul. Es un gran ejemplo de exotismo en el diseño y una alternativa paradigmática al neoclasicismo del momento.

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95."Ophelia" (1851) de John Millais

PINTURA PRERRAFAELITA: John Everett Millais fue uno de los mejores ilustradores y pintores británicos del siglo XIX. Miembro fundador de la "Hermandad prerrafaelita", que apostaban por un arte más libre fuera de los cánones del academicismo de la época y buscan el italianismo puro del período del "trecento" de Giotto, aplicado a la minuciosidad y el detallismo de sus composiciones. El realismo, la belleza del mundo natural y su complejidad se hacen patentes en pinturas como esta "Ophelia" donde vemos a este personaje shakespeariano entregado en el momento justo de la muerte tras enloquecer. La creación de los planos pictóricos de diversas naturalezas le da una gran materialidad visual. Es la captación de un momento, de una impresión, adelantándose y valga la redundancia, al concepto impresionista.

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93."Home Insurance Building" (1884) de William Le Baron Jenney

ARQUITECTURA ESCUELA DE CHICAGO: De este primer rascacielos realizado en acero estructural y hormigón, solo tenemos estas fotografías y algunas litografías de la época porque fue derruído en 1931. Este pionero de la superposición de viviendas una sobre otra, constaba de 42 metros de altura, pero tan solo 10 pisos aunque en aquella época era considerado mastodóntico. Las posibilidades constructivas del momento privaron a Le Baron Jenney de levantar más plantas. Él fue uno de los precursores de esta tendencia arquitectónica que se desarrolló en Chicago, una ciudad en expansión que sufrió la especulación de los terrenos, lo que comportó la necesidad de construir en vertical. Las nuevas estructuras metálicas, el uso de pilares de hormigón armado, las ventanas horizontales y el desarrollo del ascensor eléctrico hicieron posible un estilo precursor que ha llevado a lo largo del s.XX y XXI a realizar rascacielos de hasta 800 m de altura.

89."El grito" (1893) de Edvard Munch

PINTURA EXPRESIONISTA: "El grito" es el título de varios cuadros, con la misma temática, que el noruego Edvard Munch pintó entre 1893 y 1896. La versión más famosa es ésta y es la que se encuentra en la Galería Nacional de Oslo. Esta obra fue robada en 1994 y recuperada ocho semanas más tarde gracias a la acción policial. Esta pintura y las otras adaptaciones muestran a una figura andrógina en primer plano que representa al hombre moderno en un momento de angustia y de desesperación. El paisaje de fondo es la ciudad de Oslo visto desde una de sus colinas y sobre el puente vemos a dos personas tocadas con sombrero como testimonios mudos de un momento dramático. Prefigurador del movimiento expresionista, este cuadro tiene su fuente de inspiración en la atormentada vida del artista.
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82."El origen del mundo" (1866) de Gustave Courbet

PINTURA REALISTA: "L'origine du monde" es uno de los cuadros más escandalosos y a la vez vergonzantes del siglo XIX. En aquel período, la Academia Francesa regía las formas estilísticas de los pintores galos decimonónicos. Aquellos que no eran aceptados por los académicos para exponer en su Salón no podían triunfar, ya que en aquel período aún no estaban en marcha las galerías de arte privadas. Courbet, uno de los "enfants terribles" de la pintura francesa, nos quiso presentar el primer plano de un pubis femenino con una cruda y extrema realidad, lo que supuso para el pudoroso espectador una fuerte impresión de sensualidad y erotismo. Esta pieza, única del período, por su radicalidad y peculiar encuadre, quedó proscrita hasta que vio la luz, en 1988, en una exposición de Nueva York. No olvidemos, que en aquel período, el desnudo femenino estaba aceptado pero siempre visto desde la "excusa" mitológica y dentro de un idealismo pictórico. El realismo de este pintor y de otros de su generación presentaron a la sociedad y a las personas con la veracidad que necesitaba un siglo donde las revoluciones sociales y políticas se sucedían una detrás de la otra.