214."Paisaje con el embarque en Ostia de Santa Paula Romana" (1639-1640) de Claude Lorrain

PINTURA BARROCA: Claude Lorrain fue un pintor francés establecido en Roma y que atendía al nombre original de Claude Gellée. Lo enmarcaríamos dentro del barroco clasicista, con una clara inspiración paisajista vinculada a la belleza de la campiña romana de aire bucólico-pastoril. Firmaba sus cuadros como "Le Lorrain" aludiendo a su ciudad natal. Trabó amistad con Nicolas Poussin y se introdujo en los círculos artísticos romanos y del papado. Su fama se fue extendiendo y llegó a tener buenos imitadores como Sebastien Bourdon. Sus paisajes clásicos fueron pintados en clave religiosa o mitológica. Idealizó el paisaje sereno, evocador de la antigüedad, en su búsqueda de la bella Arcadia, con la placidez del mar o del cielo e introduciendo figuras bellas en los conjuntos de la naturaleza. Utilizó una luz directa y natural proveniente del sol del atardecer o del amanecer que centró en sus composiciones. En su afán de pintar espacios abiertos recurrió a los puertos que sirvieron de pretexto para dar cierta acción a las figuras que se movían en escena. Este "Paisaje con el embarque en Ostia de Santa Paula Romana" es un óleo encargado por Felipe V para decorar su Palacio del Buen Retiro y que actualmente se expone en el Museo del Prado. Forma parte de una serie de cuadros que diversos pintores de la época realizaron para el monarca. Aunque no lo parezca a simple vista se trata de una escena religiosa. Es el momento en que Santa Paula, en el siglo IV, se despide de sus hijos cuando embarca en el puerto de Ostia con destino a Palestina, donde vivirá como una ermitaña al lado de San Jerónimo. Pero queda claro que Lorrain utilizó esta temática para la realización de un monumental paisaje urbano lleno de reminiscencias arquitectónicas ambientadas en la antigüedad clásica aunque pretendidamente renacentista en concepto. Destaca el punto de fuga central creado por la luz solar dorada.

213."Iglesia de San Carlos Borromeo" (1716-1737) de Johann Bernhard Fischer

ARQUITECTURA BARROCA: La "Karlskirche" es una de las iglesias centroeuropeas más originales del altobarroco. Está situada en la Karlsplatz de Viena muy cerca del Ringstrasse. El emperador Carlos VI, prometío la construcción de un templo dedicado a San Carlos Borromeo, una vez que la peste que asoló la ciudad en 1713 (con 8.000 muertos), dejara de actuar. La dedicación a este arzobispo milanés provenía de su heroicidad en 1576 cuando luchó contra esta terrible enfermedad. En 1714 se hizo un concurso para la construcción de esta obra y Fischer fue el ganador absoluto con una propuesta ecléctica de un barroco en el que se combinan diferentes estilos: vemos un pórtico central de inspiración griega con un frontón esculpido con las desgracias de la peste y coronado por la escultura del santo patrón con dos columnas helicoidales laterales de recuerdo trajano con relieves sobre la vida del santo y todo ello rematado por una cúpula brunelleschiana. A ambos lados construyó dos pabellones al más puro estilo barroco romano rematado con aires orientales en forma de pagoda. Es un edificio demostrativo del poder religioso e imperial de los Habsburgo, sobretodo en sus dimensiones ya que tiene 80 metros de altura por 60 m de ancho, siendo el segundo templo más grande de la capital del Danubio. En el interior encontramos pinturas barrocas y un retablo en estuco sobre el altar mayor de San Carlos ascendiendo al cielo en una nube.

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211."María Magdalena penitente" (1453) de Donatello

ESCULTURA RENACENTISTA: En 1453, Donatello volvió a su ciudad natal, Florencia, y allí recibió el encargo para hacer una Magdalena penitente que tenía que ubicarse en el baptisterio de San Juan de Santa María de Fiore y que actualmente se encuentra en el Museo dell'Opera del Duomo. El escultor se inspiró en "La leyenda dorada" de Jacopo de la Vorágine donde se relata el retiro de Maria Magdalena. Para conseguir la redención de sus pecados ejerció de ermitaña en, según se cree, el sur de la actual Francia. Realizada en madera policromada, el artista planteó una mujer madura demacrada, cubierta con una prenda de piel completamente ajada, un largo pelo que le cubre el cuerpo. Es una escultura de pie, con las manos huesudas en acto de oración, con un rostro fatigado y dolorido, con unos pómulos muy marcados por su extrema delgadez. Sus ojos son profundos y la boca entreabierta presenta una dentadura mellada. Este enorme expresionismo fuera de los cánones de la antigüedad llamó mucho la atención en los ordenados humanistas. Preconizó el sufrimiento expuesto en las mejores tallas del barroco hispano e italiano de corte religioso.

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210."San Sebastián" (1480) de Andrea Mantegna

PINTURA RENACENTISTA: El tema del asaetamiento de San Sebastián fue pintado tres veces por Andrea Mantegna, uno que se conserva en Viena, otro en Venecia y el que nosotros trataremos y que se halla en el Louvre de París. El artista nativo de Padua vivió en un época donde la peste negra hizo estragos y en un momento donde se pensaba que esta enfermedad se transmitía por el aire. Como San Sebastián fue martirizado con flechas transportadas por la fuerza eólica se pensaba que este santo era protector de la peste. El cuadro que se conserva en la famosa pinacoteca francesa es un fragmento del retablo de San Zenón de Verona. El santo aparece atado a una columna estriada de corte clásico muy de moda en un momento en que se miraba hacia las formas grecorromanas. La perspectiva con la que trabaja el pintor es muy baja, creando una sensación de solidez y dominio en la figura. Sus ojos miran hacia el cielo en un gesto de resignación ante el martirio. A sus pies, se muestran dos personajes que representan a los arqueros que han martirizado al santo, símbolo del mal. Destaca el gran realismo de la higuera, de la anatomía de la figura y la credibilidad visual de las ruinas clásicas.

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207."Iglesia del Gesú" (1568) de Jacopo Vignola y Giacomo della Porta

ARQUITECTURA BARROCA: Ubicada en una céntrica plaza romana, esta iglesia, perteneciente a la Compañía de Jesús, está considerada como la primera de corte barroco, sobretodo en su fachada y paradigma de este movimiento en su línea más clásica. Un modelo que se copió hasta la saciedad en otras iglesias de este orden por toda Europa y Sudamérica. Sabemos que Miguel Ángel se ofreció para diseñar este templo de manera gratuita, aunque al final los principales arquitectos fueron Jacopo Vignola, discípulo del gran maestro antes mencionado y Giacomo della Porta, siendo el segundo el que remató aquello que el primero no pudo finalizar debido a su muerte. Vignola aportó una equilibrada composición en tres niveles superpuestos y Della Porta, revisando el diseño del primero, creó una tensión debido a los elementos verticales que aplicó. Es una iglesia de planta basilical sin nártex donde el visitante accede directamente a una única nave central, sin espacios laterales, envuelta, eso sí, de capillas con decoración en forma de balaustrada y enrejado. El transepto es mínimo en su apreciación en planta y éste, como máximo, enfatiza el altar mayor por sus extremos. La evolución del alto renacimiento al barroco dejó como herencia las cúpulas centrales de base brunelleschiana que seguirán utilizándose. El interior mantiene la bóveda de cañón adaptada en época renacentista con pinturas al fresco, los poderosos pilares del crucero, el revestimiento de las paredes rico en mármoles y decoraciones doradas en relieve, con esculturas en mármol blanco y estucos decorativos por doquier.

205."El rapto de Proserpina" (1621) de Gian Lorenzo Bernini

ESCULTURA BARROCA: Esta magnífica obra del escultor más importante italiano de todos los tiempos, forma parte de una de sus piezas mitológicas, encargada por Scipione Borghese. Esta pieza de Bernini fue realizada para convertirse en obsequio para el cardenal Ludovico Ludovisi en 1622 y pensada para decorar su villa. Permaneció allí hasta 1908 hasta que fue devuelta a la Galeria Borghese. Esta enorme estatua de mármol representa a Plutón (visto como Hades) que  secuestra a la ninfa Proserpina para convertirla en su esposa. Destaca la composición de la pieza, pensada en contraposto, con un cierto giro que la hace turbulenta, al estilo de las formas manieristas de evolución hacia el barroco más clásico. Esta posición hace que podamos contemplar la figura desde diferentes ángulos sin necesidad de una frontalidad única. Plutón intenta mantener sujeta a la que parece huidiza y asustada Proserpina (ó Perséfone), que lucha, con el "grito barroco" dibujado en su rostro, para evitar ser confinada como reina de los infiernos, ella que es la personificación de la primavera y de la libertad. La figura femenina tiene lágrimas en los ojos y su pelo se balancea movido como si una corriente de aire lo agitase en ese mismo momento. El conjunto escultórico tiene una tercera figura: el perro Cancerbero, vigilante de las puertas del infierno, que en esta ocasión está ladrando. El realismo con el que está tratada la pieza destaca al contemplar como los dedos del dios aprietan y se hunden en el muslo de la ninfa o como ella empuja su rostro demostrando su repudia, creando una majestuosa y elegante composición en aspa donde las diagonales toman protagonismo.

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204."La resurrección de Cristo" (1463-1465) de Piero della Francesc

PINTURA RENACENTISTA: Esta obra llamada en Italia simplemente "La resurrección" fue pintada por Piero della Francesca, en Arezzo. Está considerada una de las obras más interesantes de este pintor sobretodo por el uso de sus diversas perspectivas. Hay tres planos: los soldados dormidos en primer plano, la aparición de Cristo y el fondo paisajístico. El conjunto tiene una gran solemnidad por la presencia frontal y hierática de Jesús pero sobretodo por su composición piramidal. Cristo aparece en el centro y es el punto focal de atención, sobretodo porque lumínicamente destaca el color de su piel y su vestimenta más clara en contraste con el cromatismo del cuadro. Sale de su sepulcro y mira directamente al espectador. En la mano derecha lleva la cruz roja de los cruzados (bandera simbólica de la resurrección) y con la derecha sostiene la toga rosácea, mientras que con su pie da la sensación de haber surgido en aquel mismo momento de la tumba. Sus heridas son evidentes y su ubicación separa el paisaje en dos partes: la parte derecha contiene árboles exuberantes y vivos representando el nacimiento y la izquierda vemos árboles caducos de invierno que simbolizan la muerte. A los pies se encuentran los soldados somnolientos y separados por la línea horizontal del sarcófago. Uno de los soldados es Piero della Francesca, justamente el que duerme de manera frontal. Parece que uno de ellos acaba de despertar, pero sobretodo destacan algunos incongruencias anatómicas realizadas por el artista. 

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200."La Gioconda" (1503-1506) de Leonardo da Vinci

PINTURA RENACENTISTA: Para celebrar nuestra entrada 200 y para homenajear nuestro Favicon, hemos decidido optar por este clásico entre los clásicos de la pintura. Quizás sea la obra más conocida de la historia del arte, denominada Gioconda o Mona Lisa y realizada por Leonardo da Vinci, su última gran obra. Ríos de tinta se han volcado sobre esta pieza y sobretodo en relación a la enigmática sonrisa (de ahí el apelativo italiano de "gioconda" entendido como "alegre"). Es una pintura al óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, expuesta en un sala exclusiva del Louvre. La identidad de la joven se cree que fue Lisa Gherardini, una noble florentina que fue retratada por el genial artista por encargo de su marido Francesco Bartolomeo. Leonardo hizo el dibujo, aplicó el óleo diluído e introdujo una técnica revolucionaria llamada "sfumato" que consistía en evitar las líneas de contorno típicas del quattrocento difuminándolas, dando así una sensación tridimensional gracias al fondo. La mujer está sentada en un sillón apoyando sus brazos en el propio asiento en una galería que se abre a un paisaje acuoso inspirado en unas vistas que el propio pintor de los Alpes pudo contemplar en Milán. Podría ser un recodo del lago de Como o el Arno. La dama no tiene cejas ni pestañas, aunque Vasari hablaba de ellas en su descripción, aceptándose la téoría de que fueron eliminadas en una restauración agresiva posterior. Su mirada gira levemente a la izquierda sonriendo de manera peculiar. Lleva un suave velo sobre el cabello, símbolo de castidad. Sobre los famosos enigmas de la obra se han hablado de una sonrisa que aparece y desaparece según el punto del cuadro contemplado; el posible embarazo cubierto por los brazos o la identidad definitiva de la modelo. La obra fue robada en 1911 y por ello actualmente está envuelta de importantes sistemas de seguridad.

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198."La familia de Carlos IV" (1800-1801) de Francisco de Goya

PINTURA REALISTA: Este retrato colectivo familiar de la familia real española se conserva en el Museo del Prado. En esta obra Goya destaca su gran conocimiento retratístico siendo el culmen un tipo de pintura que durante años realizó. Revela su gran maestría en los detalles y su sutileza a la hora de definir los personajes. No olvidemos que el artista era pintor de cámara de Carlos IV y su primer gran encargo para el monarca fue un retrato donde apareciera toda la familia borbona con la única condición de cierto parecido con "Las meninas" de Velázquez. Realizó gran cantidad de bocetos, que hoy en día se conservan, para enfocar bien este cuadro, realizados en forma de dibujos de imprimación rojiza con ciertos matices de color. Presento diez bocetos de los diferentes miembros que integrarían la tela. Finalmente entre junio de 1800 y diciembre de 1801 el artista trabajó en la obra definitiva y cuando fue presentada no suscitó, por lo visto, gran regocijo en el rey que esperaba algo más grandioso, aunque todos reconocieron que fueron fielmente representados. Parece ser que Goya fue muy diligente y los pintó más favorecidos de lo que realmente eran, otorgándoles una sensación vívida y un aire digno que pocos pintores de la época sabían representar en sus personajes. Están todos los miembros de pie y alineados, vestidos con lujosos trajes y abundantes joyas. El centro del cuadro y del poder del momento no lo marca el rey sinó la reina María Luisa de Parma. La perspectiva está bien elaborada pero evita las decoraciones de fondo de gusto velazquiano. Mencionar la aparición en la zona de la izquierda del propio Goya con un gran lienzo emulando al Velázquez de las meninas. La pincelada disuelta del pintor presagia un primerísimo impresionismo que le permite crear destellos lumínicos muy innovadores en la pintura de la época.

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195."Palacio Nacional de los Inválidos" (1670-1706) de Jules-Hardouin Mansart

ARQUITECTURA BARROCA: Este gran complejo arquitectónico parisino se construyó con la íntención de dar cobijo a los soldados franceses retirados, lisiados o ancianos. Actualmente, sus intalaciones cobijan un museo militar, una magnífica iglésia que mantiene el culto religioso y diversas dependencias para usos varios. Luís XIV de Francia encargó esta magna obra a Jules-Hardouin Mansart el 24 de febrero de 1670, pero con los planos previos de Liberal Bruant. Las instalaciones ya empezaron a albergar a los veteranos de guerra en 1674, pero la iglesia no se finalizó hasta 1706. En 1840, los restos mortales de Napoléon I fueron trasladados desde la isla de Santa Helena a la iglesia dedicada a San Luís para descansar en ella convirtiéndose en en mausoleo de militares. Aparte de los inmesos patios de armas, destaca la belleza de su iglesia concebida con un doble orden arquitectónico de forma edicular y rematada por un imponente cúpula dorada brunelleschiana de elevado tambor con decoraciones de aire rococó. Era una capilla privada de uso exclusivo del propio rey con la intención de convertirse en su mausoleo real. El interior, de planta centralizada, destaca por su gran belleza.

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193."Díptico del duque de Urbino" (1472) de Piero della Francesca

PINTURA RENACENTISTA: Esta obra de Piero della Francesca, que se encuentra en la Galeria Uffizi de Florencia, también recibe el nombre de "Retrato de Battista Sforza y Federico de Montefeltro". Está realizada al temple sobre madera. Su datación no es segura del todo y el margen estaría establecido entre 1460 y 1470. Otras teorías hablan de que el retrato del duque se finalizó en 1465 y el de su esposa en 1472. Cuando el cuadro se pintó, Battista ya había muerto (con tan solo 26 años) y su retrato se realizó con la máscara mortuoria. Se considera uno de los primeros retratos renacentistas y que estuvieron unidos durante mucho tiempo por un mismo marco. Están realizados en perfil imitando la acuñación de las monedas romanas que comporta una mayor idealización que el retrato a tres cuartos. Este díptico está pintado por ambas caras: en la principal se ven los retratos de los duques y en la parte posterior, en un lado está el duque coronado por la Victoria y en el otro, la duquesa llevada en un carro por unicornios. Los perfiles de la cara principal están enfrentados y en forma de busto, destacan sobre un paisaje idealizado y en perspectiva elevada que recuerda a Jan Van Eyck y la pintura flamenca. Destaca el sentido del volumen y la luz como enblanquece la tez de Battista. El detallismo de las joyas también es una reminiscencia de los flamencos primitivos. Esta obra, curiosamente, fue estudiada en el período cubista de Picasso y Braque por la geometría de los rostros.
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190."Catedral de San Pablo de Londres" (1676-1710) de Christopher Wren

ARQUITECTURA BARROCA: Esta iglesia fue construída sobre las ruinas de una anterior iglesia medieval que se quemó en un gran incendio en 1666 que asoló a Londres. Se cree que allí fue donde se construyó la primera iglesia británica allá por el 604 gracias a un agustino que se dedicó a convertir a los anglosajones del momento y llamado Melito de Canterbury. Este primer cenobio tuvo diversas ampliaciones hasta que Íñigo Jones, en 1633, la restauró añadiéndole un nuevo pórtico con toques clásicos que desapareció debido al incendio. Christopher Wren fue el encargado de crear la nueva catedral que diseño desde la planta centralizada. La fachada occidental, a primer golpe de vista, nos recuerda a la de San Pedro del Vaticano, iglesia de la cual el arquitecto se inspiró. Dos órdenes superpuestos rematados en el segundo piso con una estructura edicular de doble columnado dórico. Los laterales se convierten en sendas torres de 63 metros de altura rematadas en dos cúpulas pequeñas que recuerdan a las de San Ivo alla Sapienza de Roma. La espectacular cúpula central brunelleschiana centraliza todo el conjunto arquitectónico. No en vano, su cúpula es la segunda más grande del mundo después de la propia vaticana. Para llegar a ella hay que subir 530 peldaños y así contemplar los magníficos frescos de James Thornhill con escenas de la vida de San Pablo. Destacar el magnífico coro tallado en madera con mosaicos decorativos de inspiración bizantina y el fenomenal órgano. Esta edificación sobrevivió íntegramente a los bombardeos londinenses de la Segunda Guerra Mundial y es la catedral donde se realizan los eventos más importantes de la realeza y de la sociedad británica. En su famosa cripta podemos encontrar al almirante Nelson, a Wellington e incluso a Lawrence de Arabia.
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184."La primavera" (1478) de Sandro Botticelli

PINTURA RENACENTISTA: Es una de las obras maestras de Botticelli y está realizada en pintura al temple sobre tabla. Fue una pieza encargada por Lorenzo de Pierfrancesco familiar de Lorenzo el Magnífico para su palacio florentino. Es una pintura basada en los preceptos humanistas y neoplatónicos marcada por esa atmósfera de irrealidad que irradia el conjunto de las figuras mitolológicas del cuadro. Es una representación pagana de un tema claramente religioso con toques alegóricos. El lienzo es de tamaño monumental, con figuras de medida natural compaginado todo ello con un detallismo exacerbado. La mayor parte de las figuras están inspiradas en la escultura antigua pero pasadas por el tamiz formal del pintor. Son estilizadas, delgadas e idealizadas, cuyos cuerpos parecen artificiosamente estirados y que presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI. Éstas destacan por su color de piel en contraposición al fondo paisagístico lleno de naranjos o mandarinas, frutas asociadas a la familia Médici. Parece ser que la fuente literaria de esta compleja iconografía son los "Fastos" de Ovidio. Parece ser que la ninfa Cloris, a la que gustaba exhalar el olor de las flores, cautivó al dios del viento Céfiro, quien la siguió y la tomó por esposa a la fuerza. Arrepintiéndose dicho dios por su actitud, la transformó en Flora regalándole un hermoso jardín donde la primavera reinaría siempre. A la izquierda aparece Mercurio, dios mensajero y a su lado la Tres Gracias danzando. El centro de la escena esta ocupado por Venus, diosa del amor sobre cuya cabeza se sitúa Cupido. A la derecha vemos como una segunda escena presidida en primer término por la Primavera esparciendo sus flores por la tierra mientras Flora, desnuda y cubierta por un ropaje transparente, es perseguida por Céfiro.
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183."La encajera" (1669) de Johannes Vermeer

PINTURA BARROCA: La también denominada "La encajera de bolillos" es una de las obras más interesantes de la pintura holandesa de todos los tiempos. Este óleo que se exhibe actualmente en el Louvre de París, corresponde al momento de madurez de Vermeer. Fue una obra vendida en el pueblo natal del pintor, Delft, y que posteriormente fue pasando por diferentes manos privadas. Aunque por su fecha tengamos que ubicarlo en el momento del barroco, la intención de la obra es representar de manera realista una escena cotidiana costumbrista sin ninguna intención fastuosa. Es ese aislamiento íntimo tan de moda en la pintura de los Países Bajos y que tanto gustaba a los promotores burgueses queda muy alejado de la suntuosidad de los encargos áulicos o eclesiásticos. El artista contemplaba los objetos cotidianos que le envolvían y los representaba con detalle. Sus figuras están en silencio, recogidas en un microcosmos resplandeciente pero a la vez difuminado, donde la soledad y el recogimiento hacen acto de presencia con gran solemnidad. Esta joven encajera se encorva sobre su labor y su mirada se concentra en ésta, ajena al espectador. Es un símbolo de una de las virtudes femeninas domésticas reforzado por el libro que hay encima de la mesa que, aunque no lo reconozcamos, seguro que estaría vinculado con algún texto bíblico, ya que Vermeer era profundamente religioso. Destaca el juego de colores de los diversos elementos, jugando al desenfoque y con cierto toque puntillista, avanzando las formas impresionistas decimonónicas.
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178."Poco después de la boda" (1743) de William Hogarth

PINTURA ROCOCÓ: Este también llamado "El tête à tête" y perteneciente al ciclo del pintor británico Hogarth del "Casamiento a la moda", es una irónica serie de cuadros relacionados con los matrimonios de conveniencia, muy típicos de aquel período y al gusto del anecdotismo burgés y cortesano del estilo rococó. Esta obra realizada en óleo y dentro del costumbrismo británico es la menos tumultuosa, en cuanto a personajes se refiere del conjunto, ya que solo hay cuatro. Vemos al vizconde sentado en una silla alicaído después de una juerga. La condesa, sentada al otro lado de la mesilla ,se despereza aburrida después de una sesión de cartas con sus amigas. En la otra habitación vemos a un sirviente y el mayordomo, harto del desorden de la casa y las deudas, se va molesto con el libro de cuentas bajo el brazo. Vemos en primer plano una silla caída y como el sirviente no se inmuta ante esta estampa anodina. La implicación principal de la obra es el mutuo desinterés de esa pareja, que lleva poco tiempo de casada y que al parecer no se quieren y lo que ello comporta en el hogar, ya que el hastío comporta caos y pereza.

176."La tempestad" (1518) de Giorgione

PINTURA RENACENTISTA: Gabriel Vendramin fue el magnate que encargó al genial pintor veneciano Giorgione este enigmático cuadro. Hay diversas hipótesis sobre el significado iconográfico de la obra basados en episodios bíblicos y mitológicos, incluso se ha hablado de supuestas alegorías vinculadas con la fortuna, la fortaleza y la caridad. Se ha relacionado esta escena con la unión entre Mercurio e Isis, o el mito de Paris y Enone, aunque se ha considerado la posibilidad de que fuera un retrato de corte pastoril del propio pintor y su familia. La línea bíblica nos habla de la ciudad del fondo vista como el paraíso terrenal, y las dos figuras del hombre y la mujer, serían vistas Adan y Eva con su hijo Caín, evidentemente con ropas del "cinquecento". El rayo del fondo simbolizaría la cólera de Dios expulsándolos del Edén y las columnas rotas harían referencia a la mortalidad de los hombres como castigo eterno por el pecado original. Lo que sí es cierto es que contemplamos a una mujer semidesnuda amamantando a un bebé y por ello se la ha vinculado a la pureza, la castidad, la caridad e incluso a la Virgen María. El hombre, vestido de soldado y con una forzada posición en "contrapposto", mira hacia la derecha, pero no en dirección a la mujer, en representación de la fortaleza o la firmeza. Lo más curioso es que debajo de él había un "pentimento" ya que los rayos X han dejado entrever que el pintor había dibujado a otra mujer desnuda. La ciudad del fondo podría ser la Arcadia o el paraíso terrenal del cristianismo posterior al Edén y localizado en una zona desértica de Grecia. Un misterioso lienzo que adopta todos los valores lumínicos y cromáticos de la escuela veneciano con esa textura atmosférica y esa representación tenue de las nubes y el cielo tan carácterísticos de este momento y que no volveremos a encontrar hasta los paisajistas británicos del siglo XIX.

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172."Gilles" (1721) de Antoine Watteau

PINTURA ROCOCÓ: Este óleo sobre lienzo expuesto en el Museo del Louvre de París se planteó para una primera utilidad: ser un cartel para una cafetería de un amigo de Watteau. Como curiosidad decir que esta obra se realizó justamente el año de su muerte. Ha sido siempre conocida como "El payaso Gilles", pero su nombre original es "Pierrot, también llamado Gilles". La pieza fue legada al prestigioso museo parisino por un coleccionista decimonónico. Lo que llama la atención es la actitud de este mítico payaso y personaje de la comedia del arte italiana. La vitalidad y la desenvoltura de Pierrot aquí no aparece por ningún sitio: está de pie, alicaído y triste en su semblante. Parece más bien una marioneta que no un artista jovial. Esta actitud taciturna contrasta con la alegría y el dinamismo de los personajes que se encuentran en segundo término, donde veríamos las caracterizaciones típicas de otros compañeros de reparto de esa posible compañía teatral. No se sabe quien es la persona elegida: si es un autorretrato del artista, un amigo suyo o el retrato encargado de un actor. Es la obra maestra de Watteau por su pincelada disuelta y sus colores brillantes.
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167."Las hilanderas" (1657) de Diego Velázquez

PINTURA BARROCA: Esta gran obra del maestro Velázquez se conserva en el Museo del Prado y está considerada como uno de los grandes exponentes del estilo barroco español pictórico. Esta obra fue un encargo privado de Pedro de Arce y que aceptó por ser el montero personal de Felipe IV. Sobre su misterioso tema decir que siempre se le ha considerado un cuadro costumbrista donde vemos a unas hilanderas trabajando en un taller de tapices. En primer plano vemos a cinco mujeres preparando las lanas para hilar y al fondo unas damas que contemplan un tapiz de temática mitológica. Hoy en día se cree que recrea la fábula de Atenea y Aracne que se describe en "Las metamorfosis" de Ovidio. La joven Aracne retó a la diosa Atenea, inventora de la rueca, a hacer el tapíz más bello. En el primer término a la derecha veríamos a la hacendosa joven trabajando en la tela mientras que a la izquierda estaría Atenea transformada en anciana y sabemos que es ella porque la pierna es la de una adolescente. En el fondo se representa el desenlace donde la diosa, envidiosa de la belleza del tapiz de Aracne, la convertirá en araña para que así teja toda su vida. Se han buscado otras interpretaciones políticas pero quizás són más arriesgadas. Velázquez utiliza un formato medieval en la superposición de escenas dentro de una misma, con un estilo de gran esplendor, con los claroscuros pertinentes del momento y una paleta más monócroma però llena de tonalidades.

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165."Judith y Holofernes" (1455-1460) de Donatello

ESCULTURA RENACENTISTA: Esta estatua de Donatello fue encargada por Cosme de Medici para decorar la fuente del jardín del Palazzo Medici Riccardi. Compartía protagonismo con su famoso David en el mismo patio. Se considera una de las primeras figuras italianas exentas e independientes de cualquier programa arquitectónico. Es la representación mítica del asesinato del general asirio Holofernes por Judith, representación ésta siempre relacionada con la victoria y la libertad del débil sobre el fuerte. Ella sostiene una espada con una mano y con la otra coge la cabeza sesgada de Holofernes mientras el cuerpo de él empieza a caer sin fuerza en un escorzo imposible. El escultor ha decidido poner el pie de Judith sobre los genitales del general para redundar más aún en el poder y el triunfo. La estatua fue originalmente dorada viéndose aún restos de este recubrimiento en la hoja de la espada. La base està formada por una estructura en forma de cojín cúbico que le da más naturalismo con una serie de frisos en bajorrelieve de evocación clásica.

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160."La muerte de Marat" (1793) de Jacques Louis David

PINTURA NEOCLÁSICA: Esta excelente pintura del pintor neclásico francés David está considerada una de las más famosas de temática relacionada con la Revolución Francesa. Representa la muerte del radical escritor Jean Paul Marat, que estaba vinculado con la facción jacobina durante el denominado "reinado del Terror". Marat fue apuñalado el 13 de julio de 1793 por una mujer girondina llamada Carlota Corday, que consiguió su objetivo, alegando una serie de nombres de la facción contraria para que fueran guillotinados. Marat, que sufría una grave enfermedad cutánea que le producía terribles picores, tenía que tomar constantemente baños y allí recibió a la dama que, con la excusa delatora, sacó un puñal y asesinó al famoso personaje. El pintor era amigo íntimo del periodista y además seguidor de Robespierre. Conmovido por su muerte, le organizó un gran funeral y decidió inmortalizar la terrible escena, considerándose una de sus mejores obras, aunque su realización fuera rápida. En la imagen vemos la daga ensangrentada en el suelo y la caja (con la dedicatoria del pintor) que hacía de pupitre espontáneo en sus largas horas en el baño. La figura está idealizada en conexión con las formas romanas y la pluma, el tintero, los papeles (donde aparece escrito el nombre de su asesina) y la alfombra verde son verídicos, ya que el propio David estuvo presente posteriormente a la escena del crimen. Destaca la tremenda modernidad del conjunto con ese fondo neutro que prefiguraría muchas de las tendencias de siglos posteriores.