56."La libertad guiando al pueblo" (1830) de Eugene Delacroix

PINTURA ROMÁNTICA: Delacroix se aparta de los temas históricos y se centra en un tema contemporáneo. Se ha inspirado en la Revolución de 1830 y en los levantamientos de los días 27 al 29 de Julio de aquel año. Fue una revolución realizada por los burgueses liberales que querían acabar con la monarquía totalitaria de Carlos X. Estos días de lucha se llamaron “trois glorieuses”. París se llenó de barricadas y de burgueses que luchaban por mejorar su situación. Es una pieza alegórica que se presentó en el Salón en mayo de 1831. Mantiene la forma piramidal clásica en su estructura, con un cierto estilo académico. En su cúspide nos encontramos con la bandera tricolor francesa como ideal patriótico republicano. Quien levanta la bandera es una figura femenina que es un símbolo de la patria y de la libertad. Además tiene un erotismo significativo y es muy carnal.

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55."Fuente" (1917) de Marcel Duchamp

ESCULTURA DADAISTA: Marcel Duchamp se erigió en uno de los representantes más influyentes de las vanguardias del siglo XX. Su gran aportación al movimiento dadá y el concepto de "ready-made" lo han convertido en uno de los artistas más copiados de la historia del arte. El concepto "ready-made" es difícil de definir, pero básicamente es una reacción contra el arte rutinario y academicista. Utiliza objetos simples, seriados y sin ningún valor artístico y él como artista, los eleva a la categoría sublime de obra de arte. De esta manera, cualquier objeto, por banal que sea, puede ser susceptible de exponerse en cualquier museo: portabotellas, ruedas de bicicleta, etc. Pero la obra más controvertida y famosa del genial artista fue "Fuente" presentada en la prestigiosa exposición de la "Society of independent artist". Era un urinario de pie de lavabo público girado y transformado por obra del autor en una teórica fuente, sin función real, pero sí presentada como obra única en su elección entre miles de posibles urinarios. Un escándalo cultural del momento que dio el primer pistoletazo de salida a la desmaterialización del arte, que llegaría a mediados del siglo XX.

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54."Torre de Babel" (1563) de Brueghel, el Viejo

PINTURA FLAMENCA: El tema básico de esta pintura es la construcción de la magnífica torre de Babel, que según la Biblia, fue una gran estructura construída por la humanidad para alcanzar el cielo. Era un tema que ya había sido tratado en época medieval y se retoma con un cierto sentimiento nacionalista en un momento en que los Habsburgo estaban tomando el poder europeo. El centro de la composición lo forma la torre a medio construir, ubicada en un paraje panorámico y con una perspectiva muy alta. Las nubes que coronan la edificación simbolizan la llegada al cielo divino. A nivel arquitectónico, Brueghel el Viejo trata la obra evocando una construcción de estilo romano que nos hace recordar deliberadamente el Coliseo, pero vista como una espiral ascendente. El artista pintó otra obra parecida el mismo año llamada "La pequeña torre de Babel".

53."Casa Batlló" (1905) de Antonio Gaudí

ARQUITECTURA MODERNISTA: Fue un encargo para reformar un antiguo edificio de 1875 construído por Emili Sala Cortés. Gaudí aceptó el encargo del industrial al que pertenecía el inmueble, remodelando la fachada, el piso principal y la azotea, para darle un aire modernista que tan de moda estaba en la burguesía catalana del momento. La fachada se realizó con piedra arenisca con formas onduladas y las columnas tienen estructuras óseas con decoración vegetal. La carpintería mantiene las líneas curvas orgánica del exterior y las ventanas emulan las coloridas vidrieras góticas, pero con retículas circulares. Mantuvo el aspecto rectangular de las puertas de los balcones aunque reconvirtió en forma de "antifaz" las barandas, que están realizadas en hierro forjado. Toda la fachada está recubierta de mosaicos troceados en el famoso "trencadís" del genial arquitecto catalán, tan utilizado en sus obras.

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52."Puertas del paraíso" (1452) de Ghiberti

ESCULTURA RENACENTISTA: La llamada "Puerta del paraíso" está ubicada en la zona este del baptisterio de Florencia y colocada frente a la excepcional catedral de Santa Maria del Fiore. Fue realizada por el orfebre y escultor Lorenzo Ghiberti y es, además de su obra más importante, una de las más destacadas de todo el renacimiento escultórico. Debido a su acabado en pan de oro y su espectacularidad, el propio Miguel Angel la calificó como de "paradisíaca". También había realizado unos años antes, la parte norte de menor interés. Tardó 27 años en acabar esta muestra de relieve.

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51."Mezquita de Córdoba" (786-981)

ARQUITECTURA ISLAMICA: Construida sobre la iglesia visigoda del siglo VIII de San Vicente, y que fue expropiada a los cristianos por parte de los árabes, representa el gran monumento andalusí del califato omeya. Las extensas obras de tan magna construcción se iniciaron bajo el mandato de Abderramán I y sobre la antigua planta de la basílica cristiana, hasta su finalización en la época de Almanzor. Se hicieron diferentes ampliaciones a lo largo de ese período, hasta que en 1236 y tras la conquista cristiana de Córdoba por las tropas de Fernando III de Castilla, se convirtió en catedral de culto catolicista. Para la realización de estos ritos se tuvo que acondicionar los espacios y se contruyó, en el centro de la mezquina, una seo de corte renacentista. Pero, la gran referencia de su interior es su magnífica y única sala hipóstila, con doble arco de herradura de influencia visigoda, marcada por el ritmo del color blanco y rojo de sus dovelas, todo ello apoyado en hermosas columnas de procedencia romana o visigoda y reutilizadas de expolios. La joya arquitectónica de la mezquita se encuentra en el "mihrab" o espacio destinado al rezo del califa, profusamente decorado con bellos estucos labrados y unas imponentes bóvedas de estrella y gallonadas que convierten a este monumento en un "unicum" del arte español.

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50."David" (1440) de Donatello

ESCULTURA RENACENTISTA: Fue uno de los principales encargos del mecenas Cosme de Medici para ser colocada en su palacio florentino. Es una de las obras que representa mejor el espítiru del "quattrocento" italiano, con la exaltación del cuerpo humano, que por primera vez es representado como un desnudo en bronce desde la época romana. Está realizada a tamaño natural lo que le da más credibilidad, buscando un cánon de perfección de belleza en el cuerpo del joven. Tiene un modelado de amplias y sencillas masas, con composiciones en diagonal, que demuestran el claro contorno de sus líneas. La escultura se apoya con firmeza en su pierna derecha mientras que la izquierda se alza sobre la cabeza de Goliath vencido.

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49."El entierro del conde de Orgaz" (1586) de El Greco

PINTURA MANIERISTA: Esta popular obra de El Greco se encuentra en el interior de la iglesia de Santo Tomé de Toledo y es que el Conde de Orgaz fue el benefactor de esta parroquia durante muchos años. Incluso después de su muerte, dejó una manda que debían cumplir sus vecinos de dar al cura y a los feligreses una serie de pagos en forma de viandas para honrar su memoria. Después de 200 años, el entonces párroco de la iglesia, quiso perpetuar la memoria de dicho conde por su generosidad. El encargo pictórico tuvo una dimensión teológica y una temática concreta donde abajo se representó la muerte y arriba la vida eterna. La parte inferior la ocupa el cadáver de Orgaz que va a ser depositado con toda la veneración y solemnidad posible. Vemos un feto que asciende hacia el cielo como si fuera el alma transfigurada en nacimiento para una posterior vida mejor. En la parte superior está el cielo, con un Jesucristo glorioso, entronizado como juez de los vivos y de los muertos. La Virgen María recibe el alma del conde mientras los bienaventurados, arrobados, contemplan la escena.
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48."Sainte Chapelle" (1248)

ARQUITECTURA GOTICA: Está situada en la "Ile dela Cité" de París y está considerada como una de las obras cumbres del período radiante del gótico francés. La función de la capilla es la de un gran reliquiario, ya que tiene los restos de la corona y de la cruz de Cristo, entre otras, que el rey Luis IX, adquirió de manos del último emperador romano de Constantinopla, Balduino. No hay una seguridad absoluta, pero se cree que el proecto pertenence al arquitecto francés Pierre de Montreuil. El edificio está concebido en dos plantas: la inferior para el vulgo y la superior para la asristocracia y la realeza. La capilla inferior está dedicada a la Virgen y tiene gran cantidad de columnas que aguantan el enorme peso de la etancia superior. Por lo tanto, además de tener una función social tiene una base de soporte. La parte superior es de una belleza enorme, ya que las paredes fueron suprimidas para convertirse en grandes y espectaculares vidrieras coloreadas separadas entre sí por finísimas columnas. Los ventanales recogen escenas de la Biblia y predominan los tonos azules, rojos y amarillos, lo que da una tonalidad muy interesante cuando entra la luz. La altura es importante ya que éstas tienen más de 15 metros y en su forma ojival apuntan hacia una bóveda de crucería decorada con motivos estelares de influencia bizantina.

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47."Doríforo" (440 a.C.) de Policleto

ESCULTURA GRIEGA: la traducción oficial de su nombre en castellano es "el portador de lanza" y se ha asociado su imagen a la de la figura mítica del guerrero Aquiles. Fue encontrada en el siglo XV en una villa romana, en un estado de deterioro importante. Se reconstruyó siguiendo el retrato de un camafeo romano localizado en la misma zona. Asistimos al pleno apogeo muscular de un joven que lleva una lanza y está en actitud de marcha. La cabeza está levemente ladeada y su mirada está perdida. Aunque se la considera una de las piezas más importantes del período griego clásico refleja ciertas formas arcaicas como es el caso de la rudeza en la talla o las líneas demasiado marcadas de las líneas musculares. Fue una escultura pensada para ser vista de frente y atiende a un canon de belleza creado por Policleto donde el cuerpo humano ha de tener la suma de siete cabezas para que éste sea proporcionado.

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46."Guitarra y mandolina" (1919) de Juan Gris

PINTURA CUBISTA: El madrileño Juan Gris siempre hizo honor a su apellido en el período cubista en el que estuvo en París. Allí conoció a Picasso y Braque y se enamoró de la moda pictórica del momento, es decir, del cubismo. Sus obras, con el tiempo han recibido el prestigio necesario, pero nunca con el tesón que los críticos alabaron a sus coetáneos. Aún fuera de la técnica de los "collages", el pintor decidió plantear el sistema de diferentes planos visuales creados por la ruptura de formas. Evidentemente, la perspectiva ya no entra en juego y solo los espacios y los colores crean los elementos de unión entre sí. No se han de representar de manera académica ni realista los objetos que componen la obra y apreciamos, de forma fragmentada, como sería aquella guitarra sobre una mesa, con partituras y copas incluídas. Una suerte de naturaleza muerta y pintura descriptiva que rompía con los cánones decimonónicos.

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45."Villa Barbaro" (1560) de Andrea Palladio

ARQUITECTURA RENACENTISTA: También llamada Villa Masier, fue diseñada por Palladio para sus más importantes mecenas: los hermanos Barbaro. Éstos pertenecían a una antigua familia noble de la república veneciana. El genial arquitecto manierista utilizó las líneas bajas y horizontales para encuadrar la mansión en el parque que la rodeaba. Hay un bloque central que evoca un templo romano con cuatro columnas jónicas coronadas por un frontón donde destacan los símbolos heráldicos de la ilustre familia. Este espacio central está flanqueado por dos alas simétricas donde se encuentran las habitaciones ubicadas en dos plantas. En el interior podemos contemplar unas excelentes pinturas murales de El Veronés y en el patio exterior hay un hermoso ninfeo que envuelve un manantial natural.

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44."El juramento de los Horacios" (1784) de Jacques Louis David

PINTURA NEOCLASICA: Esta obra y este autor son los dos referentes para calificar el momento prerevolucionario francés y el gusto por lo neoclásico. Gracias a los estudios de la antigüedad de Winckelmann y Piranesi, se volvió de nuevo a una "maniera" de arte donde se buscaba la economía de medios y de colores, con arquitecturas grecolatinas de fondo y temáticas mitológicas. En esta obra se ve el momento del juramento de los hermanos Horacios que habían de luchar contra los Curacios para poder salvar la ciudad de Roma. Los trillizos juran con el saludo romano en un espacio marcado por el número 3: tres arcos, tres hermanos, tres espadas y tres grupos de personas. Este gusto por la armonía y la matemática es un ejemplo del momento de la Ilustración. Las tonalidades son más suaves que en las pinturas rococó y con esta pieza se intenta exaltar el patriotismo ya que estamos a un paso de la eclosión de la Revolución Francesa.

43."Merda d'artista" (1961) de Piero Manzoni

ARTE CONCEPTUAL: En los años 60 del pasado siglo hubo una tendencia cada vez mayor a desmaterializar el arte y romper con el mercantilismo del mismo. Desde el desorden provocado por los "ready mades" de Duchamp sobre la consideración de concebir el arte como un elemento en serie, artistas como Manzoni quisieron hacer una mordaz crítica contra el mundo del arte. Simplemente, por llevar el nombre del artista, aunque el contenido sean, por ejemplo, heces, hace que una obra se incremente en su precio. En el cilindro de la lata metálica aparece escrito lo siguiente en diferentes idiomas:"Mierda de artista. Contenido neto: 30 gramos. Conservada al natural. Producida y envasada en mayo de 1961."
Lo más curioso de todo, es que la obra se vendió a precio de oro, es decir, se pago por cada gramo el coste de mercado de ese metal precioso. Hoy en día, cuando aparece a subasta alguna de las 90 latas realizadas en serie se llegan a pagar cantidades de más de 5 cifras.

42."Sarcófago de Husillos" (118-138)

ESCULTURA ROMANA: Esta muestra de arte funerario se encuentra en una población cercana al Monasterio de Fromista en Palencia y es una de las muestras de arte romano localizadas en nuestro país. Es un sarcófago que se utilizó en su momento para contener los restos mortales de algún ciudadano distinguido en el período antiguo y medieval. Su relieve trata un fragmento de la "Orestíada" de Esquilo y en concreto de la tercera tragedia "Las euménides". Orestes, hijo de Egisto y Clitemnestra, venga la muerte de su padre matando a su madre que había sido coautora del crimen al lado de su amante Egisto. Este será perseguido por las furias matricidas o euménides, pero Orestes pide asilo al dios Apolo en el templo de Delfos. Allí recibirá el justo juicio de los dioses junto al areópago o jurado popular ateniense. Una pieza que influenció a diferentes artistas del Camino de Santiago y en ciertos capiteles como los de la catedral de Jaca.

41."Los bebedores de ajenjo" (1876) de Edgar Degas

PINTURA IMPRESIONISTA: Tal como apunta nuestro seguido Joan Albert, esta conocida obra de Degas, se llama "Los bebedores de absenta", pero la palabra "ajenjo" es sinónimo de esta planta medicinal con la que se crea una de las bebidas alcohólicas que más daño hicieron a los estómagos del París de "fin de siecle". El impresionismo pictórico fue la primera gran vanguardia de la historia del arte, donde se rompió con el academicismo y el Salón parisino. Como si de una instantánea se tratara, el pintor retrata a esta pareja, que por su aspecto son alcohólicos, tomando dicha bebida en una cafetería grisácea y sórdida. Los trazos marcan la nueva tendencia que imperará a finales del XIX y todo el siglo XX.

40."Formas únicas de continuidad en el espacio" (1913) de Umberto Boccioni

ESCULTURA FUTURISTA: Esta famosa escultura de la vanguardia italiana futurista aparece en las monedas de euro de aquel país europeo. Símbolo de la modernidad y de las nuevas formas predictatoriales, el futurismo sirvió para acercar al mundo, el interés por la velocidad, el dinamismo y el rápido progreso de un siglo XX recién salido de las formas político-sociales decimonónicas. Boccioni, uno de los alumnos más aventajados de aquel movimiento, pintó y esculpió teniendo en cuenta la continua evolución de la ciudad, del automóvil y de la caótica realidad cotidiana. Supo expresar el movimiento de las formas y la concreción en la materia usada en sus obras. Aunque influenciado por el cubismo, este artista despreció, a nivel escultórico, los materiales nobles e hizo uso del hierro, el vidrio o la madera. Para esta obra, resumen tallado del ideal del dinamismo y defragmentación velocípeda del material constructivo, usó el bronce, pero demostrando que había un más allá en la escultura tradicional.

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39."Palacio de Versalles" (1661-1692)

ARQUITECTURA BARROCA: Para entender la grandeza de esta joya del barroco hay que estar dentro de este palacio y pasear por sus inmensos y majestuosos jardines. Fue la residencia real durante un par de siglos de la realeza francesa. Luis XIV decidió construir este complejo en la pequeña población de Versalles para estar tranquilo y fuera del ajetreo de la ciudad de París. Los elementos arquitectónicos están compuestos por el propio palacio de apariencia horizontal, heredero de las formas renacentistas con un interior decorado al estilo barroco y rococó, además de los dos palacetes (El Grand y el Petit Trianon) de uso para cacería o descanso de la reina, colocados en un enorme jardín donde el elemento de corte clásico predomina con su decoración acuática y escultural.

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38."Laocoonte y sus hijos" (50 d.C.) de Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas

ESCULTURA GRIEGA: Es un grupo escultórico realizado a tamaño real y en mármol blanco. Es una de las pocas piezas que conservamos de la escultura helénica y que no hayan sido una copia romana. La parte iconográfica del conjunto representa la muerte del sacerdote troyano Lacoonte, castigado por los dioses a morir estrangulado por las serpientes marinas junto a sus dos hijos. La obra fue realizada en la Escuela de Rodas por Agesandro, Polidoro y Atenodoro. Es una obra de estructura piramidal pensada para ser vista frontalmente. Consigue reflejar las emociones humanas con gran realismo y a la vez, un gran dramatismo, dentro de la corriente más "barroca" del arte helenístico. El escorzo de la figura principal junto a las líneas curvas provocadas por el enroscamiento de los reptiles, crea un enorme dinamismo a la pieza.

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37."La danza" (1909) de Henri Matisse

PINTURA FAUVISTA: Este magnífico cuadro de Henri Matisse expuesto en el Ermitage de San Petersburgo, está considerado uno de los exponentes del fauvismo. Es una obra que representa a cinco personas de ambos sexos bailando en círculo, como si de una danza tribal se tratara. Refleja el incipiente gusto del pintor por el arte primitivo y por el desnudo, elemento presente en su extensa obra. Destaca los cromatismos cálidos de los cuerpos contra el frío fondo azul y verde. Se le ha querido buscar un simbolismo al uso de esos tonos concretos: el rojo de los cuerpos evoca la vida, el azul el cielo y el verde la naturaleza. Por lo tanto, estamos ante un paso más allá de los cuadros bucólicos decimonónicos. Sabemos que hay dos versiones de esta obra (la otra está en el Moma).

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