155."El banquete de Herodes" (1460-1464) de Fra Filippo Lippi

PINTURA RENACENTISTA: Fra Filippo Lippi fue uno de los más destacados pintores del "quattrocento" italiano y por extensión, del renacimiento. Sobresalió por romper moldes con su paisaje y su elegancia nerviosa alejando definitivamente el fantasma de la pintura gótica ítala. Discípulo directo del gran Masaccio dio un nuevo aire a los temas clásicos tratados hasta el momento buscando un nuevo colorismo. En esta obra que es un fresco ubicado en la catedral del Prato vemos un banquete presidido por el rey Herodes al que ninguno de los invitados faltó ya que el tumulto de personas que se agolpan en la mesa, ataviados elegantemente para el evento, comen copiosamente, ahítos y ebrios, con la intención final de rematar la noche con el asesinato de San Juan Bautista. La escena se compartimenta en dos espacios: la de la izquierda donde Salomé está danzando al lado de los monarcas y la de la derecha donde ella ya tiene en sus manos la cabeza codiciada del santo decapitado. La forma de plantear la escena, el exceso de arabescos y decorados, la delicadeza del movimiento de los vestidos fueron fuente de inspiración para obras de Botticelli.

154."Apoxiomenos" (340 a.C.) de Lisipo

ESCULTURA GRIEGA: Fue la escultura más famosa de uno de los más célebres escultores del período postclásico de la Grecia antigua y llamado Lisipo. La copia que actualmente conocemos es una copia romana que se encuentra en los museos vaticanos y que según los historiadores del arte, fue una réplica de una original realizado en bronce. Se descubrió en 1849 en el populoso barrio romano de Trastevere y mide más de 2 metros de altura. La temática es la de un atleta totalmente desnudo que que se limpia de aceite con el estrígil después de haber realizado sus ejercicios. La posición de la pierna en un incipiente "contraposto" le da un dinamismo momentáneo de gran efectividad visual debido al desplazamiento del peso hacia un lado. La cabeza, en comparación con el resto del cuerpo es pequeña y está ligeramente inclinada tal como lo estaba el famoso "Doríforo" de Policleto, siguiendo el cánon de nueve cabezas típico del período helenístico.

VIDEO: Enlace informativo

153."Desayuno sobre la hierba" (1863) de Edouard Manet

PINTURA IMPRESIONISTA: Este enigmático y elegante cuadro de Manet se exhibe en el Museo de Orsay de París. Es una obra que ha recibido diversos nombres como "El baño" o "Almuerzo campestre". Fue presentada para competir en el Salón de la Academia pero no fue aceptado por el gratuito desnudo femenino y por no tener éste una base mitológica. De ahí que apareciera en uno de las primeras salas de exposición independientes como era el "Salón des Refusés". Se consideró el lienzo más "irritante y controvertido" de los presentados. Además de lo escandaloso de lo iconográfico no gustó a la crítica del momento el cromatismo y la composición. Es un almuerzo en el claro de un bosque donde la modelo desnuda Victorine Meurend, sentada entre caballeros vestidos con ropas de "dandy", mira con descaro al espectador. Los hombres son el hermano y el cuñado del pintor. A este plano intermedio le antecede una especie de bodegón con frutas y las ropas de la chica desnuda, en primer plano y le precede otra mujer semivestida tomando un baño en un arroyo. Destaca por una luz casi fotográfica donde no hay espacio para las sombras. No había intenciones sociales ni realistas en esta pieza, simplemente el naturalismo que destilaba una escena bucólica.

VIDEO: Enlace informativo

152."Sede de las Naciones Unidas" (1950) de LE CORBUSIER

ARQUITECTURA RACIONALISTA: Es un complejo emblemático ubicado en el Midtown del barrio de Manhattan de Nueva York. Como curiosidad decir que el terreno que acoge este conjunto no es territorio norteamericano sinó internacional. Se construyó al lado del East River en un terreno comprado al importante constructor del momento William Zeckendorf. Los ocho millones y medio de dólares que costó el solar fueron pagados por el potentado John D. Rockefeller que los donó a la ciudad. Aunque el director arquitecto fue Wallace Harrison, se anunció un concurso internacional para para el diseño de las diversas instalaciones de la sede. Se buscaron reputados arquitectos del momento como Le Corbusier, Oscar Niemeyer o Markelius entre otros. El comité estudió unas cincuenta propuestas de las cuales surgió vencedora la denominada "Scheme 23A" basado en los diseños de Le Corbusier. Por lo tanto, se creó un enorme edificio al más puro estilo racional para las oficinas de la Secretaría General, con 38 plantas. Un edificio controvertido en su época pero que después se ha convertido en un referente mundial de la arquitectura del siglo XX. Sus muros están totalmente recubiertos de vidrio aislante diseñado para absorber el calor provocado por la luz solar. Las paredes más estrechas fueron recubiertas con mármol de Vermont como guiño al academicismo constructivo. Además de este destacable edificio hay que tener en cuenta, a nivel artístico, la cúpula de la Asamblea General.

VIDEO: Enlace informativo

151."Catedral de Wells" (1175-1490)

ARQUITECTURA GÓTICA: Es un templo británico situado en el centro de la ciudad de Wells y es la actual sede de los obispados de esta ciudad y de Bath. Está considerada la más poética de las catedrales inglesas. Su construcción duró más de tres siglos y destaca por su hermosa fachada realizada en "early english" o primer gótico inglés. Es por su tendencia horizontal por lo que destaca y por sus bellas molduras verticales que recorren toda la fachada en sus tres torres: una central y dos laterales. Este tipo de acceso recibe el nombre de "fachada-pantalla" con 365 esculturas policromadas de reyes, caballeros y santos locales. Entre 1175 y 1260 se contruyó la mayor parte de la catedral y bajo el obispado de Reinaldo de Nohun. Anteriormente habia una construcción del siglo X de la cual aún se conserva su claustro. En su interior radica la gran espectacularidad de su altura, con los elementos ordenados en arcos, triforio y claristorio. Además de contener el reloj medieval más antiguo en funcionamiento presenta un tipo de arco de tijera único en el mundo colocado en la zona central de la nave principal. Los capiteles son de gran calidad al igual que una vidriera denominada del oro por su belleza y que representa el árbol de Jessé. Detrás de la zona presbiterial un auténtico bosque de nervaduras complica la bóveda de crucería. Destacar también la belleza de la sala capitular.

VIDEO: Enlace informativo

150."Baile en el Moulin Rouge" (1889) de Henri de Toulouse-Lautrec

PINTURA POSTIMPRESIONISTA: Este óleo sobre lienzo se encuentra actualmente expuesto en el Museo de Arte de Filadelfia. Fue expuesto en 1890 en el Salón de los Independientes, desmarcándose de la dictatorial línea de la Academia Francesa. Toulouse-Lautrec concibió el famoso cabaret del Moulin Rouge como su segundo hogar, ya que era el único lugar donde era apreciado por sus cualidades artísticas y debido a su malformación congénita. En una de las mesas pintaba sus obras y carteles, casi siempre con esa amargo caricaturismo que tanto lo caracterizó. Esta sala era frecuentada por la sociedad parisina de "fin de siecle". Vemos como los caballeros tocados con sombreros de copa alta (símbolo de burguesía) toman refrigerios en la barra, charlando entre ellos y contemplando a las bailarinas. Gracias a una línea pictórica central marcada por la dama de rosa vemos una serie de personajes masculinos al fondo que son retratos de amigos del pintor y la bailarina Jane Avril, musa del pintor. En el plano central vemos los ágiles saltos de otra bailarina muy cotizada en la época y llamada La Goulue y a su lado a Valentin le Desossé, otro famoso vividor de la época que se le daba muy bien eso del baile. Vemos el poco interés del artista por la perspectiva clásica, la poca verosimilitud de los colores y esa sensación de instantánea fotográfica que comportó siempre el encuadre y la técnica del postimpresionismo.

149."Panteón de París" (1786-1791) de Jacques Soufflot

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA: En pleno corazón del Barrio Latino de París se alza este majestuoso panteón, rodeado de edificios también de importancia como la universidad o los liceos parisinos. Está considerado uno de los primeros edificios neoclásicos de la ciudad e inicialmente había de ser una iglesia dedicada a Santa Genoveva. Jacques Germain Soufflot diseñó e inició la construcción pero su prematura muerte y la crisis económica monárquica frenaron el proyecto durante 26 años. Fue terminado durante la Revolución Francesa y de ahí que la Asamblea Nacional decidiese que el edificio se convirtiera en un templo para albergar los cuerpos de los hombres ilustres de la patria. De ahí que en su frontispicio se grabara "A los grandes hombres, la patria agradecida". A principios del siglo XIX se borra esta cita y se convierte en iglesia aunque en 1885 se volverá de nuevo un espacio laico hasta la actualidad que está considerado monumento histórico. Victor Hugo, Emile Zola o Marie Curie descansan entre las paredes de esta construcción que emula en la entrada al Panteón romano con su portico de columnas sobre las que descansa un frontón clásico mientras que la cúpula se inspira en la de la Catedral de San Pablo de Londres. No podemos obviar que las formas del templete de San Piero in Montorio de Bramante planean sobre el diseño de esta excelente obra.

VIDEO: Enlace informativo

148."Diosa de las serpientes" (1600 a.C.)

ESCULTURA MINOICA: En esta misteriosa cultura nacida durante la Edad de Bronce y ubicada en la isla de Creta, se ha encontrado, en Cnosos, una serie de estatuillas de loza vidriada y de entre las cuales destacamos ésta, de casi 30 cm de altura y que representa a una de las diosas de esta civilización denominada minoica. También se ha querido ver en ella la representación de una sacerdotisa de la época. Fueron encontradas por un equipo de arqueólogos ingleses en la ala oeste del famoso palacio de Cnosos. Esta figura femenina está ataviada con un vestido largo de estrecha cintura y ajustado corpiño que dejan al descubierto sus abundantes pechos. Sostiene en ambas manos dos serpientes y sobre su cabeza tiene el cuerpo de un felino. Se llamó a esta pieza "Adoradora sin cabeza", ya que cuando fue encontrada le faltaba el brazo izquierdo y su propia cabeza. Insporándose en otra de las figuras encontradas junto a ésta se reconstruyeron esas partes anatómicas.

VIDEO: Enlace informativo

147."Batalla de San Romano" (1456) de Paolo Uccello

PINTURA RENACENTISTA: Esta pieza forma parte de un tríptico de obras pictóricas realizadas por el italiano Paolo Uccello. Cada una de ellas se conserva en tres museos diferentes y el cuadro que trataremos, ubicado en el Louvre, lleva por subtítulo: "Intervención decisiva al lado de los florentinos del condottiero Micheletto da Cotignola". Es una obra realizada sobre tabla y con la técnica del temple. En cada una de las pinturas se muestran tres momentos importantes de la Batalla de San Romano entablada el 1 de junio de 1432 entre sieneses y florentinos. Fue un encargo realizado por Leonardo Bartolini, uno de los provocadores del conflicto de la facción sienesa. Si analizamos la obra vemos una cierta intencionalidad renacentista aunque los volúmenes, los escorzos y los colores tienen un cierto regusto de la pintura gótica internacional. Las figuras de los hombres y de los animales que llenan la escena en un "horror vacui" típico del período final del arte del medievo, son geométricas y hieráticas, pero poco realistas en sus coloraciones. El uso de la perspectiva da un halo de modernidad y abre la puerta a una remodelación de este tipo de escena bélica que llegará a su máximo apogeo en el período barroco y sobretodo en el siglo XIX con el academicismo francés.

VIDEO: Enlace informativo

146."Iglesia de San Salvador de Valdediós" (892)

ARTE ASTURIANO: Esta iglesia del prerrománico hispánico es llamada cariñosamente "El Conventín". Está en el término municipal de Villaviciosa, en Asturias y es una de las obras postramirenses evocadora del primer románico. Alfonso III de Asturias fue el que consagró esta iglesia aunque no sabemos si fue él el que encargó esta construcción. Sabemos que fue en el año 892 por una inscripción lapidaria que se halla "in situ". Es una planta basilical de tres naves rematadas con una cabecera de absides de proyección exterior rectangular. No tiene transepto pero sí un nártex con una tribuna superior a la que se accede mediante una escalera, espacio destinado al rey para la contemplación de los actos litúrgicos. En la parte meridional hay un pórtico con una puerta de acceso a la iglesia de uso funerario. Las tres naves están cubiertas con bóveda de cañón. El exterior refleja el orden compositivo interior con la nave central que sobresale, los contrafuertes laterales, la espadaña con toques califales, las puertas de acceso de arco de medio punto y las ventanas en forma de espilleras geminadas con celosías de excelente tracería.

VIDEO: Enlace informativo

145."La maja desnuda" (1795) de Francisco de Goya

PINTURA NEOCLÁSICA: Dentro de la incatalogable obra de Francisco de Goya, encontramos este "unicum" de la pintura española de todos los tiempos. Formó pareja con "La maja vestida" a requerimiento de Manuel Godoy ya que formó parte de una especie de díptico que el noble español tenía en su gabinete particular. En ambas pinturas se retrata a esta bella mujer recostada plácidamente en el lecho y mirando sin ningún tipo de pudor al espectador de manera directa. Se ha especulado que la retratada fuera la entonces Duquesa de Alba que mantuvo un "affair" con el propio pintor. Aunque algunos pintores han querido tachar a esta obra como barroca notamos en la fría gama cromática de los colores su filiación con el neoclasicismo surgido en Francia. Pero el genial artista va más allá, cuando en un toque de realismo erótico pinta el vello púbico, elemento hasta entonces inaudito en la pintura. Destaca la luminosidad del cuerpo de la maja y el juego de cama en contraste con el fondo neutro y oscuro de clara referencia claroscurista barroca y caravaggista. Destaca la delicadeza de la factura de las pinceladas mucho más suaves que en otras obras de Goya.

VIDEO: Enlace informativo

144."Caballero Rampin" (550 a.C.)

ESCULTURA GRIEGA: Este "kurós", llamado también Jinete Rampin, es una escultura del período arcaico griego realizado en uno de los talleres de la zona de la Ática. Es la escultura ecuestre más antigua del período griego a la vez que una de las obras maestras del primer período del arte de que aquella civilización. Las dos piezas que conforman este conjunto se hallaron en diversos momentos de la historia: la cabeza en 1877 y el tronco y el caballo en 1886 en la zona de la Acrópolis ateniense. Representa a un joven varon muy de moda en las figuras realizadas entre los siglos VIII y VI a.C. con la sempiterna sonrisa como carácterística común además del hieratismo de los cuerpos. Las "korai" eran su equivalente femenino y también se esculpían. Se cree que podría ser el hijo de Pisístrato o bien una representación de uno de los hijos de Zeus o "dioscuros", pudiendo formar parte de una pareja escultórica no encontrada hasta la fecha.

143."Ritmo 0" (1973-1979) de Marina Abramovic

ARTE NO OBJETUAL "BODY ART": Realizó hasta diez acciones con el mismo nombre en este impás de tiempo, cada una con su número correspondiente. La más conocida fue “Ritmo 0” una revelación artística "body art" en contra de la dictadura del General Tito en la antigua Yugoslavia. Quiso llevar a límites insospechados la relación de la artista con el público, ya que le interesaba mucho el momento de la espontaneidad del peligro. Para ello Marina Abramovic se convirtió en una escultura viviente pasiva durante 6 horas. Colocó en una mesa 72 objetos de dolor y placer como cuchillos, plumas, tijeras, látigos, una pistola y una bala por separado. Durante ese período el público asistente podía manipular su cuerpo como quisieras: acariciándola, cortándola e incluso matándola si alguien se prestaba. En un principio la gente era tímida pero poco a poco, al ver la impasibilidad de la artista, se volvía más agresiva. Al final se crearon dos grupos: el atacante y el defensor. Fue una de las defensoras de arte no objectual imposible de ubicar en el salón de un coleccionista ya que ella como lienzo no podía exponerse por ser humano. Se produjo una serie de tendencias que desmaterializaron el arte. Las fotografías son las únicas muestras de esta "performance", siendo el testimonio de la obra en sí.

VIDEO: Enlace informativo

142."Catedral de Cuenca" (1196-1257)

ARQUITECTURA GÓTICA: Es una catedral advocada a Santa María y a San Julián y es sede diocesiana desde 1183. Es una peculiar catedral, ya que tiene reminiscencias directas con el gótico normando que se realizaba en la zona central de Europa a lo largo del siglo XIII. La inspiradora de esta línea artística fue la mujer de Alfonso VIII, Leonor de Plantagenet, que provenía de familia inglesa. Acompañada de su séquito normando, éstos fueron los que diseñaron bajo los modelos de este estilo a la hora de construir esta catedral, siendo la primera catedral de estilo gótico, junto a la de Ávila. El románico, fuertemente instaurado en la península, dió paso a este estilo protogótico que recuerda a catedrales como las de Laon en Francia. El interior evolucionó de un románico tardío a un primer gótico con la presencia de un triforio con bóvedas de arista sexpartitas. Sobre la fachada decir que después de la caída de la torre del Giraldo, se reconstruyó a principios del siglo XX bajo los prototipos del neogoticismo inspirándose a su vez en la fachada de la catedral de Reims. Por miedo a desvirtuar la fachada original se frenaron las obras, de ahí que no tenga torres esta majestuosa iglesia.
VIDEO: Enlace informativo

141."Urna de Santo Domingo de Silos" (1165-1170)

ARTES MENORES: Es la obra maestra del taller de esmaltes que había en el monasterio de Santo Domingo de Silos en Burgos. Este trabajo estaba destinado a cubrir el modesto sepulcro hecho en piedra y que alojaba las reliquias del santo. Consta de dos piezas: una frontal y otra inclinada en forma de techado superior. El frontal, que se guarda en el Museo de Burgos, son tres tablas de roble recubiertas con cobre dorado decoradas a su vez con figuras esmaltadas. En el centro, encontramos una "maiestas domini" envuelta por la mandorla mística. Cristo está sentado sobre un arcoiris y está rodeado del tetramorfos. Con la mano derecha bendice y con la izquierda sostiene el libro. Tiene nimbo crucífero y a ambos lados de su rostro aparecen los caracteres griegos de la alfa y la omega, símbolo del principio y del final del mundo. A ambos lados, los apóstoles en dos baterías de seis representantes a cada lado, están bajo arquerías separadas por columnas y arquitecturas en relieve. Es el prototipo decorativo románico de los frontales de altar. Sobre el detalle de las vestiduras esmaltadas destacan las cabezas que sobresalen en bajorrelieve labradas con gran calidad. En la parte inferior hay unas arquerías que posiblemente llevarían unas columnillas para sostener en alto el conjunto. En esa zona hay marcas de fuego probablemente de las velas cercanas colocadas en su época. Es sin duda una de las pocas y mejores muestras de la técnica del esmalte románico hispánico.

140."La fragua de Vulcano" (1630) de Diego Velázquez

PINTURA BARROCA: Durante su primer viaje a Italia, Velázquez pintó esta magnífica obra. Fue una pieza que se realizó sin petición de encargo y fue vendido posteriormente a la corona española. Actualmente se puede contemplar en el Museo del Prado. Es un cuadro de temática mitológica extraído de "las metamorfosis" de Ovidio y refleja el momento en que el dios Apolo revela a Vulcano el adulterio entre Venus y Marte. Vulcano, esposo de Venus, queda sorprendido ante semejante noticia. Es un pasaje de poca tradición iconográfica, ya que era más habitual otro momentodel mito en que Vulcano apresa a los amantes con una red. El pintor se basó en sus conocimientos de estatuaria clásica para realizar las figuras de la composición que siguen los preceptos del claroscuro mezclados con tonos terrosos y que a su vez contrastan con la teatral aparición de Apolo. Sobre la bella cabeza de Apolo existe un estudio previo que se conserva en una colección privada norteamericana.

VIDEO: Enlace informativo

139."Lamentación sobre Cristo muerto" (1485) de Andrea Mantegna

PINTURA RENACENTISTA: Este óleo conservado en la Pinacoteca de Brera de Milán, presenta una certera imagen de Cristo muerto y yacente sobre una losa de mármol en posición casi perpendicular al espectador. Se la ha considerado uno de los escorzos más violentos de la historia de la pintura. Adelantándose a los pintores barrocos, Mantegna juega con un gran contraste de luces y sombras creando un ambiente de desolación y gran tristeza. Esta dramatización queda patente con los estigmas de las manos y de los pies, sin ningún tipo de idealización o retórica visual. Trabajó la sábana que cubre su cuerpo con un gran clasicismo y pegada a la anatomía del cuerpo. El tema de la lamentación de la muerte de Cristo era un tema habitual en el Renacimiento, pero jamás se plasmó con tanta rotundidad. Está rodeado por la virgen María y María Magdalena, que parecen ser añadidas posteriormente por el propio artista. Este cuadro podría haber estado destinado a la capilla funeraria del pintor, pero no se sabe con certeza, ya que fue vendido por sus hijos.

138."Erecteion de Atenas" (421-407 a.C.)

ARQUITECTURA GRIEGA: Este emblemático templo está ubicado en la zona norte del conjunto de la Acrópolis ateniense. Se construyó en honor a los dioses Atenea y Poseidón pero sobretodo fue dedicado al mítico rey Erecteo. Está hecho en mármol pentélico y se le ha asignado la construcción al arquitecto Filocles o bien a Mnesicles aunque no con total seguridad. Es de planta irregular debido a la bajada del terreno. Está realizado dentro del órden jónico y consta de tres pórticos con dos "cellas" y pronaos hexástilo. El más famoso es el que está sostenido por las emblemáticas cariátides. Son seis columnas en forma de figura femenina de más de 2 metros de altura cada una y que son las encargadas de soportar el peso del entablamento. Es una obra realizada en el famoso siglo de oro del gobernador Pericles. Como curiosidad del uso de este edificio en su devenir histórico decir que en el siglo VII fue una iglesia bizantina y que en 1463, el comandante turco que dominaba la zona, alojó allí a su harén personal.
VIDEO: Enlace informativo

137."Valley curtain" (1971) de Christo

ESCULTURA LAND ART: A finales de 1970, Christo y su esposa Jeanne-Claude, crearon una tela de 400 metros de largo para enlazar entre sí las laderas de Rifle Gap, en las Montañas Rocosas. La obra costó 230.000 dólares y grupos ecologistas del momento se quejaron ante el posible desperfecto medioambiental de esta mastodóntica instalación. Los 14.000 m2 de paño de color azafrán estaban engarzados por un cable de acero con trabillas y sujeto a dos barras metálicas laterales reforzadas con 200 toneladas de hormigón. La obra al final costó el doble pero pudo financiarse con la venta del "merchandising" artístico de esta inusual pareja de creadores. Su tendencia a "envolver" edificios o espacios naturales se había iniciado ya en 1958 envolviendo con papel y cuerda un bote de pintura. La megalomanía de su obra le llevó a realizar empresas tan espectaculares como ésta. El 10 de octubre de 1971 se pudo colgar esta inmensa cortina, base de la obra artística, pero fue rasgada por las inclemencias del viento. Se fabricó de nuevo otra y se ubicó en el mismo lugar el 10 de agosto de 1972 pero se tuvo que retirar 48 horas después de su colocación debido a una gran tormenta que asoló la zona. Esta obra efímera solo cuenta con el testimonio audiovisual que os invitamos a contemplar a continuación y que consta de 3 partes.
VIDEO: Enlace informativo

136."Fontana de Trevi" (1732-1762) de Nicola Salvi

ESCULTURA BARROCA: Está considerada la fuente más grande, más bella y más ambiciosa de la Roma del período barroco. Está situada en el cruce de tres calles donde antes había un acueducto de época romana llamado Aqua Virgo. Existía la tradición de construir una gran fuente al final de los acueductos y con el Renacimiento resucitó esta idea clásica. Ya en 1453, Alberti construyó una simple pila para anunciar la llegada del agua. En 1625, el papa Urbano VIII, en un momento clave del urbanismo en la ciudad de Roma, pide a Bernini una mejora de esa misma fuente. Su proyecto fue rechazado en favor del de Nicola Salvi y se iniciaron las obras ya en época del papa Clemente XII. El telón de fondo de este magnífico conjunto escultórico, con grandes influencias berninianas, es el palacio Poli realizado con un orden gigante de pilastras corintias que enlazan las dos plantas del edificio. El tema iconográfico es el de la doma de las aguas mezclando este elemento líquido, con roca tallada y con la arquitectura. Vemos tritones, caballos, a Neptuno en su carroza y alegorías de la abundancia y la salubridad. El centro está marcado por un arco triunfal y hay diversos bajorrelieves por toda la composición. El precario equilibrio de las figuras y el dinamismo de las mismas nos evocan al inminente rococó.

VIDEO: Enlace informativo

135."Baco adolescente" (1598) de Caravaggio

PINTURA BARROCA: Este delicioso "fanciullo" de la etapa "juvenalia" de Caravaggio es un óleo sobre lienzo que se conserva en la Galería Uffizi de Florencia. Fue un momento en el que estaba a las órdenes del mecenas y cardenal Del Monte donde vemos el interés humanista de la iglesia católica del momento. Fue un regalo del cardenal a Fernando I de Medicis por las bodas de su hijo Cosme I. En la pintura se representa a un joven dios Baco reclinado al estilo clásico con una naturaleza muerta en primer plano. Mientras toca suavemente su ropaje nos invita a unirnos a la fiesta ofreciéndonos provocativamente un cáliz con vino. Va tocado con hojas de parra y el fondo es neutro, como en la mayoría de sus cuadros: se le acusó equivocadamente de ser un mal paisajista. Contrasta la blancura de su cuerpo contra el fondo iniciando el claroscurismo, técnica que a lo largo del siglo XVII se fue consolidando, sobretodo en los pintores de los Países Bajos, como Rembrandt o Vermeer. La homosexualidad de Caravaggio le llevó a tratar con suma delicadeza, casi andrógina, a esos muchachos que tanto admiraba.

VIDEO: Enlace informativo

134."El marxismo dará salud a los enfermos" (1954) de Frida Kahlo

PINTURA SURREALISTA: Este óleo, ubicado en el museo de la artista Frida Kahlo y también conocido como La Casa Azul". En ella podemos ver a la propia pintora, en el centro de la composición, soltando sus muletas y un corsé de hierro, ambos elementos necesarios para subsistir después de su grave accidente de coche. Está sostenida por unas manos que representan al marxismo. Por si hubiese dudas, encontramos los símbolos de la águila norteamericana y el retrato de Karl Marx ahogando este emblema. También vemos un mapa del mundo con los países de China y la antigua Unión Soviética marcados en rojo. Intenta explicar con este cuadro que la mejor manera de vivir es aplicar esta doctrina al mundo. No solo la ha curado a ella sinó que ha conseguido acabar con el capitalismo norteamericano.

133."Torre Einstein" (1917-1924) de Erich Mendelsohn

ARQUITECTURA EXPRESIONISTA: Este es uno de los pocos ejemplos de arquitectura expresionista realizada en el período en que esta vanguardia estuvo de moda en Alemania. Esta torre es un observatorio astrofísico ubicado en un parque de Postdam, diseñada por el arquitecto Erich Mendelsohn. La utilidad de la misma era experimentar con la teoría de la relatividad de Albert Einstein. Fue diseñado para realizarse en hormigón pero por problemas estructurales finalmente se decidió construirlo en ladrillo y recubierto de estuco. Una vez finalizado el arquitecto se hizo acompañar por el propio genio para que diese el visto bueno a su obra de arte.

VIDEO: Enlace informativo

132."Claustro de Moissac" (1100)

ESCULTURA ROMÁNICA: La abadia de Saint Pierre de Moissac es uno de los grandes referentes europeos de la arquitectura románica pero también de la escultura, gracias a su espectacular claustro que tanto ha influenciado en el románico meridional. Vinculada al todopoderoso Cluny, fue consagrada de nuevo en 1047 después de un incendio y el claustro está datado aproximadamente sobre el 1100. Miden 31 m x 27 m las cuatro galerías que conforman este espacio comunitario donde arcadas de medio punto se unen gracias a columnas, en un total de 116 y en alternancia estructural sencilla y compuesta. Los capiteles presentan una decoración historiada en sus cuatro caras con escenas del Génesis, la Infancia de Cristo y otras escenas del Antiguo testamento. También, motivos fitomórficos y zoomórficos, decoran estos capiteles que han sido de referencia en los talleres tolosanos y sobretodo en el románico catalán.

131."Castillo de Neuschwanstein" (1866)

ARQUITECTURA NEOGÓTICA: És una de las obras neogóticas más impresionantes de Europa. Fue mandado construir por Luis II de Baviera, llamado el "rey loco". Es el edificio más fotografiado de Alemania y el destino turístico más popular del país. Se construyó en pleno siglo XIX, cuando los castillos y las fortalezas no eran necesarias para frenar la invasión de ningún pueblo. Fue una fantasía romántica de la época, una composición de torreones y muros que querían armonizar con las montañas circundantes. Combina eclécticamente gran número de estilos en esa obsesión historicista decimonónica. Se planteó como una gran escenografia teatral, sobretodo en sus interiores donde se albergan múltiples piezas de artesanía de gran calidad e imaginación, con un cierto regusto "kitsch" visto desde la óptica del siglo XXI.

VIDEO: Enlace informativo

130."Maestà del Duomo de Siena" (1308-1311) de Duccio

PINTURA GÓTICA: Está considerada la obra maestra de Duccio di Buoninsegna. Está realizada en temple sobre madera. Una vez acabada la pieza fue llevada en solemene procesión a la catedral de Siena, el 7 de junio de 1311. Tenía un reverso con diferentes escenas de la vida de Jesús y de María que se han desperdigado por diferentes museos europeos, cuando en 1795 fue separado de su anverso. Pero en el frontal, que es la parte de la obra más conocida, vemos centralizados a la Virgen con el niño como "sedes sapientiae", rodeados de una corte de veinte ángeles y de diecinueve santos. En la parte superior y a ambos lados encontramos el colegio apostólico. En la base del trono aparece una inscripción en latín que dice lo siguiente: "Santa Madre de Dios, causa de paz en Siena, seas vida para Duccio ya que así te pintó".

VIDEO: Enlace informativo

129."Inmaculada Concepción" (1768) de Tiepolo

PINTURA ROCOCÓ: Esta óleo sobre lienzo de Giovani Battista Tiepolo es uno de los siete que que decoraba la iglesia del convento de San Pascual de Aranjuez y que hoy en día se expone en el Museo del Prado. Es la aparición de la Virgen según se narra en el capítulo del Apocalipsis: las doce estrellas coronadas por la paloma vista como el Espíritu Santo, la ascensión arropada con un manto azul celeste sobre la esfera terrestre, con una media luna a sus pies, pisando a la serpiente símbolo del Diablo y que lleva en su boca la manzana de la tentación de Adán y Eva. La Virgen es la redentora del pecado original. Esta presentación del dogma de la Inmaculada Concepción de María se entiende como el único ser humano concebido sin pecado original. Los colores son claros, suaves y la iluminación deja de lado los claroscuros del Barroco para centrarse en los tonos dorados y pastel del siglo XVIII europeo.

128."Mosaico de San Apolinar in Classe" (s.VI)

ARTES MENORES: Dentro de esta bella basílica bizantina del siglo VI y contrastando con sus desnudas paredes interiores, nos encontramos con un hermoso ejemplo de mosaico en la zona de la cuenca absidal y el frontal del arco triunfal. En este espacio encontramos a Cristo en majestad rodeado del tetramorfos y debajo doce corderos que prefiguran los apóstoles, pero en el abside encontramos una gran cruz realizada con piedras preciosas. En su parte superior una "dextera domini" y a ambos lados encontramos a los profetas Elías y Moisés. Más abajo se extiende un bello paraje verde donde hay tres corderos más que miran hacia la cruz. Son la representación de San Pedro, Santiago y Juan y representan la transfiguración de Cristo en el Monte Tábor. En la parte más inferior encontramos a San Apolinar, primer obispo de Rávena con doce ovejas blancas que representan a sus fieles. En los intersticios de las ventanas encontramos a los cuatro obispos fundadores de las principales basílicas de la ciudad: Ursicino, Orso, Severo y Ecclesio.

127."La virgen del jilguero" (1505) de Rafael

PINTURA RENACENTISTA: En los inicios del manierismo italiano, Rafael creó esta delicada obra de arte en óleo sobre tabla que actualmente se conserva en la Galeria Uffizi de Florencia. Durante su estancia en esta bella ciudad ejecutó esta virgen María, con el niño y San Juan Bautista. Fue el regalo de bodas que le hizo el genial pintor a su amigo Lorenzo Nasi. En 1548 hubo un gran terremoto quedando la casa de Nasi destrozada y esta pieza fragmentada en dieciséis trozos. Fue restaurada poco después pero aun se pueden ver las juntas. Las tres figuras se mueven dentro de un triángulo con un cierto movimiento naturalista de los personajes. La virgen sostiene un libro simbolizando la sabiduría. San Juan está ofreciendo a Jesús un jilguero que prefigura su violenta muerte futura. Destacar la técnica del "sfumato" es las caras de los niños de tradición leonardesca.

126."Arco de Septimio Severo" (203)

ARQUITECTURA ROMANA: Está ubicado en un extremo del conocido Foro Romano. Fue erigido en el 203 para celebrar las victorias militares de los emperadores Septimio Severo y sus hijos. Este gran arco está realizado en mármol y mantiene la estructura clásica de los arcos triunfales: un arco principal mayor enmarcando dos de laterales menores. Ambas fachadas tienen ricas decoraciones en columnas y capiteles y destacan los bajorrelieves en los frisos. El conjunto estaba coronado por una cuádriga de bronce conducida por el emperador y sus hijos y que actualmente no existe. En el friso superior hay una dedicatoria dedicada a los grandes emperadores romanos anteriores. Este modelo ha servido como inspiración a posteriores obras parecidas como el arco de Constantino o el del Carrusel de París.

125."Casa de las Conchas" (1493-1517)

ARQUITECTURA PLATERESCA: La famosa Casa de las Conchas salmantina es un edificio civil tardogótico con la aplicación de los nuevos elementos decorativos del incipiente plateresco renacentista con toques mudéjares. Era un palacio encargado por Rodrigo Maldonado de Talavera que en 1701 pasó a ser restaurado y ampliado para convertirse en el siglo XIX en cárcel de la universidad. El nombre lo recibe por las características 300 conchas de Santiago que decoran su exterior. En esta memorable fachada y de manera asimétrica se encuentran las ventanas góticas más bellas, realizadas con tracería y rejería, de España. No solo su belleza se encuentra en el exterior ya que su patio interior en forma de claustro con arcos mixtilíneo,s destaca por el trabajo de su artesonado y de la escalera principal. Se dice que debajo de una de esas conchas se encuentra una onza de oro.

VIDEO: Enlace informativo

124."Edificio Bauhaus" (1919) de Walter Gropius

ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA: Para poder entender la Bauhaus hay que entender la filosofía de Walter Gropius. Fue el creador de este edificio y de la escuela que fundó en la ciudad de Weimar para, en pleno siglo XX, enseñar a sus alumnos a utilizar materiales modernos para hacer mobiliario y objetos funcionales. Después de un forzoso cambio de sede a la población de Dessau construyó un edificio que seguía aquella máxima de la "La forma sigue la función". El edificio se despliega en difentes espacios independientes diseñados según su función específica: aulas, talleres, viviendas, etc. Presenta una estructura racionalista basada en la arquitectura fabril que se estaba desarrollando en aquel momento, pero sin olvidar ciertos toques del renacimiento italiano. Pero como toda filosofía aplicada a los tiempos modernos no funcionó como debía y ciertas estancias no eran del gusto de los profesores por la diferencia de espacios según el rango. El uso de hormigón y acero hizo patente un nuevo estilo de construcción y un concepto del diseño que actualmente sigue estando de rabiosa actualidad.

VIDEO: Enlace informativo

123."Cenotafio mortuorio de María Cristina de Austria" (1798-1805) de Antonio Canova

ESCULTURA NEOCLÁSICA: Este monumento fúnebre se encuentra en el interior de la iglesia de San Agustín de Viena. Fue un encargo de Alberto de Sajonia a Antonio Cánova con el objetivo de rendir memoria a su esposa recién fallecida. Tardó siete años en realizar esta obra basándose en unos planos que no había utilizado para realizar otro cenotafio. El tema de este conjunto escultórico es la muerte vista desde un concepto poético. Ante una gran pirámide blanca con una puerta practicable encontramos una triste procesión. Sobre el dintel de la puerta encontramos la dedicatorio del marido y encima observamos un medallón sostenido por ángeles donde está la efigie de María Cristina de Austria. El grupo de personas camina cabizbaja hacia su destino final mientras las virtudes les hacen de acompañantes ante dicho trance. La alfombra que hay a sus pies es el vínculo alegórico entre la vida y la muerte.

122."Catedral de Laon" (1155-1235)

ARQUITECTURA GÓTICA: Es uno de los primeros exponentes del gótico francés en clara evolución del románico autóctono. Esta iglesia advocada a Santa María fue construída antes de Notre-Dame de París pero después de la paradigmática abadía de Saint Denis que anunciaba el inicio de las formas góticas. Igualmente, el espacio que ocupa actualmente esta catedral ya tenía un prededente prerrománico en el año 800 cuando Carlomagno consagró aquel primer cenobio. Ya en el siglo XII y gracias a la prosperidad de la ciudad se reconstruye una nueva iglesia más monumental que fue finalizada el 1235. El interior presenta el típico alzado del primer gótico francés con cuatro niveles: arcadas, tribuna, triforio y claristorio. En la fachada occidental encontramos la estructura de torres habitual del románico normando de gran monumentalidad. Destaca la pesadez de los elementos que la conforman, pero a la vez denota un cierto gusto por la luz gracias al enorme rosetón central y un cierto interés por remarcar la portada triple de acceso con escultura decorativa.

121."La bacanal de los andrios" (1520) de Tiziano

PINTURA MANIERISTA: Esta obra fue encargada por el duque de Ferrara, en Italia, para decorar el camerino de alabastro que tenía en su palacio ducal. Esta pieza formaba parte de otras tres que tenían que decorar aquella estancia. En este lienzo que actualmente pertenece al Museo del Prado vemos una escena mitológica en forma de bacanal en honor al dios del vino Baco. Es una fiesta que se realiza en la isla de Andros y proviene de la inspiración de una obra literaria llamada "Filostrato". Tiziano enfatiza el movimiento de los personajes en una línea diagonal de izquierda a derecha. El cuadro exuda la alegría de la celebración del vino donde el desnudo y el erotismo toma cierto protagonismo. Las figuras hablan, ríen, danzan creando una compleja trama de piernas y brazos. Todo un juego de líneas típico del manierismo italiano.

120."Martirio de San Felipe" (1639) de José de Ribera

PINTURA BARROCA: En esta obra maestra y de madurez de José de Ribera nos encontramos con los preparativos del martirio que dió muerte a este santo. Encuadrado en la escuela clásica española del barroco del siglo XVII, este lienzo toma su base iconográfica de la "Leyenda áurea" de Jacobo de la Vorágine, ya que según ésta, San Felipe murió crucificado con manos y pies atados a la cruz. La composición geométrica está marcada por las diagonales visuales típicas de este período y el escorzo, bastante marcado en el movimiento de sus personajes. Lo que destaca es el potencial teatral conseguido por el uso de la luz en la piel del santo potenciando el misticismo de la escena. Diversos personajes aparecen en la escena: los verdugos atando las cuerdas, a la derecha un grupo de curiosos y a la izquierda vemos a una mujer que sostiene a su hijo en los brazos y nos mira directamente a nosotros. Esta imagen femenina ha sido considerada la alegoría de la Caridad.

VIDEO: Enlace informativo

119."Calle de París, día lluvioso" (1877) de Gustave Caillebotte

PINTURA IMPRESIONISTA: Las etiquetas historiográficas utilizadas para delimitar los diversos estilos a veces nos dan problemas cuando hemos de catalogar ciertas obras de arte. Gustave Caillebotte, que aprendió su técnica pictórica dentro del realismo del siglo XIX, sufrió las influencias de grandes impresionistas como Millet o Courbet creando un tipo de pintura diferente. La intención realista en esta obra no nos deja indiferentes ante la característica de la meteorología. Los impresionistas experimentaron con una misma escena según la variabilidad atmosférica: sol, niebla, nieve... Aquí predomina la lluvia, las calles mojadas que refulgen, la magnífica perspectiva de dimensiones renacentistas y sobretodo el encuadre. Parece una instantánea tomada en pleno centro de París, en un momento en que la fotografía empezaba a infuenciar a la pintura.

VIDEO: Enlace informativo

118."Dama de Auxerre" (s.VII a.C.)

ESCULTURA GRIEGA: Es también mundialmente conocida como "Korai de Auxerre" y se encuentra alojada en el Museo del Louvre de París. Es una escultura griega de período arcaico realizada en piedra y con una altura aproximada de 65 cm. Es una de las primeras obras del denominado período oscuro de Grecia, un momento del que sabemos poco sobre aquella civilización. Hay dos hipótesis: una de ellas que fuera una representación de Perséfone y otra que estuviera policromada totalmente ya que se han encontrados restos de pintura. Fue encontrada por un empleado del Louvre en un museo de Auxerre y fue comprado para llevarlo a la capital.

117."La expulsión de Adán y Eva del paraíso terrenal" (1425-1428) de Masaccio

PINTURA RENACENTISTA: Es un espléndido fresco de Masaccio pintado en una pared de la Capilla Brancacci de la Iglesia de Santa María del Carmine en Florencia. Representa la conocida expulsión de Adán y Eva del paraíso pero marca dos diferencias iconográficas en relación al texto original del Génesis: el hecho de que vayan completamente desnudos y que el custodiador de la puerta del paraíso fuera un ángel y no un querubín. El arco que hay a mano izquierda tampoco se menciona en la Biblia. En esta capilla hay imágenes dedicadas a la vida de San Pedro, a excepción de esta escena y otra del Génesis echa por Masolino donde Adán y Eva en el paraíso de corte más goticista. La intención del conjunto pictórico es salvar a la humanidad realizada por Cristo mediante la actuación terrenal de San Pedro y por extensión, de la iglesia. Es una pintura viva y emocional, donde vemos el patetismo reflejado en el alarido de Eva y la contracción del vientre de los lloros de Adán. Eva cubre sus órganos sexuales en señal de dolor y Adán cubre sus ojos simbolizando la vergüenza. No hay dimorfismo sexual y los cuerpos són anatómicamente clásicos. En 1670, Cosme III de Medicis consideró desagradable el desnudo de Adán y obligó cubrir a ambos, sus considerables atributos con una hoja de higuera realizada al seco. En 1990, se eliminó estos añadidos en una restauración devolviendo la imagen original de la obra.

VIDEO: Enlace informativo

116."Edificio Chrysler" (1929) de William van Alen

ARQUITECTURA CONTEMPORÁNEA: Es uno de los rascacielos más impresionantes jamás creados y uno de los clásicos del art decó de principios de siglo XX. Esta ubicado en el East Manhattan y se ha convertido en un símbolo para la ciudad de Nueva York desde sus 319 metros de altura. Durante once meses fue el edificio más grande del mundo, ya que fue superado por otro compañero suyo a principios de 1931: el Empire State Building. El edificio fue construído con el dinero de la compañía automovilística Chrysler aunque en la actualidad pertenezca a las compañias TMW y Tishman. Se construyó a un ritmo de cuatro plantas por semanas y ningún trabajador murió durante la construcción. Como tenía el mismo tamaño que su homónimo del 40 Wall Street, le añadieron unos centímetros más para ser el edificio más grande del mundo. Su diseñador, William van Alen escondía el secreto de la negociación para colocar una aguja de acero inoxidable en el último piso. De esta manera conseguía ser el edificio y la estructura construída más grande del mundo, por encima de la Torre Eiffel. Es una construcción realizada en acero, hormigón y cristal pero destaca la ornamentación distintiva de la torre que está decorada con una imitación de los tapacubos de las ruedas de los coches de la marca Chrysler.

VIDEO: Enlace informativo

115."La lección de anatomía del Dr. Nicolas Tulp" (1632) de Rembrandt

PINTURA BARROCA: Es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt y fue encargado por un gremio de cirujanos de la zona flamenca y del cual, el tal Nicolaes Tulp era el más eminente de todos. Muestra una lección de anatomía donde una serie de médicos siguen la magistral clase alrededor de un muerto del cual conocemos su identidad: el criminal Aris Kindt, de 41 años, que había sido ahorcado el mismo día por robo. Algunos de los retratos corresponden a una serie de patrocinadores que promocionaron la obra. Especialistas actuales han contrastado la veracidad de músculos y tendones del brazo diseccionado y no sabemos como el pintor adquirió este conocimiento. El cadáver está representado como un Cristo presente, con la lividez típica de la muerte, que a su vez constrasta con los trajes negros de la moda de la época y la nula aparición de detalles de un fondo neutro. Es una de las muestras preclaras de qué es el claroscuro pictórico.
VIDEO: Enlace informativo

114."Palacio Ducal de Venecia" (1339-1343)

ARQUITECTURA GÓTICA CIVIL: Situado en uno de los laterales de la famosa plaza de San Marcos de Venecia, este palacio fue considerado, en su momento, uno de los más importante ejemplos de poder del antiguo reino. Iniciado en los siglos X-XI sobre un cuerpo central fortificado, fue retocado en diversas remodelaciones adquiriendo su aspecto exterior durante el gobierno de Bartolomeo Gradenigo. En 1424 se extendió el palació hasta tocar con la basílica de San Marcos, creándose una fachada de acuerdo con los espectaculares cánones del gótico flamígero. Destaca la presencia en fachada de enormes registros en forma de pórtico en la parte inferior y de ventanas de arco apuntado en la superior. El material es una combinación de mármol rosado y blanco. Los detalles en capiteles ornamentados, grupos escultóricos y óculos cuadrilobulados le da un aspecto único y diferente.

VIDEO: Enlace informativo

113."Venus de Milo" (s.II a.C.)

ESCULTURA HELENÍSTICA: La también conocida como Afrodita de Milos es una de las más famosas obras de la estatuaria de la antigua Grecia. Mide más de 2 metros de alto y se cree que representa a la diosa del amor y la belleza. Su nombre proviene del lugar donde fue hallada. La escultura está hecha en mármol (con diversos bloques invisibles) y se desconoce su autor, aunque se ha barajado el de Alejandro de Antioquía. La disposición de su cuerpo nos reporta una sensación de calma y elegancia a la vez que nos transmite naturalidad y realismo. La pulida superficie nos invita a acariciar su fría piel mientras nos contempla con una expresión de tristeza. Sensaciones que se extienden a una excelente volumetría y un cierto desequilibrio provocado por el "contrapposto". Si se hubieran mantenido los brazos, el de la izquierda hubiera pasado por delante dando más dinamismo y el de la derecha estaría alzado. El rostro que gira levemente a la izquierda rompe aún más, si cabe, la frontalidad de esta escultura exenta.

VIDEO: Enlace informativo

112."El bautismo de Cristo" (1450) de Piero della Francesca

PINTURA RENACENTISTA: Este cuadro está realizado en temple al huevo sobre tabla y actualmente se encuentra en la National Gallery de Londres. Está considerada, por algunos estudiosos, la primera obra pictórica de Piero della Francesca donde vemos a Cristo siendo bautizado, en el centro de la composición, por San Juan Bautista, mientras sobrevuela por encima de su cabeza el Espíritu Santo en forma de paloma blanca. Por debajo corre el río Jordán. En la parte izquierda se encuentran tres ángeles contemplando la escena y al fondo unos misteriosos dignatarios vestidos con ropajes bizantinos. Aparece un destacable esfuerzo en la aplicación de la perspectiva y un paisaje bastante realista en esta evolución previa hacia el manierismo.

VIDEO: Enlace informativo

111."Ópera de Sydney" (1957-1973) de Jorn Utzon

ARQUITECTURA EXPRESIONISTA: Aunque pueda sonar extraño por el período de construcción, esta maravilla del mundo está enclavada en las tendencias expresionistas del arte contemporáneo. El arquitecto danés Jorn Utzon, en presencia de la reina Isabel II, inauguró esta mastodóntica estructura en la bahía de Sydney, el 20 de octubre de 1973. Lo que más destaca de esta construcción son sus conchas prefabricadas en hormigón con formas esféricas que forman el tejado de la estructura. Éstas están recubiertas con más de un millón de azulejos blancos brilantes y ocres suaves en mate creando una forma en "V" realmente interesante. Mide 183 metros de altura y tiene una extensión lateral de 120 metros. Hay diversas salas en su interior y un restaurante, con una capacidad total para 5.500 personas.
VIDEO: Enlace informativo

110."Fuente del tritón" (1642) de Gian Lorenzo Bernini

ESCULTURA BARROCA: Es una estatua erigida en el Quirinal romano, muy cera de la magnífica Fontana de Trevi. Es una fuente espectacular fue ejecutada en mármol de travertino donde el dios marino Tritón aparece lanzando un gran chorro de agua de una caracola que tiene colocada en la cabeza, sentado sobre una enorme concha que a su vez está sujetada por cuatro delfines. Estos entrelazan una tiara papal (no en vano fue un encargo del papa Urbano VIII de la familia de los Barberini) con las llaves cruzadas y el símbolo heráldico de la familia que son una abejas. Esta fue la primera fuente de Bernini y fue diseñada para proporcionar agua a un acueducto de la zona. Fue el último gran encargo de este papa-mecenas.

VIDEO: Enlace informativo