214."Paisaje con el embarque en Ostia de Santa Paula Romana" (1639-1640) de Claude Lorrain

PINTURA BARROCA: Claude Lorrain fue un pintor francés establecido en Roma y que atendía al nombre original de Claude Gellée. Lo enmarcaríamos dentro del barroco clasicista, con una clara inspiración paisajista vinculada a la belleza de la campiña romana de aire bucólico-pastoril. Firmaba sus cuadros como "Le Lorrain" aludiendo a su ciudad natal. Trabó amistad con Nicolas Poussin y se introdujo en los círculos artísticos romanos y del papado. Su fama se fue extendiendo y llegó a tener buenos imitadores como Sebastien Bourdon. Sus paisajes clásicos fueron pintados en clave religiosa o mitológica. Idealizó el paisaje sereno, evocador de la antigüedad, en su búsqueda de la bella Arcadia, con la placidez del mar o del cielo e introduciendo figuras bellas en los conjuntos de la naturaleza. Utilizó una luz directa y natural proveniente del sol del atardecer o del amanecer que centró en sus composiciones. En su afán de pintar espacios abiertos recurrió a los puertos que sirvieron de pretexto para dar cierta acción a las figuras que se movían en escena. Este "Paisaje con el embarque en Ostia de Santa Paula Romana" es un óleo encargado por Felipe V para decorar su Palacio del Buen Retiro y que actualmente se expone en el Museo del Prado. Forma parte de una serie de cuadros que diversos pintores de la época realizaron para el monarca. Aunque no lo parezca a simple vista se trata de una escena religiosa. Es el momento en que Santa Paula, en el siglo IV, se despide de sus hijos cuando embarca en el puerto de Ostia con destino a Palestina, donde vivirá como una ermitaña al lado de San Jerónimo. Pero queda claro que Lorrain utilizó esta temática para la realización de un monumental paisaje urbano lleno de reminiscencias arquitectónicas ambientadas en la antigüedad clásica aunque pretendidamente renacentista en concepto. Destaca el punto de fuga central creado por la luz solar dorada.

213."Iglesia de San Carlos Borromeo" (1716-1737) de Johann Bernhard Fischer

ARQUITECTURA BARROCA: La "Karlskirche" es una de las iglesias centroeuropeas más originales del altobarroco. Está situada en la Karlsplatz de Viena muy cerca del Ringstrasse. El emperador Carlos VI, prometío la construcción de un templo dedicado a San Carlos Borromeo, una vez que la peste que asoló la ciudad en 1713 (con 8.000 muertos), dejara de actuar. La dedicación a este arzobispo milanés provenía de su heroicidad en 1576 cuando luchó contra esta terrible enfermedad. En 1714 se hizo un concurso para la construcción de esta obra y Fischer fue el ganador absoluto con una propuesta ecléctica de un barroco en el que se combinan diferentes estilos: vemos un pórtico central de inspiración griega con un frontón esculpido con las desgracias de la peste y coronado por la escultura del santo patrón con dos columnas helicoidales laterales de recuerdo trajano con relieves sobre la vida del santo y todo ello rematado por una cúpula brunelleschiana. A ambos lados construyó dos pabellones al más puro estilo barroco romano rematado con aires orientales en forma de pagoda. Es un edificio demostrativo del poder religioso e imperial de los Habsburgo, sobretodo en sus dimensiones ya que tiene 80 metros de altura por 60 m de ancho, siendo el segundo templo más grande de la capital del Danubio. En el interior encontramos pinturas barrocas y un retablo en estuco sobre el altar mayor de San Carlos ascendiendo al cielo en una nube.

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207."Iglesia del Gesú" (1568) de Jacopo Vignola y Giacomo della Porta

ARQUITECTURA BARROCA: Ubicada en una céntrica plaza romana, esta iglesia, perteneciente a la Compañía de Jesús, está considerada como la primera de corte barroco, sobretodo en su fachada y paradigma de este movimiento en su línea más clásica. Un modelo que se copió hasta la saciedad en otras iglesias de este orden por toda Europa y Sudamérica. Sabemos que Miguel Ángel se ofreció para diseñar este templo de manera gratuita, aunque al final los principales arquitectos fueron Jacopo Vignola, discípulo del gran maestro antes mencionado y Giacomo della Porta, siendo el segundo el que remató aquello que el primero no pudo finalizar debido a su muerte. Vignola aportó una equilibrada composición en tres niveles superpuestos y Della Porta, revisando el diseño del primero, creó una tensión debido a los elementos verticales que aplicó. Es una iglesia de planta basilical sin nártex donde el visitante accede directamente a una única nave central, sin espacios laterales, envuelta, eso sí, de capillas con decoración en forma de balaustrada y enrejado. El transepto es mínimo en su apreciación en planta y éste, como máximo, enfatiza el altar mayor por sus extremos. La evolución del alto renacimiento al barroco dejó como herencia las cúpulas centrales de base brunelleschiana que seguirán utilizándose. El interior mantiene la bóveda de cañón adaptada en época renacentista con pinturas al fresco, los poderosos pilares del crucero, el revestimiento de las paredes rico en mármoles y decoraciones doradas en relieve, con esculturas en mármol blanco y estucos decorativos por doquier.

205."El rapto de Proserpina" (1621) de Gian Lorenzo Bernini

ESCULTURA BARROCA: Esta magnífica obra del escultor más importante italiano de todos los tiempos, forma parte de una de sus piezas mitológicas, encargada por Scipione Borghese. Esta pieza de Bernini fue realizada para convertirse en obsequio para el cardenal Ludovico Ludovisi en 1622 y pensada para decorar su villa. Permaneció allí hasta 1908 hasta que fue devuelta a la Galeria Borghese. Esta enorme estatua de mármol representa a Plutón (visto como Hades) que  secuestra a la ninfa Proserpina para convertirla en su esposa. Destaca la composición de la pieza, pensada en contraposto, con un cierto giro que la hace turbulenta, al estilo de las formas manieristas de evolución hacia el barroco más clásico. Esta posición hace que podamos contemplar la figura desde diferentes ángulos sin necesidad de una frontalidad única. Plutón intenta mantener sujeta a la que parece huidiza y asustada Proserpina (ó Perséfone), que lucha, con el "grito barroco" dibujado en su rostro, para evitar ser confinada como reina de los infiernos, ella que es la personificación de la primavera y de la libertad. La figura femenina tiene lágrimas en los ojos y su pelo se balancea movido como si una corriente de aire lo agitase en ese mismo momento. El conjunto escultórico tiene una tercera figura: el perro Cancerbero, vigilante de las puertas del infierno, que en esta ocasión está ladrando. El realismo con el que está tratada la pieza destaca al contemplar como los dedos del dios aprietan y se hunden en el muslo de la ninfa o como ella empuja su rostro demostrando su repudia, creando una majestuosa y elegante composición en aspa donde las diagonales toman protagonismo.

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195."Palacio Nacional de los Inválidos" (1670-1706) de Jules-Hardouin Mansart

ARQUITECTURA BARROCA: Este gran complejo arquitectónico parisino se construyó con la íntención de dar cobijo a los soldados franceses retirados, lisiados o ancianos. Actualmente, sus intalaciones cobijan un museo militar, una magnífica iglésia que mantiene el culto religioso y diversas dependencias para usos varios. Luís XIV de Francia encargó esta magna obra a Jules-Hardouin Mansart el 24 de febrero de 1670, pero con los planos previos de Liberal Bruant. Las instalaciones ya empezaron a albergar a los veteranos de guerra en 1674, pero la iglesia no se finalizó hasta 1706. En 1840, los restos mortales de Napoléon I fueron trasladados desde la isla de Santa Helena a la iglesia dedicada a San Luís para descansar en ella convirtiéndose en en mausoleo de militares. Aparte de los inmesos patios de armas, destaca la belleza de su iglesia concebida con un doble orden arquitectónico de forma edicular y rematada por un imponente cúpula dorada brunelleschiana de elevado tambor con decoraciones de aire rococó. Era una capilla privada de uso exclusivo del propio rey con la intención de convertirse en su mausoleo real. El interior, de planta centralizada, destaca por su gran belleza.

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190."Catedral de San Pablo de Londres" (1676-1710) de Christopher Wren

ARQUITECTURA BARROCA: Esta iglesia fue construída sobre las ruinas de una anterior iglesia medieval que se quemó en un gran incendio en 1666 que asoló a Londres. Se cree que allí fue donde se construyó la primera iglesia británica allá por el 604 gracias a un agustino que se dedicó a convertir a los anglosajones del momento y llamado Melito de Canterbury. Este primer cenobio tuvo diversas ampliaciones hasta que Íñigo Jones, en 1633, la restauró añadiéndole un nuevo pórtico con toques clásicos que desapareció debido al incendio. Christopher Wren fue el encargado de crear la nueva catedral que diseño desde la planta centralizada. La fachada occidental, a primer golpe de vista, nos recuerda a la de San Pedro del Vaticano, iglesia de la cual el arquitecto se inspiró. Dos órdenes superpuestos rematados en el segundo piso con una estructura edicular de doble columnado dórico. Los laterales se convierten en sendas torres de 63 metros de altura rematadas en dos cúpulas pequeñas que recuerdan a las de San Ivo alla Sapienza de Roma. La espectacular cúpula central brunelleschiana centraliza todo el conjunto arquitectónico. No en vano, su cúpula es la segunda más grande del mundo después de la propia vaticana. Para llegar a ella hay que subir 530 peldaños y así contemplar los magníficos frescos de James Thornhill con escenas de la vida de San Pablo. Destacar el magnífico coro tallado en madera con mosaicos decorativos de inspiración bizantina y el fenomenal órgano. Esta edificación sobrevivió íntegramente a los bombardeos londinenses de la Segunda Guerra Mundial y es la catedral donde se realizan los eventos más importantes de la realeza y de la sociedad británica. En su famosa cripta podemos encontrar al almirante Nelson, a Wellington e incluso a Lawrence de Arabia.
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183."La encajera" (1669) de Johannes Vermeer

PINTURA BARROCA: La también denominada "La encajera de bolillos" es una de las obras más interesantes de la pintura holandesa de todos los tiempos. Este óleo que se exhibe actualmente en el Louvre de París, corresponde al momento de madurez de Vermeer. Fue una obra vendida en el pueblo natal del pintor, Delft, y que posteriormente fue pasando por diferentes manos privadas. Aunque por su fecha tengamos que ubicarlo en el momento del barroco, la intención de la obra es representar de manera realista una escena cotidiana costumbrista sin ninguna intención fastuosa. Es ese aislamiento íntimo tan de moda en la pintura de los Países Bajos y que tanto gustaba a los promotores burgueses queda muy alejado de la suntuosidad de los encargos áulicos o eclesiásticos. El artista contemplaba los objetos cotidianos que le envolvían y los representaba con detalle. Sus figuras están en silencio, recogidas en un microcosmos resplandeciente pero a la vez difuminado, donde la soledad y el recogimiento hacen acto de presencia con gran solemnidad. Esta joven encajera se encorva sobre su labor y su mirada se concentra en ésta, ajena al espectador. Es un símbolo de una de las virtudes femeninas domésticas reforzado por el libro que hay encima de la mesa que, aunque no lo reconozcamos, seguro que estaría vinculado con algún texto bíblico, ya que Vermeer era profundamente religioso. Destaca el juego de colores de los diversos elementos, jugando al desenfoque y con cierto toque puntillista, avanzando las formas impresionistas decimonónicas.
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167."Las hilanderas" (1657) de Diego Velázquez

PINTURA BARROCA: Esta gran obra del maestro Velázquez se conserva en el Museo del Prado y está considerada como uno de los grandes exponentes del estilo barroco español pictórico. Esta obra fue un encargo privado de Pedro de Arce y que aceptó por ser el montero personal de Felipe IV. Sobre su misterioso tema decir que siempre se le ha considerado un cuadro costumbrista donde vemos a unas hilanderas trabajando en un taller de tapices. En primer plano vemos a cinco mujeres preparando las lanas para hilar y al fondo unas damas que contemplan un tapiz de temática mitológica. Hoy en día se cree que recrea la fábula de Atenea y Aracne que se describe en "Las metamorfosis" de Ovidio. La joven Aracne retó a la diosa Atenea, inventora de la rueca, a hacer el tapíz más bello. En el primer término a la derecha veríamos a la hacendosa joven trabajando en la tela mientras que a la izquierda estaría Atenea transformada en anciana y sabemos que es ella porque la pierna es la de una adolescente. En el fondo se representa el desenlace donde la diosa, envidiosa de la belleza del tapiz de Aracne, la convertirá en araña para que así teja toda su vida. Se han buscado otras interpretaciones políticas pero quizás són más arriesgadas. Velázquez utiliza un formato medieval en la superposición de escenas dentro de una misma, con un estilo de gran esplendor, con los claroscuros pertinentes del momento y una paleta más monócroma però llena de tonalidades.

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159."Iglesia de San Carlo alle Quattro Fontane" (1638-1641) de Francesco Borromini

ARQUITECTURA BARROCA: Esta paradigmática iglesia barroca romana fue construida por Borromini por orden de los trinitarios descalzos y está considerada una de las mejores representantes de la arquitectura religiosa italiana del siglo XVII. Destaca sobretodo su sinuosa fachada que presenta espacios libres y compactos jugando con las formas geométricas curvas exceptuando los órdenes arquitectónicos gigantes, en esa teatralidad planteada por los ideales barrocos del momento. La planta presenta el formato centralizado elipsoidal típico de las iglesias italianas de aquel momento y bastante exclusivo de aquella zona. En su interior destaca la magnífica cúpula oval con decoración en casetones. Lo que más destaca es el alto grado de conocimientos matemáticos y arquitectónicos que demostró el artista a la hora de concebir esta construcción.

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140."La fragua de Vulcano" (1630) de Diego Velázquez

PINTURA BARROCA: Durante su primer viaje a Italia, Velázquez pintó esta magnífica obra. Fue una pieza que se realizó sin petición de encargo y fue vendido posteriormente a la corona española. Actualmente se puede contemplar en el Museo del Prado. Es un cuadro de temática mitológica extraído de "las metamorfosis" de Ovidio y refleja el momento en que el dios Apolo revela a Vulcano el adulterio entre Venus y Marte. Vulcano, esposo de Venus, queda sorprendido ante semejante noticia. Es un pasaje de poca tradición iconográfica, ya que era más habitual otro momentodel mito en que Vulcano apresa a los amantes con una red. El pintor se basó en sus conocimientos de estatuaria clásica para realizar las figuras de la composición que siguen los preceptos del claroscuro mezclados con tonos terrosos y que a su vez contrastan con la teatral aparición de Apolo. Sobre la bella cabeza de Apolo existe un estudio previo que se conserva en una colección privada norteamericana.

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136."Fontana de Trevi" (1732-1762) de Nicola Salvi

ESCULTURA BARROCA: Está considerada la fuente más grande, más bella y más ambiciosa de la Roma del período barroco. Está situada en el cruce de tres calles donde antes había un acueducto de época romana llamado Aqua Virgo. Existía la tradición de construir una gran fuente al final de los acueductos y con el Renacimiento resucitó esta idea clásica. Ya en 1453, Alberti construyó una simple pila para anunciar la llegada del agua. En 1625, el papa Urbano VIII, en un momento clave del urbanismo en la ciudad de Roma, pide a Bernini una mejora de esa misma fuente. Su proyecto fue rechazado en favor del de Nicola Salvi y se iniciaron las obras ya en época del papa Clemente XII. El telón de fondo de este magnífico conjunto escultórico, con grandes influencias berninianas, es el palacio Poli realizado con un orden gigante de pilastras corintias que enlazan las dos plantas del edificio. El tema iconográfico es el de la doma de las aguas mezclando este elemento líquido, con roca tallada y con la arquitectura. Vemos tritones, caballos, a Neptuno en su carroza y alegorías de la abundancia y la salubridad. El centro está marcado por un arco triunfal y hay diversos bajorrelieves por toda la composición. El precario equilibrio de las figuras y el dinamismo de las mismas nos evocan al inminente rococó.

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135."Baco adolescente" (1598) de Caravaggio

PINTURA BARROCA: Este delicioso "fanciullo" de la etapa "juvenalia" de Caravaggio es un óleo sobre lienzo que se conserva en la Galería Uffizi de Florencia. Fue un momento en el que estaba a las órdenes del mecenas y cardenal Del Monte donde vemos el interés humanista de la iglesia católica del momento. Fue un regalo del cardenal a Fernando I de Medicis por las bodas de su hijo Cosme I. En la pintura se representa a un joven dios Baco reclinado al estilo clásico con una naturaleza muerta en primer plano. Mientras toca suavemente su ropaje nos invita a unirnos a la fiesta ofreciéndonos provocativamente un cáliz con vino. Va tocado con hojas de parra y el fondo es neutro, como en la mayoría de sus cuadros: se le acusó equivocadamente de ser un mal paisajista. Contrasta la blancura de su cuerpo contra el fondo iniciando el claroscurismo, técnica que a lo largo del siglo XVII se fue consolidando, sobretodo en los pintores de los Países Bajos, como Rembrandt o Vermeer. La homosexualidad de Caravaggio le llevó a tratar con suma delicadeza, casi andrógina, a esos muchachos que tanto admiraba.

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120."Martirio de San Felipe" (1639) de José de Ribera

PINTURA BARROCA: En esta obra maestra y de madurez de José de Ribera nos encontramos con los preparativos del martirio que dió muerte a este santo. Encuadrado en la escuela clásica española del barroco del siglo XVII, este lienzo toma su base iconográfica de la "Leyenda áurea" de Jacobo de la Vorágine, ya que según ésta, San Felipe murió crucificado con manos y pies atados a la cruz. La composición geométrica está marcada por las diagonales visuales típicas de este período y el escorzo, bastante marcado en el movimiento de sus personajes. Lo que destaca es el potencial teatral conseguido por el uso de la luz en la piel del santo potenciando el misticismo de la escena. Diversos personajes aparecen en la escena: los verdugos atando las cuerdas, a la derecha un grupo de curiosos y a la izquierda vemos a una mujer que sostiene a su hijo en los brazos y nos mira directamente a nosotros. Esta imagen femenina ha sido considerada la alegoría de la Caridad.

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115."La lección de anatomía del Dr. Nicolas Tulp" (1632) de Rembrandt

PINTURA BARROCA: Es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt y fue encargado por un gremio de cirujanos de la zona flamenca y del cual, el tal Nicolaes Tulp era el más eminente de todos. Muestra una lección de anatomía donde una serie de médicos siguen la magistral clase alrededor de un muerto del cual conocemos su identidad: el criminal Aris Kindt, de 41 años, que había sido ahorcado el mismo día por robo. Algunos de los retratos corresponden a una serie de patrocinadores que promocionaron la obra. Especialistas actuales han contrastado la veracidad de músculos y tendones del brazo diseccionado y no sabemos como el pintor adquirió este conocimiento. El cadáver está representado como un Cristo presente, con la lividez típica de la muerte, que a su vez constrasta con los trajes negros de la moda de la época y la nula aparición de detalles de un fondo neutro. Es una de las muestras preclaras de qué es el claroscuro pictórico.
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110."Fuente del tritón" (1642) de Gian Lorenzo Bernini

ESCULTURA BARROCA: Es una estatua erigida en el Quirinal romano, muy cera de la magnífica Fontana de Trevi. Es una fuente espectacular fue ejecutada en mármol de travertino donde el dios marino Tritón aparece lanzando un gran chorro de agua de una caracola que tiene colocada en la cabeza, sentado sobre una enorme concha que a su vez está sujetada por cuatro delfines. Estos entrelazan una tiara papal (no en vano fue un encargo del papa Urbano VIII de la familia de los Barberini) con las llaves cruzadas y el símbolo heráldico de la familia que son una abejas. Esta fue la primera fuente de Bernini y fue diseñada para proporcionar agua a un acueducto de la zona. Fue el último gran encargo de este papa-mecenas.

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101."La joven de la perla" (1665) de Johannes Vermeer

PINTURA BARROCA: Esta obra del maestro flamenco Vermeer también recibe el nombre de "Muchacha con turbante", aunque el de "La joven de la perla" alude al pendiente que cuelga de su oreja y que se convierte en el punto focal de la obra. También se la ha denominado la "Mona Lisa" del norte. No sabemos si esta obra fue un encargo, pero lo que sí tenemos claro es que no es una pieza convencional. Parece ser que era un "tronie" o estudio pictórico de una cabeza, en este caso femenina, pero sin ninguna intención retratística. Es verdad que la obra general de este pintor es rara y en más de una ocasión se han hecho falsificaciones. Una reciente restauración ha realzado los contrastes del claroscuro de la expresiva cara en relación con el fondo.

79."Santo entierro" (1605) de Caravaggio

PINTURA BARROCA: Este espectacular óleo sobre un lienzo de 3 metros de alto por 2 de ancho se conserva en la Pinacoteca Vaticana. Originalmente se colocó en el altar de la iglesia de Santa Maria in Vallicella donde en la actualidad se conserva una copia de la obra. Existe bastante innovación en este cuadro, desde la perpectiva del renacimiento y en esa evolución del manierismo hacia el barroco. Fue una pieza altamente valorado por los entendidos del momento donde vemos a San Juan y a San Nicodemo recogiendo el cuerpo de Cristo, mientras que las tres Marías se lamentan por la muerte del Hijo de Dios. Son imágenes muy naturalistas en su pena y en su gesticulación. Además, las imágenes de Jesús descendiente realizadas en Italia no son sangrantes, en comparación con las de la escuela española del momento. También hay que destacar la fuerza expresiva de las caras, todas ellas enmarcadas en un espacio simétrico entorno al sepulcro que surge en diagonal de la profundidad del cuadro, donde el claroscuro en primer plano contrasta con las tinieblas del fondo.

71."El mendigo" (1650) de Murillo

PINTURA BARROCA: No olvidemos que a este pintor español del barroco es conocido por sus magníficas obras pictóricas religiosas. Pero al igual que otros pintores coetáneos como Ribera, también puso en marcha su vena realista, dejando de lado alegorías y pasajes bíblicos. La aplicación del realismo en obras de género era un hecho habitual sobretodo en la pintura flamenca. Aquí vemos a un joven mendigo, más bien un golfillo, que harapiento parece estar despiojándose. Vemos los pies sucios pero tampoco es un muchacho macilento. Parece más bien uno de los pícaros típicos del período y que bien podría aparecer en novelas como "El lazarillo de Tormes" o "Rinconete y Cortadillo". La sobria estancia está decorada con un cántaro, unas manzanas y restos de crustáceos al estilo de un bodegón improvisado. La escena contiene un fuerte claroscuro típico del período de influencia caravagista, destacando los tonos amarillentos y ocres. Las líneas de composición son diagonales típicas de las formas barrocas del momento.

39."Palacio de Versalles" (1661-1692)

ARQUITECTURA BARROCA: Para entender la grandeza de esta joya del barroco hay que estar dentro de este palacio y pasear por sus inmensos y majestuosos jardines. Fue la residencia real durante un par de siglos de la realeza francesa. Luis XIV decidió construir este complejo en la pequeña población de Versalles para estar tranquilo y fuera del ajetreo de la ciudad de París. Los elementos arquitectónicos están compuestos por el propio palacio de apariencia horizontal, heredero de las formas renacentistas con un interior decorado al estilo barroco y rococó, además de los dos palacetes (El Grand y el Petit Trianon) de uso para cacería o descanso de la reina, colocados en un enorme jardín donde el elemento de corte clásico predomina con su decoración acuática y escultural.

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30."Las tres gracias" (1625) de Rubens

PINTURA BARROCA: Este magnífico cuadro de Rubens, está expuesto en el Museo del Prado. A este artista se le denominó el príncipe de los pintores flamencos. Pertenece a sus obras mitológicas y aunque cueste creerlo en el siglo XXI, el desnudo de Aglaya, Talía y Eufrósine, correspondía al cánon de belleza de la época. Las tres jóvenes aparecen unidas entre sí con sus brazos y cubiertas por unas sutiles gasas que muestran más que cubren. La flaccidez de sus carnes y la ampulosidad de sus caderas también pueden evocar, junto a la danza en ese entorno tan bucólico, a las bacantes griegas. Es interesante destacar la complicidad de las miradas, la armonía de movimientos y la esplendidez de un colorido, cálido y luminoso en los cuerpos, que destacan sobre un fondo paisajístico pintoresco de gran sutileza. La leyenda dice que una de las gracias correspondía al retrato de la segunda mujer del pintor.

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