166."One and three chairs" (1965) de Joseph Kosuth

ART & LANGUAGE: Joseph Kosuth llegó a una nueva concepción del arte que defendía la estricta separación entre estética y arte. Opinaba que el arte consistía en explorar su propia naturaleza y una vez realizados una serie de análisis resolver sus problemas de identidad. El arte es el arte en sí mismo. El arte es la definición del arte. Partiendo de una lectura propia del “ready-made” y de las ideas del positivismo inglés, rechazará rigurosamente toda referencia a la realidad. En su ensayo “Arte y filosofía” (1969) habla de arte como elemento lógico y matemático donde la idea artística y el arte en sí es lo mismo, buscando en el fondo la pureza. Rechazó el formalismo reduccionista de Joseph Greenberg. Sintetizó su teoría con la fórmula “art as idea as idea” (arte como idea como idea). El arte conceptual está basado en una encuesta sobre el arte y su aportación hace reflexionar sobre el presente, el pasado y el futuro del arte llegando a una serie de conclusiones. Esta obra es una de sus denominadas “protoinvestigaciones” realizadas entre 1965-1966 y los compuso mientras frecuentaba la Escuela de Artes Visuales de Nueva York. Este conjunto y otros llamados igual, pero con otros objetos (“Uno y tres martillos”, “Uno y tres paraguas”) eran conjuntos constituidos por el objeto y dos de sus posibles abstracciones. Era una fotografía en tamaño natural del objeto en cuestión colocado a la izquierda del objeto real y a la derecha la definición de del objeto ampliada y presentada también como una fotografía. Estos conjuntos provocan en el espectador una especie de cortocircuito en el que el acto de mirar está unido al de leer y comprender. Estas obras exigen al espectador la lectura analítica y comparativa acerca de los distintos estados del objeto presentado: el real en tres dimensiones, la fotografía en dos dimensiones y el lingüístico puramente analítico.

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143."Ritmo 0" (1973-1979) de Marina Abramovic

ARTE NO OBJETUAL "BODY ART": Realizó hasta diez acciones con el mismo nombre en este impás de tiempo, cada una con su número correspondiente. La más conocida fue “Ritmo 0” una revelación artística "body art" en contra de la dictadura del General Tito en la antigua Yugoslavia. Quiso llevar a límites insospechados la relación de la artista con el público, ya que le interesaba mucho el momento de la espontaneidad del peligro. Para ello Marina Abramovic se convirtió en una escultura viviente pasiva durante 6 horas. Colocó en una mesa 72 objetos de dolor y placer como cuchillos, plumas, tijeras, látigos, una pistola y una bala por separado. Durante ese período el público asistente podía manipular su cuerpo como quisieras: acariciándola, cortándola e incluso matándola si alguien se prestaba. En un principio la gente era tímida pero poco a poco, al ver la impasibilidad de la artista, se volvía más agresiva. Al final se crearon dos grupos: el atacante y el defensor. Fue una de las defensoras de arte no objectual imposible de ubicar en el salón de un coleccionista ya que ella como lienzo no podía exponerse por ser humano. Se produjo una serie de tendencias que desmaterializaron el arte. Las fotografías son las únicas muestras de esta "performance", siendo el testimonio de la obra en sí.

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137."Valley curtain" (1971) de Christo

ESCULTURA LAND ART: A finales de 1970, Christo y su esposa Jeanne-Claude, crearon una tela de 400 metros de largo para enlazar entre sí las laderas de Rifle Gap, en las Montañas Rocosas. La obra costó 230.000 dólares y grupos ecologistas del momento se quejaron ante el posible desperfecto medioambiental de esta mastodóntica instalación. Los 14.000 m2 de paño de color azafrán estaban engarzados por un cable de acero con trabillas y sujeto a dos barras metálicas laterales reforzadas con 200 toneladas de hormigón. La obra al final costó el doble pero pudo financiarse con la venta del "merchandising" artístico de esta inusual pareja de creadores. Su tendencia a "envolver" edificios o espacios naturales se había iniciado ya en 1958 envolviendo con papel y cuerda un bote de pintura. La megalomanía de su obra le llevó a realizar empresas tan espectaculares como ésta. El 10 de octubre de 1971 se pudo colgar esta inmensa cortina, base de la obra artística, pero fue rasgada por las inclemencias del viento. Se fabricó de nuevo otra y se ubicó en el mismo lugar el 10 de agosto de 1972 pero se tuvo que retirar 48 horas después de su colocación debido a una gran tormenta que asoló la zona. Esta obra efímera solo cuenta con el testimonio audiovisual que os invitamos a contemplar a continuación y que consta de 3 partes.
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97."Spiral jetty" (1970) de Robert Smithson

ESCULTURA LAND ART: Esta gigantesca obra del artista conceptual norteamericana de Robert Smithson está ubicada en el desierto de Utah en Estads Unidos. Se utilizaron 5.000 toneladas de basalto negro que iniciaban un recorrido en forma de espiral minimalista desde la orilla del Great Salt Lake hacia el interior. El "land art" pretendía realizar un arte utilizando los recursos de la naturaleza cambiándola a modo de gran molde escultórico aunque estuviera sometido a agentes climáticos o naturales. Algunas de estas piezas con el tiempo han desaparecido y solo tenemos el testimonio fotográfico o audiovisual del acto artístico (clickad). Esta obra pertenece a la fundación Dia Art que estudia los cambios efectuados sobre ella debido al agua, la lluvia o el viento.

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43."Merda d'artista" (1961) de Piero Manzoni

ARTE CONCEPTUAL: En los años 60 del pasado siglo hubo una tendencia cada vez mayor a desmaterializar el arte y romper con el mercantilismo del mismo. Desde el desorden provocado por los "ready mades" de Duchamp sobre la consideración de concebir el arte como un elemento en serie, artistas como Manzoni quisieron hacer una mordaz crítica contra el mundo del arte. Simplemente, por llevar el nombre del artista, aunque el contenido sean, por ejemplo, heces, hace que una obra se incremente en su precio. En el cilindro de la lata metálica aparece escrito lo siguiente en diferentes idiomas:"Mierda de artista. Contenido neto: 30 gramos. Conservada al natural. Producida y envasada en mayo de 1961."
Lo más curioso de todo, es que la obra se vendió a precio de oro, es decir, se pago por cada gramo el coste de mercado de ese metal precioso. Hoy en día, cuando aparece a subasta alguna de las 90 latas realizadas en serie se llegan a pagar cantidades de más de 5 cifras.