218."El pensador" (1902) de AUGUSTE RODIN

ESCULTURA IMPRESIONISTA: Es una escultura en bronce realizada por Auguste Rodin, exponente máximo de la escultura impresionista europea. La obra se iba a llamar en un principio "El poeta" y tenía que formar parte de un portal monumental  basado en "La divina comedia" de Dante para una muestra artística. Cada una de las figuras tenía que representar a un personaje de esta obra literaria. Rodin pretendía representar con ésta a Dante sentado ante les puertas del infierno visto como un ser heroico, desnudo, al estilo miguelangelesco para representar así la grandeza del pensar y de la poesía. La obra a gran escala se realizó en 1902 emulando a Donatello y a su admirado Miguel Angel, aunque en 1880 ya se había hecho una pequeña maqueta en yeso. Su presentación oficial fue en 1904. Hay más de 20 versiones de esta pieza pero podríamos decir que la auténtica se encuentra en el museo del artista ubicado en París. La escultura pesa unos 650 kg y tiene una base cuadrada de mármol. Dentro de la línea impresionista del artista la figura tiene un gran realismo e incluso se cree que un modelo posó para él. La desnudez aquí está representada como un estado necesario necesario de despojo para conseguir el pensamiento y la racionalidad pura. El hecho de estar sentado y mirando al suelo nos evoca a la necesidad de parar y perderse en la nada en una época en que el progreso estaba convirtiendo a las personas en víctimas de la industrialización y del capitalismo. 

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215."Moschophoros" (570 a.C.)

El Moscóforo es una de las esculturas tipo "kuros" que fue esculpida por una artista anónimo de los talleres de la zona de la Ática, en la región de la Antigua Grecia. Pertenece al período denominado arcaico del arte griego. Esta figura fue hallada entre las ruinas de la Acrópolis de Atenas y representa a un joven varón sonriente (carácterística representativa de aquel período: la sonrisa arcaica) con un becerro al cuello. Parece ser que la intencionalidad de la pieza era hacer de exvoto. Sabemos que es una pieza dedicada por Rhombos, hijo de un tal Pales, a Atenea, diosa que ejercía un gran poder espiritual sobre la sabiduría, la estrategia y la guerra. Atenea por su parte también fue considerada una de las representantes más amadas de los héroes de la época y adorada desde tiempos remotos por los habitantes atenienses como patrona de su "polis". La escultura que mide 1,65 m, por lo tanto, a tamaño natural según el canon de la época, está realizada en mármol del monte Himeto con incrustaciones de piedra en los ojos para darle más sensación de vida.

211."María Magdalena penitente" (1453) de Donatello

ESCULTURA RENACENTISTA: En 1453, Donatello volvió a su ciudad natal, Florencia, y allí recibió el encargo para hacer una Magdalena penitente que tenía que ubicarse en el baptisterio de San Juan de Santa María de Fiore y que actualmente se encuentra en el Museo dell'Opera del Duomo. El escultor se inspiró en "La leyenda dorada" de Jacopo de la Vorágine donde se relata el retiro de Maria Magdalena. Para conseguir la redención de sus pecados ejerció de ermitaña en, según se cree, el sur de la actual Francia. Realizada en madera policromada, el artista planteó una mujer madura demacrada, cubierta con una prenda de piel completamente ajada, un largo pelo que le cubre el cuerpo. Es una escultura de pie, con las manos huesudas en acto de oración, con un rostro fatigado y dolorido, con unos pómulos muy marcados por su extrema delgadez. Sus ojos son profundos y la boca entreabierta presenta una dentadura mellada. Este enorme expresionismo fuera de los cánones de la antigüedad llamó mucho la atención en los ordenados humanistas. Preconizó el sufrimiento expuesto en las mejores tallas del barroco hispano e italiano de corte religioso.

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205."El rapto de Proserpina" (1621) de Gian Lorenzo Bernini

ESCULTURA BARROCA: Esta magnífica obra del escultor más importante italiano de todos los tiempos, forma parte de una de sus piezas mitológicas, encargada por Scipione Borghese. Esta pieza de Bernini fue realizada para convertirse en obsequio para el cardenal Ludovico Ludovisi en 1622 y pensada para decorar su villa. Permaneció allí hasta 1908 hasta que fue devuelta a la Galeria Borghese. Esta enorme estatua de mármol representa a Plutón (visto como Hades) que  secuestra a la ninfa Proserpina para convertirla en su esposa. Destaca la composición de la pieza, pensada en contraposto, con un cierto giro que la hace turbulenta, al estilo de las formas manieristas de evolución hacia el barroco más clásico. Esta posición hace que podamos contemplar la figura desde diferentes ángulos sin necesidad de una frontalidad única. Plutón intenta mantener sujeta a la que parece huidiza y asustada Proserpina (ó Perséfone), que lucha, con el "grito barroco" dibujado en su rostro, para evitar ser confinada como reina de los infiernos, ella que es la personificación de la primavera y de la libertad. La figura femenina tiene lágrimas en los ojos y su pelo se balancea movido como si una corriente de aire lo agitase en ese mismo momento. El conjunto escultórico tiene una tercera figura: el perro Cancerbero, vigilante de las puertas del infierno, que en esta ocasión está ladrando. El realismo con el que está tratada la pieza destaca al contemplar como los dedos del dios aprietan y se hunden en el muslo de la ninfa o como ella empuja su rostro demostrando su repudia, creando una majestuosa y elegante composición en aspa donde las diagonales toman protagonismo.

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196."Gálata moribundo" (230-220 a.C.)

ESCULTURA HELÉNICA: Este galo moribundo es en verdad una antigua copia romana en mármol del original griego de tiempos helénicos. Fue encargada por Átalo I de Pérgamo para conmemorar la victoria sobre los gálatas. No sabemos quien es su autor, pero podría ser Epígonas, el escultor de la corte atálida en aquel momento. Este guerrero, con bigote y cabello al estilo de los galos, está representado con gran realismo. Aparece desnudo porque es así como luchaban en los conflictos bélicos, en una posición de cansancio a la espera de la muerte, con un rictus en la cara de negación ante la misma. Se descubrió en el siglo XVII en unas excavaciones en Villa Ludovisi y ha sido una de las obras más copiadas de la escultura griega. La calidad artística de la pieza y su expresivo pathos la convirtieron en un referente en época barroca admirada por personajes como Lord Byron y copiada hasta la saciedad por gente adinerada que querían tener un "gálata" en su casa. Hay diversas copias en diversos museos del mundo pero quizás la copia romana más fiable sea la que se encuentra en los Museos Capitolinos de Roma.

191."Columna de Trajano" (114)

ESCULTURA ROMANA: Fue un monumento conmemorativo encargado por el emperador Trajano (de ahí su nombre) para celebrar su victoria y la de sus tropas sobre los dacios. Se encuentra en el foro, cerca del Quirinal y mide 30 metros de altura (38 metros con su pedestal). Tiene 18 bloques enormes de mármol de Carrara, cada uno de los cuales pesa 40 toneladas con un diámetro de 4 metros. Todo el fuste está recorrido por una espiral en bajorrelieve con 200 metros de escultura en total dando 23 veces la vuelta. En su interior hay una escalera de caracol de 185 peldaños que da acceso a un mirador que se encuentra en la parte superior. El conjunto, originalmente, estaba rematado por un águila y posteriormente por una escultura del propio Trajano. En 1588, el papa Sixto V, reemplazó ésta por la de San Pedro que es la que hoy en día se encuentra allí alojada. La finalidad de este monumento era puramente propagandístico, destinado a glorificar al emperador además de albergar sus cenizas una vez muerto. El famoso relieve que envuelve toda la columna narra las dos victoriosas campañas bélicas contra los dacios. Las dos están separadas entre sí por una Victoria. Este magnífico relieve estuvo en su momento policromado y se tallaron sus escenas con una intención de crónica, por lo que la técnica escultòrica deja mucho que desear en detrimento de la narración del conjunto. Por ejemplo, los ejes visuales son varios y no hay un interés por la perspectiva. Entre las escenas más reconocibles podemos ver la vida en el campamento, la construcción de un acueducto o el asedio a una ciudad. En total se pueden contabilizar más de 2.500 personas y el emperador aparece 59 veces visto como un ser humano y no como un dios.

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186."Dios del cabo Artemisio" (460 a.C.)

ESCULTURA GRIEGA: Esta magnífica estatua del período severo del arte griego fue hallada en 1928 en el fondo del cabo Artemisio, de ahí su nombre actual. Es una escultura que se reconstruyó porque dos años antes se había encontrado uno de sus brazos. Actualmente se encuentra en el Museo Arqueológico de Atenas. Estaríamos dentro de la tipología estilística puramente clásica, ya que no es arcaica ni helenística su concepción. Ya no existe la frontalidad y el estatismo primigenio, aunque la figura sigue aposentándose en la base con los dos pies, pero ya existe un cierto dinamismo. Representa la imagen de un dios a punto de lanzar con la mano derecha algo, posiblemente una lanza, pero al no tenerla no se puede confirmar. Mide más de 2 metros de altura y está dentro de la escala habitual de la representación escultórica griega de los dioses. Es una figura desnuda, que podría representar a Zeus lanzando su rayo o a Poseidón con el tridente. Por la posición de la mano abierta podría ser el segundo, ya que cuando se representa la sujeción de un rayo se hace con la extremidad cerrada. Se ha asociado a tres escultores: a Kalamis del que solo conocemos copias romanas, a Onatas o a Mirón, más conocido.

182."Tímpano de Saint Foy de Conques" (s.XII)

ESCULTURA ROMÁNICA: En la fachada occidental de esta magnífica catedral francesa encontramos uno de los tímpanos más interesantes del románico europeo. 124 figuras componen este grupo escultórico realizado en bajorrelieve y dedicado al Juicio Final. Dentro de una profunda arquivolta en forma de medio punto sobre la portada encontramos tres niveles donde se desarrolla esta historia apocalíptica según el evangelio de San Mateo. En el espacio más cercano a la parte superior encontramos a los ángeles que con sus trompetas nos avisan del fin del mundo. En el nivel intermedio y presidido por un imponente "maiestas domini" en el centro, encontramos, a su derecha, a los elegidos y a su izquierda, los condenados. Detras de Cristo encontramos símbolos evocadores de la Pasión (la cruz y la lanza) transportados por ángeles y cercanos a él, San Pedro y la Vírgen María, aparte del abad y Carlomagno evidentemente ubicados en la zona de los elegidos. Los condenados de la parte izquierda son rechazados por los ángeles que custodian el paraíso representados como monjes indignos y borrachos. El nivel inferior contiene dos escenas genéricas: el Paraíso y el Infierno. El primero está presidido por Abraham con un ángel que acepta los elegidos y un demonio que empuja al Infierno los condenados. Satanás preside su reino donde se castigan las alegorías de los pecados capitales (soberbia, avaricia, envidia y lujuria). En el dintel de la puerta podemos leer la siguiente frase lapaidaria: "Pecadores, si no cambiáis vuestras costumbres, sabed que sufriréis un juicio terrible".
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180."Los burgueses de Calais" (1895) de Auguste Rodin

ESCULTURA IMPRESIONISTA: Rodin quiso representar con esta escultura de conjunto a los seis burgueses que en 1347 iniciaron la Guerra de los Cien Años y que ofrecieron sus vidas para salvar la población de Calais. Existen diversas copias de esta obra por todo el mundo. La escultura principal se encuentra en la plaza del ayuntamiento de dicha ciudad y está realizada en bronce. Mide 2 metros de alto por 2,5 metros de ancho y la componen seis hombres de similar altura y ropajes iguales. Todos ellos dirigen sus miradas a diversos puntos como si estuvieran perdidos y presagiando su sacrificio. Algunos de ellos gesticulan con tristeza pero dos en concreto se muestran tranquilos. Son figuras indepedientes dentro de un mismo grupo rotatorio y los ropajes parece que pesan más de la cuenta con esas desproporcionadas manos que dan un gran patetismo a la obra. Está compuesta de manera multifacial aunque en ningún momento las figuras miran al espectador para interactuar con él. Rodin intenta retratar cada cara de manera individual reflejando en sus rostros antipatía y angustia. Fue una escultura innovadora en su época ya que manifestaba la cruda realidad siguiendo los cánones del realismo decimonónico y contraviniendo las fórmulas academicistas de la época. Los contrastes lumínicos y el modelado evocan al impresionismo tan de moda en aquel momento presagiando la pintura de Cezánne. Además planteaba sus obras sin pedestal rompiendo las reglas de manera clara y evidente.
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174."Venus de Cnido" (360 a.C.) de Praxíteles

ESCULTURA GRIEGA: También conocida como "Afrodita de Cnido" es una de las piezas más famosas de Praxíteles, un escultor griego del período helenístico. Una pieza realizada en Atenas que se nos presenta como diosa del amor y que simboliza la belleza y la fertilidad femenina. Su nombre proviene de la ciudad y del templete donde tenía que ir ubicada esta escultura. Curiosamente fue rechazada por la población de Cos, lugar a donde estaba destinada, por ser impúdica y demasiado severa en su aspecto. Los cnidios la compraron y la veneraron en su ciudad. La modelo fue Friné, una hetera griega que fue representada por otros artistas de la época en actitudes íntimas. La pieza se hizo muy famosa y Plinio el Viejo llegó a "enamorarse" de la obra por su imitación perfecta del ser humano femenino. Esta venus busca un efecto erótico por la seducción provocada gracias a la tersura del mármol, por la sinuosidad y morbilidad de sus curvas. Un perfil en forma de "S" que se vuelve afectado cuando se quita la túnica para apoyarla en una ánfora para tomar un baño. La "columna" formada por el ropaje y la "hydria" hace de sustento de la estatua con ese movimiento grácil de la afrodita. Como si fuera cogida "in fraganti" se cubre el pubis con una mano. La pieza original desapareció en un incendio durante la rebelión de Constantinopla en el siglo IV, pero como fue una pieza admirada, los romanos hicieron muchas copias de esta pieza. Ésta, la más conocida y elogiada, se encuentra en el Museo Pío-Clementino del Vaticano.

168."Ara Pacis" (13-9 a.C.)

ESCULTURA ROMANA: El Ara Pacis o Altar de la Paz es un monumento de carácter conmemorativo de la época imperial romana. Se realizó en honor al regreso del emperador Augusto y sus tropas tras triunfar en sus campañas galas e hispánicas y conseguir la paz en esos convulsos territorios. Estaba ubicado inicialmente en el famoso Campo de Marte de la ciudad de Roma y cada año debía recibir el sacrificio de un carnero y dos bueyes. Está realizado en mármol de Carrara con una superficie total de 11 m x 10 m x 4,60 de altura y es un receptáculo rectangular que no tiene cobertura. Se accedía a su interior por una pequeña escalinata con una puerta adintelada y al fondo había otra salida por donde se sacaban a los animales sacrificados. En su interior estaba el altar del sacrificio sobre un pedestal escalonado y una decoración en el friso de tipo grotesca con guirnaldas y bucráneos. Sin duda, lo que hace destacar a este bello monumento son los relieves escultóricos que rodean su exterior y que recubren todo el edificio: los amplios zócalos tienen decoración en forma de hojas de acanto y en el segundo nivel encontramos, en los dos accesos, figuras alegóricas relacionadas con la mítica fundación de la primera Roma. En los laterales y en el mismo nivel de altura, se pueden contemplar dos largos frisos con procesiones donde vemos un conjunto retratístico de Augusto, su mujer y sus amigos al estilo de los encontrados en el Partenón de Atenas. Hay una combinación de altorrelieves y bajorrelieves que dan una gran profundidad y dinamismo a las esculturas, donde lo clásico y lo helenístico se dan la mano, conformando uno de los grupos escultóricos de mayor calidad de la cultura romana.
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165."Judith y Holofernes" (1455-1460) de Donatello

ESCULTURA RENACENTISTA: Esta estatua de Donatello fue encargada por Cosme de Medici para decorar la fuente del jardín del Palazzo Medici Riccardi. Compartía protagonismo con su famoso David en el mismo patio. Se considera una de las primeras figuras italianas exentas e independientes de cualquier programa arquitectónico. Es la representación mítica del asesinato del general asirio Holofernes por Judith, representación ésta siempre relacionada con la victoria y la libertad del débil sobre el fuerte. Ella sostiene una espada con una mano y con la otra coge la cabeza sesgada de Holofernes mientras el cuerpo de él empieza a caer sin fuerza en un escorzo imposible. El escultor ha decidido poner el pie de Judith sobre los genitales del general para redundar más aún en el poder y el triunfo. La estatua fue originalmente dorada viéndose aún restos de este recubrimiento en la hoja de la espada. La base està formada por una estructura en forma de cojín cúbico que le da más naturalismo con una serie de frisos en bajorrelieve de evocación clásica.

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162."Lucrecia" (1804) de Damià Campeny

ESCULTURA NEOCLÁSICA: Está en el Palau de la Llotja de Barcelona. Campeny fue uno de los primeros escultores catalanes que estudio en la Escuela Gratuita de Dibujo y que era la academia barcelonesa de las bellas artes del momento. Siguiendo la línea de esta tipología de formación copia los modelos de la estatuaria antigua haciendo furor entre los artistas neoclásicos. La historia de Lucrecia es la de la esposa de un patricio romano que es violada por un rey. Denuncia públicamente este acto pero como siente tanta vergüenza y tanta rabia decide suicidarse. En esta escultura vemos el momento posterior a la muerte ya que encontramos la daga a sus pies, la herida sangrante sobre su pecho a la altura del corazón. Pero sobretodo destaca el peso del cuerpo en el momento del fallecimiento. A nivel iconográfico es un tema magnífico porque trata un acontecimiento de la historia antigua ideal para los preceptos neoclásicos y a nivel formal también lo es porque con esta excusa plantea un pseudodesnudo vistiéndola con una sutil túnica que permite contemplar perfectamente su anatomía. Le interesa más el estudio anatómico y el tema queda en segundo término, aunque notamos una cierta sensación de frío y distanciamiento con el espectador al contemplar el conjunto. Está realizada en mármol.

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156."Silla con grasa" (1960) de Joseph Beuys

FLUXUS: La grasa es uno de los elementos esenciales en la obra de Beuys, considerada por su filosofía peculiar como base de calor y energía. Es amorfa y solo puede tener forma durante un tiempo y según las condiciones climatológicas a la que está sometida. Es sensible a las temperaturas y es la contraposición a la piedra de la escultura, ya que es orgánica y variable. La energía de esta sustancia tiene una base curativa, tan curativa como el arte ha de serlo dentro de una sociedad que está enferma. También usa un trozo de cobre que considera el culmen del estado de la espiritualidad por ser portador de carga eléctrica. La silla ha dejado de hacer su función de “ready-made” porque no podemos sentarnos en ella. Son objetos y elementos que han sido parte de la vida del artista y que tras convivir con él le ha dejado una huella imborrable. Son objetos-sujeto y no objetos-objetos como Duchamp pretendía que fueran sus obras. Son a su vez objetos cálidos que incitan a la cooperación que tienen su paradigma en el universo de la colmena. Los convierte en objetos-escultura referidos a todo el mundo y en el que no solo los artistas pueden crear arte.

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154."Apoxiomenos" (340 a.C.) de Lisipo

ESCULTURA GRIEGA: Fue la escultura más famosa de uno de los más célebres escultores del período postclásico de la Grecia antigua y llamado Lisipo. La copia que actualmente conocemos es una copia romana que se encuentra en los museos vaticanos y que según los historiadores del arte, fue una réplica de una original realizado en bronce. Se descubrió en 1849 en el populoso barrio romano de Trastevere y mide más de 2 metros de altura. La temática es la de un atleta totalmente desnudo que que se limpia de aceite con el estrígil después de haber realizado sus ejercicios. La posición de la pierna en un incipiente "contraposto" le da un dinamismo momentáneo de gran efectividad visual debido al desplazamiento del peso hacia un lado. La cabeza, en comparación con el resto del cuerpo es pequeña y está ligeramente inclinada tal como lo estaba el famoso "Doríforo" de Policleto, siguiendo el cánon de nueve cabezas típico del período helenístico.

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148."Diosa de las serpientes" (1600 a.C.)

ESCULTURA MINOICA: En esta misteriosa cultura nacida durante la Edad de Bronce y ubicada en la isla de Creta, se ha encontrado, en Cnosos, una serie de estatuillas de loza vidriada y de entre las cuales destacamos ésta, de casi 30 cm de altura y que representa a una de las diosas de esta civilización denominada minoica. También se ha querido ver en ella la representación de una sacerdotisa de la época. Fueron encontradas por un equipo de arqueólogos ingleses en la ala oeste del famoso palacio de Cnosos. Esta figura femenina está ataviada con un vestido largo de estrecha cintura y ajustado corpiño que dejan al descubierto sus abundantes pechos. Sostiene en ambas manos dos serpientes y sobre su cabeza tiene el cuerpo de un felino. Se llamó a esta pieza "Adoradora sin cabeza", ya que cuando fue encontrada le faltaba el brazo izquierdo y su propia cabeza. Insporándose en otra de las figuras encontradas junto a ésta se reconstruyeron esas partes anatómicas.

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144."Caballero Rampin" (550 a.C.)

ESCULTURA GRIEGA: Este "kurós", llamado también Jinete Rampin, es una escultura del período arcaico griego realizado en uno de los talleres de la zona de la Ática. Es la escultura ecuestre más antigua del período griego a la vez que una de las obras maestras del primer período del arte de que aquella civilización. Las dos piezas que conforman este conjunto se hallaron en diversos momentos de la historia: la cabeza en 1877 y el tronco y el caballo en 1886 en la zona de la Acrópolis ateniense. Representa a un joven varon muy de moda en las figuras realizadas entre los siglos VIII y VI a.C. con la sempiterna sonrisa como carácterística común además del hieratismo de los cuerpos. Las "korai" eran su equivalente femenino y también se esculpían. Se cree que podría ser el hijo de Pisístrato o bien una representación de uno de los hijos de Zeus o "dioscuros", pudiendo formar parte de una pareja escultórica no encontrada hasta la fecha.

137."Valley curtain" (1971) de Christo

ESCULTURA LAND ART: A finales de 1970, Christo y su esposa Jeanne-Claude, crearon una tela de 400 metros de largo para enlazar entre sí las laderas de Rifle Gap, en las Montañas Rocosas. La obra costó 230.000 dólares y grupos ecologistas del momento se quejaron ante el posible desperfecto medioambiental de esta mastodóntica instalación. Los 14.000 m2 de paño de color azafrán estaban engarzados por un cable de acero con trabillas y sujeto a dos barras metálicas laterales reforzadas con 200 toneladas de hormigón. La obra al final costó el doble pero pudo financiarse con la venta del "merchandising" artístico de esta inusual pareja de creadores. Su tendencia a "envolver" edificios o espacios naturales se había iniciado ya en 1958 envolviendo con papel y cuerda un bote de pintura. La megalomanía de su obra le llevó a realizar empresas tan espectaculares como ésta. El 10 de octubre de 1971 se pudo colgar esta inmensa cortina, base de la obra artística, pero fue rasgada por las inclemencias del viento. Se fabricó de nuevo otra y se ubicó en el mismo lugar el 10 de agosto de 1972 pero se tuvo que retirar 48 horas después de su colocación debido a una gran tormenta que asoló la zona. Esta obra efímera solo cuenta con el testimonio audiovisual que os invitamos a contemplar a continuación y que consta de 3 partes.
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136."Fontana de Trevi" (1732-1762) de Nicola Salvi

ESCULTURA BARROCA: Está considerada la fuente más grande, más bella y más ambiciosa de la Roma del período barroco. Está situada en el cruce de tres calles donde antes había un acueducto de época romana llamado Aqua Virgo. Existía la tradición de construir una gran fuente al final de los acueductos y con el Renacimiento resucitó esta idea clásica. Ya en 1453, Alberti construyó una simple pila para anunciar la llegada del agua. En 1625, el papa Urbano VIII, en un momento clave del urbanismo en la ciudad de Roma, pide a Bernini una mejora de esa misma fuente. Su proyecto fue rechazado en favor del de Nicola Salvi y se iniciaron las obras ya en época del papa Clemente XII. El telón de fondo de este magnífico conjunto escultórico, con grandes influencias berninianas, es el palacio Poli realizado con un orden gigante de pilastras corintias que enlazan las dos plantas del edificio. El tema iconográfico es el de la doma de las aguas mezclando este elemento líquido, con roca tallada y con la arquitectura. Vemos tritones, caballos, a Neptuno en su carroza y alegorías de la abundancia y la salubridad. El centro está marcado por un arco triunfal y hay diversos bajorrelieves por toda la composición. El precario equilibrio de las figuras y el dinamismo de las mismas nos evocan al inminente rococó.

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132."Claustro de Moissac" (1100)

ESCULTURA ROMÁNICA: La abadia de Saint Pierre de Moissac es uno de los grandes referentes europeos de la arquitectura románica pero también de la escultura, gracias a su espectacular claustro que tanto ha influenciado en el románico meridional. Vinculada al todopoderoso Cluny, fue consagrada de nuevo en 1047 después de un incendio y el claustro está datado aproximadamente sobre el 1100. Miden 31 m x 27 m las cuatro galerías que conforman este espacio comunitario donde arcadas de medio punto se unen gracias a columnas, en un total de 116 y en alternancia estructural sencilla y compuesta. Los capiteles presentan una decoración historiada en sus cuatro caras con escenas del Génesis, la Infancia de Cristo y otras escenas del Antiguo testamento. También, motivos fitomórficos y zoomórficos, decoran estos capiteles que han sido de referencia en los talleres tolosanos y sobretodo en el románico catalán.