211."María Magdalena penitente" (1453) de Donatello

ESCULTURA RENACENTISTA: En 1453, Donatello volvió a su ciudad natal, Florencia, y allí recibió el encargo para hacer una Magdalena penitente que tenía que ubicarse en el baptisterio de San Juan de Santa María de Fiore y que actualmente se encuentra en el Museo dell'Opera del Duomo. El escultor se inspiró en "La leyenda dorada" de Jacopo de la Vorágine donde se relata el retiro de Maria Magdalena. Para conseguir la redención de sus pecados ejerció de ermitaña en, según se cree, el sur de la actual Francia. Realizada en madera policromada, el artista planteó una mujer madura demacrada, cubierta con una prenda de piel completamente ajada, un largo pelo que le cubre el cuerpo. Es una escultura de pie, con las manos huesudas en acto de oración, con un rostro fatigado y dolorido, con unos pómulos muy marcados por su extrema delgadez. Sus ojos son profundos y la boca entreabierta presenta una dentadura mellada. Este enorme expresionismo fuera de los cánones de la antigüedad llamó mucho la atención en los ordenados humanistas. Preconizó el sufrimiento expuesto en las mejores tallas del barroco hispano e italiano de corte religioso.

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210."San Sebastián" (1480) de Andrea Mantegna

PINTURA RENACENTISTA: El tema del asaetamiento de San Sebastián fue pintado tres veces por Andrea Mantegna, uno que se conserva en Viena, otro en Venecia y el que nosotros trataremos y que se halla en el Louvre de París. El artista nativo de Padua vivió en un época donde la peste negra hizo estragos y en un momento donde se pensaba que esta enfermedad se transmitía por el aire. Como San Sebastián fue martirizado con flechas transportadas por la fuerza eólica se pensaba que este santo era protector de la peste. El cuadro que se conserva en la famosa pinacoteca francesa es un fragmento del retablo de San Zenón de Verona. El santo aparece atado a una columna estriada de corte clásico muy de moda en un momento en que se miraba hacia las formas grecorromanas. La perspectiva con la que trabaja el pintor es muy baja, creando una sensación de solidez y dominio en la figura. Sus ojos miran hacia el cielo en un gesto de resignación ante el martirio. A sus pies, se muestran dos personajes que representan a los arqueros que han martirizado al santo, símbolo del mal. Destaca el gran realismo de la higuera, de la anatomía de la figura y la credibilidad visual de las ruinas clásicas.

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193."Díptico del duque de Urbino" (1472) de Piero della Francesca

PINTURA RENACENTISTA: Esta obra de Piero della Francesca, que se encuentra en la Galeria Uffizi de Florencia, también recibe el nombre de "Retrato de Battista Sforza y Federico de Montefeltro". Está realizada al temple sobre madera. Su datación no es segura del todo y el margen estaría establecido entre 1460 y 1470. Otras teorías hablan de que el retrato del duque se finalizó en 1465 y el de su esposa en 1472. Cuando el cuadro se pintó, Battista ya había muerto (con tan solo 26 años) y su retrato se realizó con la máscara mortuoria. Se considera uno de los primeros retratos renacentistas y que estuvieron unidos durante mucho tiempo por un mismo marco. Están realizados en perfil imitando la acuñación de las monedas romanas que comporta una mayor idealización que el retrato a tres cuartos. Este díptico está pintado por ambas caras: en la principal se ven los retratos de los duques y en la parte posterior, en un lado está el duque coronado por la Victoria y en el otro, la duquesa llevada en un carro por unicornios. Los perfiles de la cara principal están enfrentados y en forma de busto, destacan sobre un paisaje idealizado y en perspectiva elevada que recuerda a Jan Van Eyck y la pintura flamenca. Destaca el sentido del volumen y la luz como enblanquece la tez de Battista. El detallismo de las joyas también es una reminiscencia de los flamencos primitivos. Esta obra, curiosamente, fue estudiada en el período cubista de Picasso y Braque por la geometría de los rostros.
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184."La primavera" (1478) de Sandro Botticelli

PINTURA RENACENTISTA: Es una de las obras maestras de Botticelli y está realizada en pintura al temple sobre tabla. Fue una pieza encargada por Lorenzo de Pierfrancesco familiar de Lorenzo el Magnífico para su palacio florentino. Es una pintura basada en los preceptos humanistas y neoplatónicos marcada por esa atmósfera de irrealidad que irradia el conjunto de las figuras mitolológicas del cuadro. Es una representación pagana de un tema claramente religioso con toques alegóricos. El lienzo es de tamaño monumental, con figuras de medida natural compaginado todo ello con un detallismo exacerbado. La mayor parte de las figuras están inspiradas en la escultura antigua pero pasadas por el tamiz formal del pintor. Son estilizadas, delgadas e idealizadas, cuyos cuerpos parecen artificiosamente estirados y que presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI. Éstas destacan por su color de piel en contraposición al fondo paisagístico lleno de naranjos o mandarinas, frutas asociadas a la familia Médici. Parece ser que la fuente literaria de esta compleja iconografía son los "Fastos" de Ovidio. Parece ser que la ninfa Cloris, a la que gustaba exhalar el olor de las flores, cautivó al dios del viento Céfiro, quien la siguió y la tomó por esposa a la fuerza. Arrepintiéndose dicho dios por su actitud, la transformó en Flora regalándole un hermoso jardín donde la primavera reinaría siempre. A la izquierda aparece Mercurio, dios mensajero y a su lado la Tres Gracias danzando. El centro de la escena esta ocupado por Venus, diosa del amor sobre cuya cabeza se sitúa Cupido. A la derecha vemos como una segunda escena presidida en primer término por la Primavera esparciendo sus flores por la tierra mientras Flora, desnuda y cubierta por un ropaje transparente, es perseguida por Céfiro.
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165."Judith y Holofernes" (1455-1460) de Donatello

ESCULTURA RENACENTISTA: Esta estatua de Donatello fue encargada por Cosme de Medici para decorar la fuente del jardín del Palazzo Medici Riccardi. Compartía protagonismo con su famoso David en el mismo patio. Se considera una de las primeras figuras italianas exentas e independientes de cualquier programa arquitectónico. Es la representación mítica del asesinato del general asirio Holofernes por Judith, representación ésta siempre relacionada con la victoria y la libertad del débil sobre el fuerte. Ella sostiene una espada con una mano y con la otra coge la cabeza sesgada de Holofernes mientras el cuerpo de él empieza a caer sin fuerza en un escorzo imposible. El escultor ha decidido poner el pie de Judith sobre los genitales del general para redundar más aún en el poder y el triunfo. La estatua fue originalmente dorada viéndose aún restos de este recubrimiento en la hoja de la espada. La base està formada por una estructura en forma de cojín cúbico que le da más naturalismo con una serie de frisos en bajorrelieve de evocación clásica.

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155."El banquete de Herodes" (1460-1464) de Fra Filippo Lippi

PINTURA RENACENTISTA: Fra Filippo Lippi fue uno de los más destacados pintores del "quattrocento" italiano y por extensión, del renacimiento. Sobresalió por romper moldes con su paisaje y su elegancia nerviosa alejando definitivamente el fantasma de la pintura gótica ítala. Discípulo directo del gran Masaccio dio un nuevo aire a los temas clásicos tratados hasta el momento buscando un nuevo colorismo. En esta obra que es un fresco ubicado en la catedral del Prato vemos un banquete presidido por el rey Herodes al que ninguno de los invitados faltó ya que el tumulto de personas que se agolpan en la mesa, ataviados elegantemente para el evento, comen copiosamente, ahítos y ebrios, con la intención final de rematar la noche con el asesinato de San Juan Bautista. La escena se compartimenta en dos espacios: la de la izquierda donde Salomé está danzando al lado de los monarcas y la de la derecha donde ella ya tiene en sus manos la cabeza codiciada del santo decapitado. La forma de plantear la escena, el exceso de arabescos y decorados, la delicadeza del movimiento de los vestidos fueron fuente de inspiración para obras de Botticelli.

147."Batalla de San Romano" (1456) de Paolo Uccello

PINTURA RENACENTISTA: Esta pieza forma parte de un tríptico de obras pictóricas realizadas por el italiano Paolo Uccello. Cada una de ellas se conserva en tres museos diferentes y el cuadro que trataremos, ubicado en el Louvre, lleva por subtítulo: "Intervención decisiva al lado de los florentinos del condottiero Micheletto da Cotignola". Es una obra realizada sobre tabla y con la técnica del temple. En cada una de las pinturas se muestran tres momentos importantes de la Batalla de San Romano entablada el 1 de junio de 1432 entre sieneses y florentinos. Fue un encargo realizado por Leonardo Bartolini, uno de los provocadores del conflicto de la facción sienesa. Si analizamos la obra vemos una cierta intencionalidad renacentista aunque los volúmenes, los escorzos y los colores tienen un cierto regusto de la pintura gótica internacional. Las figuras de los hombres y de los animales que llenan la escena en un "horror vacui" típico del período final del arte del medievo, son geométricas y hieráticas, pero poco realistas en sus coloraciones. El uso de la perspectiva da un halo de modernidad y abre la puerta a una remodelación de este tipo de escena bélica que llegará a su máximo apogeo en el período barroco y sobretodo en el siglo XIX con el academicismo francés.

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139."Lamentación sobre Cristo muerto" (1485) de Andrea Mantegna

PINTURA RENACENTISTA: Este óleo conservado en la Pinacoteca de Brera de Milán, presenta una certera imagen de Cristo muerto y yacente sobre una losa de mármol en posición casi perpendicular al espectador. Se la ha considerado uno de los escorzos más violentos de la historia de la pintura. Adelantándose a los pintores barrocos, Mantegna juega con un gran contraste de luces y sombras creando un ambiente de desolación y gran tristeza. Esta dramatización queda patente con los estigmas de las manos y de los pies, sin ningún tipo de idealización o retórica visual. Trabajó la sábana que cubre su cuerpo con un gran clasicismo y pegada a la anatomía del cuerpo. El tema de la lamentación de la muerte de Cristo era un tema habitual en el Renacimiento, pero jamás se plasmó con tanta rotundidad. Está rodeado por la virgen María y María Magdalena, que parecen ser añadidas posteriormente por el propio artista. Este cuadro podría haber estado destinado a la capilla funeraria del pintor, pero no se sabe con certeza, ya que fue vendido por sus hijos.

117."La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal" (1425-1428) de Masaccio

PINTURA RENACENTISTA: Es un espléndido fresco de Masaccio pintado en una pared de la Capilla Brancacci de la Iglesia de Santa María del Carmine en Florencia. Representa la conocida expulsión de Adán y Eva del paraíso pero marca dos diferencias iconográficas en relación al texto original del Génesis: el hecho de que vayan completamente desnudos y que el custodiador de la puerta del paraíso fuera un ángel y no un querubín. El arco que hay a mano izquierda tampoco se menciona en la Biblia. En esta capilla hay imágenes dedicadas a la vida de San Pedro, a excepción de esta escena y otra del Génesis echa por Masolino donde Adán y Eva en el paraíso de corte más goticista. La intención del conjunto pictórico es salvar a la humanidad realizada por Cristo mediante la actuación terrenal de San Pedro y por extensión, de la iglesia. Es una pintura viva y emocional, donde vemos el patetismo reflejado en el alarido de Eva y la contracción del vientre de los lloros de Adán. Eva cubre sus órganos sexuales en señal de dolor y Adán cubre sus ojos simbolizando la vergüenza. No hay dimorfismo sexual y los cuerpos són anatómicamente clásicos. En 1670, Cosme III de Medicis consideró desagradable el desnudo de Adán y obligó cubrir a ambos, sus considerables atributos con una hoja de higuera realizada al seco. En 1990, se eliminó estos añadidos en una restauración devolviendo la imagen original de la obra.

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112."El bautismo de Cristo" (1450) de Piero della Francesca

PINTURA RENACENTISTA: Este cuadro está realizado en temple al huevo sobre tabla y actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres. Está considerada, por algunos estudiosos, la primera obra pictórica de Piero della Francesca donde vemos a Cristo siendo bautizado, en el centro de la composición, por San Juan Bautista, mientras sobrevuela por encima de su cabeza el Espíritu Santo en forma de paloma blanca. Por debajo corre el río Jordán. En la parte izquierda se encuentran tres ángeles contemplando la escena y al fondo unos misteriosos dignatarios vestidos con ropajes bizantinos. Aparece un destacable esfuerzo en la aplicación de la perspectiva y un paisaje bastante realista en esta evolución previa hacia el manierismo.

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59."La anunciación" (1430) de Fra Angelico

PINTURA RENACENTISTA: Es una obra pintada por Fra Angélico en temple sobre tabla para un convento florentino, aunque en la actualidad se conserva en el Museo del Prado. La obra desarrolla el tema de la anunciación de María, tal y como nos lo explica el Nuevo Testamento. Delante de un pórtico "all'aperto" con bóveda de arista con tono azul celeste y estrellado, está la Virgen que ha interrumpido su lectura ante la aparición de un ángel. Ambos personajes que presiden el cuadro son dos figuras rubias y blancas de piel, con formas estilizadas y que estan ubicadas en el jardín que representa el paraíso celestial donde también encontramos a Adán y Eva vestidos con pieles después de haber conocido qué es la vergüenza. Desde el margen superior izquierdo de la obra aparece la "dextera domini" emitiendo su rayo purificador, línea por donde viaja el Espíritu Santo que hará germinar en el seno de María la semilla de Cristo. Esta doble escena nos representa el principio y el final del pecado: los primeros padres expulsados del jardín del Edén y la redención del pecado que generará el fruto de la Virgen. Es una obra de transición entre la pintura gótica y la renacentista, con rasgos de la miniatura medieval en los detalles florales pero con una cierta tendencia más moderna en la realización de la arquitectura. Las tonalidades son más neutras y mantien cierta austeridad en las formas.

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50."David" (1440) de Donatello

ESCULTURA RENACENTISTA: Fue uno de los principales encargos del mecenas Cosme de Medici para ser colocada en su palacio florentino. Es una de las obras que representa mejor el espítiru del "quattrocento" italiano, con la exaltación del cuerpo humano, que por primera vez es representado como un desnudo en bronce desde la época romana. Está realizada a tamaño natural lo que le da más credibilidad, buscando un cánon de perfección de belleza en el cuerpo del joven. Tiene un modelado de amplias y sencillas masas, con composiciones en diagonal, que demuestran el claro contorno de sus líneas. La escultura se apoya con firmeza en su pierna derecha mientras que la izquierda se alza sobre la cabeza de Goliath vencido.

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34."La última cena" (1495) de Leonardo da Vinci

PINTURA RENACENTISTA: Es una pintura mural original del genial pintor Leonardo da Vinci. Se encuentra en la pared original donde se ejecutó la obra, es decir, en el refectorio del convento de Santa Maria delle Grazie en Milán. La pintura fue ejecutada por encargo del promotor del edificio Ludovico Sforza. No es un fresco original sino que utiliza las técnicas de la pintura sobre madera como el temple y el óleo sobre dos capas de yeso extendidas. La gran novedad de la composición de la obra es la colocación de todos los apóstoles en primer plano. Judas Iscariote no queda relegado, sino que se incluye en el grupo con su barba negra. Hay un motivo para ello: la escena elegida por el pintor es posterior al momento en que Jesús ha dicho que alguno de ellos lo traicionaría. Todas las líneas de fuga de la perspectiva se centran en la imagen de Cristo que destaca por su amplitud, solemnidad y policromía en rojos y azules y todos ellos enmarcados en una arquitectura clásica y austera. La aparición de una misteriosa mano que sostiene un cuchillo y la incertidumbre creada sobre la posibilidad que la imagen de San Juan Bautista fuera la de Maria Magdalena, ha dado un cierto "misterio" a esta pintura considerada una de las mejores de la historia.

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4."El nacimiento de Venus" (1484) de Sandro Botticelli.

PINTURA RENACENTISTA: Esta obra, realizada en temple sobre lienzo de grandes dimensiones es la obra maestra de Sandro Botticelli y una de las joyas del Quattrocento italiano por excelencia. La iconografía de la obra nos cuenta que Venus nació de los genitales del dios Urano, cortados por su hijo Crono y tirados al mar. La obra en sí no muestra el nacimiento de la diosa sino el momento en que ésta arriba a una playa sobre una concha. Es empujada por el soplo de los dioses alados que son Céfiro, dios del viento del oeste y su esposa Cloris que es la ninfa de la brisa. El fuerte abrazo de ambos es símbolo de la unión de la materia y el espíritu y las flores que caen delicadamente simbolizan la virginidad. La fuerza de la obra se centra en una Venus púdica, que tapa su sexo y sus senos, pero su pose y el uso del largo cabello rojizo para cubrirse, le da un erotismo inusual. A la derecha aparece una ninfa que viene corriendo con un manto floreado para cubrirla y de esa manera cubrir los misterios de la diosa.

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