210."San Sebastián" (1480) de Andrea Mantegna

PINTURA RENACENTISTA: El tema del asaetamiento de San Sebastián fue pintado tres veces por Andrea Mantegna, uno que se conserva en Viena, otro en Venecia y el que nosotros trataremos y que se halla en el Louvre de París. El artista nativo de Padua vivió en un época donde la peste negra hizo estragos y en un momento donde se pensaba que esta enfermedad se transmitía por el aire. Como San Sebastián fue martirizado con flechas transportadas por la fuerza eólica se pensaba que este santo era protector de la peste. El cuadro que se conserva en la famosa pinacoteca francesa es un fragmento del retablo de San Zenón de Verona. El santo aparece atado a una columna estriada de corte clásico muy de moda en un momento en que se miraba hacia las formas grecorromanas. La perspectiva con la que trabaja el pintor es muy baja, creando una sensación de solidez y dominio en la figura. Sus ojos miran hacia el cielo en un gesto de resignación ante el martirio. A sus pies, se muestran dos personajes que representan a los arqueros que han martirizado al santo, símbolo del mal. Destaca el gran realismo de la higuera, de la anatomía de la figura y la credibilidad visual de las ruinas clásicas.

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204."La resurrección de Cristo" (1463-1465) de Piero della Francesc

PINTURA RENACENTISTA: Esta obra llamada en Italia simplemente "La resurrección" fue pintada por Piero della Francesca, en Arezzo. Está considerada una de las obras más interesantes de este pintor sobretodo por el uso de sus diversas perspectivas. Hay tres planos: los soldados dormidos en primer plano, la aparición de Cristo y el fondo paisajístico. El conjunto tiene una gran solemnidad por la presencia frontal y hierática de Jesús pero sobretodo por su composición piramidal. Cristo aparece en el centro y es el punto focal de atención, sobretodo porque lumínicamente destaca el color de su piel y su vestimenta más clara en contraste con el cromatismo del cuadro. Sale de su sepulcro y mira directamente al espectador. En la mano derecha lleva la cruz roja de los cruzados (bandera simbólica de la resurrección) y con la derecha sostiene la toga rosácea, mientras que con su pie da la sensación de haber surgido en aquel mismo momento de la tumba. Sus heridas son evidentes y su ubicación separa el paisaje en dos partes: la parte derecha contiene árboles exuberantes y vivos representando el nacimiento y la izquierda vemos árboles caducos de invierno que simbolizan la muerte. A los pies se encuentran los soldados somnolientos y separados por la línea horizontal del sarcófago. Uno de los soldados es Piero della Francesca, justamente el que duerme de manera frontal. Parece que uno de ellos acaba de despertar, pero sobretodo destacan algunos incongruencias anatómicas realizadas por el artista. 

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200."La Gioconda" (1503-1506) de Leonardo da Vinci

PINTURA RENACENTISTA: Para celebrar nuestra entrada 200 y para homenajear nuestro Favicon, hemos decidido optar por este clásico entre los clásicos de la pintura. Quizás sea la obra más conocida de la historia del arte, denominada Gioconda o Mona Lisa y realizada por Leonardo da Vinci, su última gran obra. Ríos de tinta se han volcado sobre esta pieza y sobretodo en relación a la enigmática sonrisa (de ahí el apelativo italiano de "gioconda" entendido como "alegre"). Es una pintura al óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, expuesta en un sala exclusiva del Louvre. La identidad de la joven se cree que fue Lisa Gherardini, una noble florentina que fue retratada por el genial artista por encargo de su marido Francesco Bartolomeo. Leonardo hizo el dibujo, aplicó el óleo diluído e introdujo una técnica revolucionaria llamada "sfumato" que consistía en evitar las líneas de contorno típicas del quattrocento difuminándolas, dando así una sensación tridimensional gracias al fondo. La mujer está sentada en un sillón apoyando sus brazos en el propio asiento en una galería que se abre a un paisaje acuoso inspirado en unas vistas que el propio pintor de los Alpes pudo contemplar en Milán. Podría ser un recodo del lago de Como o el Arno. La dama no tiene cejas ni pestañas, aunque Vasari hablaba de ellas en su descripción, aceptándose la téoría de que fueron eliminadas en una restauración agresiva posterior. Su mirada gira levemente a la izquierda sonriendo de manera peculiar. Lleva un suave velo sobre el cabello, símbolo de castidad. Sobre los famosos enigmas de la obra se han hablado de una sonrisa que aparece y desaparece según el punto del cuadro contemplado; el posible embarazo cubierto por los brazos o la identidad definitiva de la modelo. La obra fue robada en 1911 y por ello actualmente está envuelta de importantes sistemas de seguridad.

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193."Díptico del duque de Urbino" (1472) de Piero della Francesca

PINTURA RENACENTISTA: Esta obra de Piero della Francesca, que se encuentra en la Galeria Uffizi de Florencia, también recibe el nombre de "Retrato de Battista Sforza y Federico de Montefeltro". Está realizada al temple sobre madera. Su datación no es segura del todo y el margen estaría establecido entre 1460 y 1470. Otras teorías hablan de que el retrato del duque se finalizó en 1465 y el de su esposa en 1472. Cuando el cuadro se pintó, Battista ya había muerto (con tan solo 26 años) y su retrato se realizó con la máscara mortuoria. Se considera uno de los primeros retratos renacentistas y que estuvieron unidos durante mucho tiempo por un mismo marco. Están realizados en perfil imitando la acuñación de las monedas romanas que comporta una mayor idealización que el retrato a tres cuartos. Este díptico está pintado por ambas caras: en la principal se ven los retratos de los duques y en la parte posterior, en un lado está el duque coronado por la Victoria y en el otro, la duquesa llevada en un carro por unicornios. Los perfiles de la cara principal están enfrentados y en forma de busto, destacan sobre un paisaje idealizado y en perspectiva elevada que recuerda a Jan Van Eyck y la pintura flamenca. Destaca el sentido del volumen y la luz como enblanquece la tez de Battista. El detallismo de las joyas también es una reminiscencia de los flamencos primitivos. Esta obra, curiosamente, fue estudiada en el período cubista de Picasso y Braque por la geometría de los rostros.
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184."La primavera" (1478) de Sandro Botticelli

PINTURA RENACENTISTA: Es una de las obras maestras de Botticelli y está realizada en pintura al temple sobre tabla. Fue una pieza encargada por Lorenzo de Pierfrancesco familiar de Lorenzo el Magnífico para su palacio florentino. Es una pintura basada en los preceptos humanistas y neoplatónicos marcada por esa atmósfera de irrealidad que irradia el conjunto de las figuras mitolológicas del cuadro. Es una representación pagana de un tema claramente religioso con toques alegóricos. El lienzo es de tamaño monumental, con figuras de medida natural compaginado todo ello con un detallismo exacerbado. La mayor parte de las figuras están inspiradas en la escultura antigua pero pasadas por el tamiz formal del pintor. Son estilizadas, delgadas e idealizadas, cuyos cuerpos parecen artificiosamente estirados y que presagian el estilo elegante y cortés del manierismo del siglo XVI. Éstas destacan por su color de piel en contraposición al fondo paisagístico lleno de naranjos o mandarinas, frutas asociadas a la familia Médici. Parece ser que la fuente literaria de esta compleja iconografía son los "Fastos" de Ovidio. Parece ser que la ninfa Cloris, a la que gustaba exhalar el olor de las flores, cautivó al dios del viento Céfiro, quien la siguió y la tomó por esposa a la fuerza. Arrepintiéndose dicho dios por su actitud, la transformó en Flora regalándole un hermoso jardín donde la primavera reinaría siempre. A la izquierda aparece Mercurio, dios mensajero y a su lado la Tres Gracias danzando. El centro de la escena esta ocupado por Venus, diosa del amor sobre cuya cabeza se sitúa Cupido. A la derecha vemos como una segunda escena presidida en primer término por la Primavera esparciendo sus flores por la tierra mientras Flora, desnuda y cubierta por un ropaje transparente, es perseguida por Céfiro.
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176."La tempestad" (1518) de Giorgione

PINTURA RENACENTISTA: Gabriel Vendramin fue el magnate que encargó al genial pintor veneciano Giorgione este enigmático cuadro. Hay diversas hipótesis sobre el significado iconográfico de la obra basados en episodios bíblicos y mitológicos, incluso se ha hablado de supuestas alegorías vinculadas con la fortuna, la fortaleza y la caridad. Se ha relacionado esta escena con la unión entre Mercurio e Isis, o el mito de Paris y Enone, aunque se ha considerado la posibilidad de que fuera un retrato de corte pastoril del propio pintor y su familia. La línea bíblica nos habla de la ciudad del fondo vista como el paraíso terrenal, y las dos figuras del hombre y la mujer, serían vistas Adan y Eva con su hijo Caín, evidentemente con ropas del "cinquecento". El rayo del fondo simbolizaría la cólera de Dios expulsándolos del Edén y las columnas rotas harían referencia a la mortalidad de los hombres como castigo eterno por el pecado original. Lo que sí es cierto es que contemplamos a una mujer semidesnuda amamantando a un bebé y por ello se la ha vinculado a la pureza, la castidad, la caridad e incluso a la Virgen María. El hombre, vestido de soldado y con una forzada posición en "contrapposto", mira hacia la derecha, pero no en dirección a la mujer, en representación de la fortaleza o la firmeza. Lo más curioso es que debajo de él había un "pentimento" ya que los rayos X han dejado entrever que el pintor había dibujado a otra mujer desnuda. La ciudad del fondo podría ser la Arcadia o el paraíso terrenal del cristianismo posterior al Edén y localizado en una zona desértica de Grecia. Un misterioso lienzo que adopta todos los valores lumínicos y cromáticos de la escuela veneciano con esa textura atmosférica y esa representación tenue de las nubes y el cielo tan carácterísticos de este momento y que no volveremos a encontrar hasta los paisajistas británicos del siglo XIX.

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175."Palazzo Rucellai" (1446-1451) de Leon Battista Alberti

ARQUITECTURA RENACENTISTA: Esta muestra de construcción palaciega del "cinquecento" florentino, nos remite al estándard de otros edificios nobiliarios del siglo XV de la zona de la Toscana. Ubicado en Florencia, este edificio diseñado por Alberti, pero construído por Bernardo Rossellino, fue encargado por los Rucellai, una rica familia de tintoreros de tejidos. Es una demostración de austeridad y sobriedad basado en sus preceptos de la imposición en arquitectura de las proporciones para demostración final de la belleza y el lujo del conjunto. Vemos tres pisos: en el primero vemos pilastras de orden jónico ricamente decoradas que constrastan con el corintio de los niveles superiores. Las ventanas son de arco de medio punto y bíforas, separadas todas ellas por un parteluz en forma de columnilla. Cada uno de los pisos está marcado claramente por una cornisa y la superior sobresale soportada por ménsulas. El almohadillado es plano e irregular. En el interior hay un patio renacentista retocado con amplios arcos de medio punto sostenidos por columnas corintias muy elaboradas.
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165."Judith y Holofernes" (1455-1460) de Donatello

ESCULTURA RENACENTISTA: Esta estatua de Donatello fue encargada por Cosme de Medici para decorar la fuente del jardín del Palazzo Medici Riccardi. Compartía protagonismo con su famoso David en el mismo patio. Se considera una de las primeras figuras italianas exentas e independientes de cualquier programa arquitectónico. Es la representación mítica del asesinato del general asirio Holofernes por Judith, representación ésta siempre relacionada con la victoria y la libertad del débil sobre el fuerte. Ella sostiene una espada con una mano y con la otra coge la cabeza sesgada de Holofernes mientras el cuerpo de él empieza a caer sin fuerza en un escorzo imposible. El escultor ha decidido poner el pie de Judith sobre los genitales del general para redundar más aún en el poder y el triunfo. La estatua fue originalmente dorada viéndose aún restos de este recubrimiento en la hoja de la espada. La base està formada por una estructura en forma de cojín cúbico que le da más naturalismo con una serie de frisos en bajorrelieve de evocación clásica.

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155."El banquete de Herodes" (1460-1464) de Fra Filippo Lippi

PINTURA RENACENTISTA: Fra Filippo Lippi fue uno de los más destacados pintores del "quattrocento" italiano y por extensión, del renacimiento. Sobresalió por romper moldes con su paisaje y su elegancia nerviosa alejando definitivamente el fantasma de la pintura gótica ítala. Discípulo directo del gran Masaccio dio un nuevo aire a los temas clásicos tratados hasta el momento buscando un nuevo colorismo. En esta obra que es un fresco ubicado en la catedral del Prato vemos un banquete presidido por el rey Herodes al que ninguno de los invitados faltó ya que el tumulto de personas que se agolpan en la mesa, ataviados elegantemente para el evento, comen copiosamente, ahítos y ebrios, con la intención final de rematar la noche con el asesinato de San Juan Bautista. La escena se compartimenta en dos espacios: la de la izquierda donde Salomé está danzando al lado de los monarcas y la de la derecha donde ella ya tiene en sus manos la cabeza codiciada del santo decapitado. La forma de plantear la escena, el exceso de arabescos y decorados, la delicadeza del movimiento de los vestidos fueron fuente de inspiración para obras de Botticelli.

147."Batalla de San Romano" (1456) de Paolo Uccello

PINTURA RENACENTISTA: Esta pieza forma parte de un tríptico de obras pictóricas realizadas por el italiano Paolo Uccello. Cada una de ellas se conserva en tres museos diferentes y el cuadro que trataremos, ubicado en el Louvre, lleva por subtítulo: "Intervención decisiva al lado de los florentinos del condottiero Micheletto da Cotignola". Es una obra realizada sobre tabla y con la técnica del temple. En cada una de las pinturas se muestran tres momentos importantes de la Batalla de San Romano entablada el 1 de junio de 1432 entre sieneses y florentinos. Fue un encargo realizado por Leonardo Bartolini, uno de los provocadores del conflicto de la facción sienesa. Si analizamos la obra vemos una cierta intencionalidad renacentista aunque los volúmenes, los escorzos y los colores tienen un cierto regusto de la pintura gótica internacional. Las figuras de los hombres y de los animales que llenan la escena en un "horror vacui" típico del período final del arte del medievo, son geométricas y hieráticas, pero poco realistas en sus coloraciones. El uso de la perspectiva da un halo de modernidad y abre la puerta a una remodelación de este tipo de escena bélica que llegará a su máximo apogeo en el período barroco y sobretodo en el siglo XIX con el academicismo francés.

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139."Lamentación sobre Cristo muerto" (1485) de Andrea Mantegna

PINTURA RENACENTISTA: Este óleo conservado en la Pinacoteca de Brera de Milán, presenta una certera imagen de Cristo muerto y yacente sobre una losa de mármol en posición casi perpendicular al espectador. Se la ha considerado uno de los escorzos más violentos de la historia de la pintura. Adelantándose a los pintores barrocos, Mantegna juega con un gran contraste de luces y sombras creando un ambiente de desolación y gran tristeza. Esta dramatización queda patente con los estigmas de las manos y de los pies, sin ningún tipo de idealización o retórica visual. Trabajó la sábana que cubre su cuerpo con un gran clasicismo y pegada a la anatomía del cuerpo. El tema de la lamentación de la muerte de Cristo era un tema habitual en el Renacimiento, pero jamás se plasmó con tanta rotundidad. Está rodeado por la virgen María y María Magdalena, que parecen ser añadidas posteriormente por el propio artista. Este cuadro podría haber estado destinado a la capilla funeraria del pintor, pero no se sabe con certeza, ya que fue vendido por sus hijos.

127."La virgen del jilguero" (1505) de Rafael

PINTURA RENACENTISTA: En los inicios del manierismo italiano, Rafael creó esta delicada obra de arte en óleo sobre tabla que actualmente se conserva en la Galeria Uffizi de Florencia. Durante su estancia en esta bella ciudad ejecutó esta virgen María, con el niño y San Juan Bautista. Fue el regalo de bodas que le hizo el genial pintor a su amigo Lorenzo Nasi. En 1548 hubo un gran terremoto quedando la casa de Nasi destrozada y esta pieza fragmentada en dieciséis trozos. Fue restaurada poco después pero aun se pueden ver las juntas. Las tres figuras se mueven dentro de un triángulo con un cierto movimiento naturalista de los personajes. La virgen sostiene un libro simbolizando la sabiduría. San Juan está ofreciendo a Jesús un jilguero que prefigura su violenta muerte futura. Destacar la técnica del "sfumato" es las caras de los niños de tradición leonardesca.

125."Casa de las Conchas" (1493-1517)

ARQUITECTURA PLATERESCA: La famosa Casa de las Conchas salmantina es un edificio civil tardogótico con la aplicación de los nuevos elementos decorativos del incipiente plateresco renacentista con toques mudéjares. Era un palacio encargado por Rodrigo Maldonado de Talavera que en 1701 pasó a ser restaurado y ampliado para convertirse en el siglo XIX en cárcel de la universidad. El nombre lo recibe por las características 300 conchas de Santiago que decoran su exterior. En esta memorable fachada y de manera asimétrica se encuentran las ventanas góticas más bellas, realizadas con tracería y rejería, de España. No solo su belleza se encuentra en el exterior ya que su patio interior en forma de claustro con arcos mixtilíneo,s destaca por el trabajo de su artesonado y de la escalera principal. Se dice que debajo de una de esas conchas se encuentra una onza de oro.

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121."La bacanal de los andrios" (1520) de Tiziano

PINTURA MANIERISTA: Esta obra fue encargada por el duque de Ferrara, en Italia, para decorar el camerino de alabastro que tenía en su palacio ducal. Esta pieza formaba parte de otras tres que tenían que decorar aquella estancia. En este lienzo que actualmente pertenece al Museo del Prado vemos una escena mitológica en forma de bacanal en honor al dios del vino Baco. Es una fiesta que se realiza en la isla de Andros y proviene de la inspiración de una obra literaria llamada "Filostrato". Tiziano enfatiza el movimiento de los personajes en una línea diagonal de izquierda a derecha. El cuadro exuda la alegría de la celebración del vino donde el desnudo y el erotismo toma cierto protagonismo. Las figuras hablan, ríen, danzan creando una compleja trama de piernas y brazos. Todo un juego de líneas típico del manierismo italiano.

117."La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal" (1425-1428) de Masaccio

PINTURA RENACENTISTA: Es un espléndido fresco de Masaccio pintado en una pared de la Capilla Brancacci de la Iglesia de Santa María del Carmine en Florencia. Representa la conocida expulsión de Adán y Eva del paraíso pero marca dos diferencias iconográficas en relación al texto original del Génesis: el hecho de que vayan completamente desnudos y que el custodiador de la puerta del paraíso fuera un ángel y no un querubín. El arco que hay a mano izquierda tampoco se menciona en la Biblia. En esta capilla hay imágenes dedicadas a la vida de San Pedro, a excepción de esta escena y otra del Génesis echa por Masolino donde Adán y Eva en el paraíso de corte más goticista. La intención del conjunto pictórico es salvar a la humanidad realizada por Cristo mediante la actuación terrenal de San Pedro y por extensión, de la iglesia. Es una pintura viva y emocional, donde vemos el patetismo reflejado en el alarido de Eva y la contracción del vientre de los lloros de Adán. Eva cubre sus órganos sexuales en señal de dolor y Adán cubre sus ojos simbolizando la vergüenza. No hay dimorfismo sexual y los cuerpos són anatómicamente clásicos. En 1670, Cosme III de Medicis consideró desagradable el desnudo de Adán y obligó cubrir a ambos, sus considerables atributos con una hoja de higuera realizada al seco. En 1990, se eliminó estos añadidos en una restauración devolviendo la imagen original de la obra.

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112."El bautismo de Cristo" (1450) de Piero della Francesca

PINTURA RENACENTISTA: Este cuadro está realizado en temple al huevo sobre tabla y actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres. Está considerada, por algunos estudiosos, la primera obra pictórica de Piero della Francesca donde vemos a Cristo siendo bautizado, en el centro de la composición, por San Juan Bautista, mientras sobrevuela por encima de su cabeza el Espíritu Santo en forma de paloma blanca. Por debajo corre el río Jordán. En la parte izquierda se encuentran tres ángeles contemplando la escena y al fondo unos misteriosos dignatarios vestidos con ropajes bizantinos. Aparece un destacable esfuerzo en la aplicación de la perspectiva y un paisaje bastante realista en esta evolución previa hacia el manierismo.

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109."Las bodas de Caná" (1563) de Paolo Veronese

PINTURA MANIERISTA: Es una de las obras más conocidas de Paolo Veronese. Está realizada en óleo y fue un encargo para el refectorio del monasterio benedictino de San Giorgio en Venecia, obra que estaba realizando Andrea Palladio. Este cuadro recoge la escena explicada en el Evangelio de San Juan, donde se produce el milagro de la conversión del agua en vino. La representación se hace al estilo de las grandes fiestas venecianas del momento, con gran fasto dentro de una arquitectura renacentista. Fue un escándalo, ya que el artista se entretuvo más en el concepto festivo de la imagen que no en el religioso, dándo al conjunto un halo de modernidad en su época. Hay alrededor de 130 figuras con arriesgados escorzos. Parece que el artista ha elegido el momento de los postres donde la gente ya está más distendida, proque en la mesa podemos contemplar frutas y dulces.

96."Salero de Francisco I de Francia" (1539) de Benvenuto Cellini

ARTES DECORATIVAS: No todo en el mundo del arte tienen que ser grandes piezas. Un simple salero, si está realizado por un gran maestro como Cellini, tiene el mismo valor que una escultura o una pintura. Esta obra decorativa de 26 cm x 33 cm, está realizada con la técnica de la fundición según unos modelos realizados por un cardenal llamado Hipólito de Este. Representa a dos figuras, una masculina que es el mar como Neptuno y una femenina que es la tierra como Ceres. El recipiente que guarda la sal es extraíble y está al lado de figura varonil. Es oro puro y pasó a ser una pieza de los Habsburgo cuando Carlos IX de Francia la regaló a esta insigne familia real europea. Fue realizado en un estilo renacentista tardío, más cercano al manierismo.

94."El jardín de las delicias" (1480-1490) de El Bosco

PINTURA RENACENTISTA: Esta obra es la más conocida del pintor holandés Hyeronimus Bosch, más conocido como El Bosco. Es un tríptico de casi 4 metros de largo por 2 de alto compuesto por una tabla central y dos laterales menores y pintadas por delante y por detrás. Es una obra de gran simbolismo que aún no ha sido acabada de descifrar, aunque parece que se ejecutó como obra moralizante contra posibles herejías. Para no hacer demasiado larga esta explicación os vamos a remitir a un enlace de esta obra que la explica con gran exactitud (clickad). Tan solo apuntar que el tríptico cerrado tiene una representación de un globo terráqueo dentro de una esfera que representa la gran fragilidad del mundo. Una vez abierta la pieza encontramos en el panel izquierdo el Génesis y el Paraíso, en el derecho el Juicio Final y en el gran espacio central "El jardín de las delicias", cuando la humanidad ya ha sucumbido al pecado y a la lujuria. Está considerada una de las piezas más misteriosas de la historia del arte.

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90."Sagrada familia" (1503) de Miguel Angel

PINTURA RENACENTISTA: Esta obra también es conocida mundialmente como "Tondo Doni", por ser redondo y ser un encargo del rico tejedor Agnolo Doni. Tiene un diámetro de 120 cm y se conserva en la Galería de los Uffizi en Florencia. Está realizada en témpera y óleo, creando un efecto bastante efectista y diferente a los pintores flamencos del momento. El soporte donde se aplicó la pintura no es lienzo sino madera, único panel de este material que Miguel Angel utilizó a lo largo de su obra. Vemos en primer plano a la Virgen con el niño y detrás a San José, todos ellos de grandiosas proporciones. Lo que están haciendo es presentarnos a Jesús a los espectadores. Detras de ellos vemos una balaustrada y unos jóvenes desnudos que no han sido considerados iconográficamente, aunque se ha barajado la posibilidad de que fueran ángeles ápteros (sin alas). Tampoco es de extrañar su presencia ya que en obras como la "Capilla Sixtina" estos desnudos eran habituales.