109."Las bodas de Caná" (1563) de Paolo Veronese

PINTURA MANIERISTA: Es una de las obras más conocidas de Paolo Veronese. Está realizada en óleo y fue un encargo para el refectorio del monasterio benedictino de San Giorgio en Venecia, obra que estaba realizando Andrea Palladio. Este cuadro recoge la escena explicada en el Evangelio de San Juan, donde se produce el milagro de la conversión del agua en vino. La representación se hace al estilo de las grandes fiestas venecianas del momento, con gran fasto dentro de una arquitectura renacentista. Fue un escándalo, ya que el artista se entretuvo más en el concepto festivo de la imagen que no en el religioso, dándo al conjunto un halo de modernidad en su época. Hay alrededor de 130 figuras con arriesgados escorzos. Parece que el artista ha elegido el momento de los postres donde la gente ya está más distendida, proque en la mesa podemos contemplar frutas y dulces.

108."Elogio del horizonte" (1989) de Eduardo Chillida

ESCULTURA ABSTRACTA: A partir de un pequeño formato en corte escultórico, este mastodóntico monumento de 500 toneladas de peso y diez metros de altura, representa todo un homenaje a la naturaleza. Sobre un promontorio situado en un emplazamiento militar de antaño, Eduardo Chillida, realizó esta gran obra en un lugar privilegiado donde se puede contemplar todo Gijón, en Asturias. Realizado en hormigón armado a partir de dos pilares que actuan de soporte de una elipse abierta, esta obra acoge con sus brazos y a la vez parece que quiera echar a volar risco abajo. Las aparentes paredes desnudas y frías son un recodo para amparar el sonido del viento que crea música en su interior. Una fusión perfecta de paisaje y contemporaneidad.

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107."La balsa de la medusa" (1819) de Theodore Gericault

PINTURA ROMÁNTICA: Esta obra de juventud del artista Theodore Gericault impactó sobremanera a la Academia Francesa convirtiéndolo en uno de los mejores exponentes del romanticismo francés. Nos presenta las terribles consecuencias del naufragio de la fragata de la marina francesa "Meduse", que encalló frente a las costas mauritanas en julio de 1816. Por lo tanto, es una recreación pictórica de un hecho real. Unas 147 personas pudieron salir del barco gracias a una balsa improvisada, pero a lo largo de los trece días que estuvieron a la deriva solo se pudieron salvar 15 personas, que sobrevivieron gracias al canibalismo. La noticia tuvo repercusión mundial porque, además de remarcarse la proeza de los supervivientes, el capitán del barco los había abandonado a su suerte. Entraría dentro de la tipología de la pintura histórica de corte academicista, aunque destaca su asimetría, la crudeza representativa de los cadáveres y la luz mortecina y tormentosa. Una escena dramática que te introduce en la balsa por la cercanía de la misma a la base del lienzo.

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106."Niños en la playa" (1910) de Joaquín Sorolla

PINTURA POSTIMPRESIONISTA: Esta obra ejecutada por Joaquín Sorolla, en óleo sobre lienzo, está expuesta actualmente en el Museo del Prado. Representa una playa de límpidas aguas, con tres niños desnudos en la orilla y desnudos, que retozan boca abajo. Están jugando entre ellos aunque el del fondo parece más ajeno a la situación. Destacan los reflejos del sol en la piel brillante, con detalles físicos más marcados en el niño rubio que está en primer plano y que van desapareciendo en proporción hasta llegar al tercero y último. La paleta de colores no es demasiado amplia, con el uso básicamente de los tonos tierra y rosáceos para el barro de la playa y la piel de los muchachos. Es una escena espontánea que parece captada por una cámara fotográfica, con un encuadre detallista donde lo que menos importa es el paisaje.

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105."Abadia de Westminster" (1245)

ARQUITECTURA GÓTICA: Esta iglesia catedralicia es la que, desde su construcción, se ha utilizado como lugar tradicional para coronaciones y entierros de los monarcas británicos. La iglesia fue consagrada en 1065, aunque el primer cenobio era del 616. La abadía regida por monjes benedictinos tenía estructura románica, aunque se reconstruyó en estilo gótico entre 1245 y 1517, bajo el auspicio económico de los reyes entre Enrique III y Ricardo II. A partir de aquí, cambios y diversas reformas, siempre fieles a su pleno goticismo, la han convertido en una de las obras más majestuosas de Inglaterra.

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104."Arqueta de Leyre" (1004)

ARTE ISLÁMICO: Está considerada una de las joyas del arte hispanomusulmán y de sus suntuosos marfiles. Es una pequeña arca de marfil de colmillo de elefante que data de la época del califato omeya. Fue tallado bajo las órdenes del califa y por un tal Faray que destacó por su detalle y finura en la ejecución de los relieves que envuelven el esqueleto de madera. Estas piezas se realizaban para hacer regalos y ésta, en concreto, fue para el jefe político y militar Abd al-Malik al Muzaffar que estuvo en ese cargo durante el período califal de Hisam II y que a la vez había sido hijo del famoso Almanzor. Aunque perteneció al monasterior de Leyre (de ahí su nombre) actualmente se exhibe en el Museo de Navarra de la ciudad de Pamplona.

103."Puerta de Brandeburgo" (1788-1791) de Carl Gotthard Langhans

ARQUITECTURA NEOCLÁSICA: Es la entrada de acceso a Berlín a modo de propileos griegos. Obra del arquitecto Carl Gottard Langhans, está construída en piedra de arenisca y mide 26 m de alto por 66 de ancho. Sigue la línea del neoclasicismo inicial que se consolidó plenamente en el siglo XIX. Recuerda a los famosos accesos a la Acrópolis ateniense. Contiene cinco zonas de acceso, cuatro iguales y una central más amplia, con dos puertas menores a ambos lados. El orden utilizado es el dórico con columnas estriadas. Las partes superior e interior del intercolumnado contienen relieves con representaciones mitológicas dedicadas a Hércules, Marte y Minerva. Después de derribar la muralla de la ciudad en 1868, Johann Heinrick Strack, colocó a ambos lados dos pórticos mayores que le dan la actual y peculiar forma a esta conocida puerta monumental. Ésta ha sido coronada por una cuádriga de 5 m de altura obra del escultor Johann Schadow que representa a la diosa Victoria montada en un carro tirado por cuatro caballos y entrando triunfadora en la ciudad.

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102."La diosa" (1909) de Josep Clarà

ESCULTURA NOVECENTISTA: Es una escultura realizada en mármol por Josep Clarà, un artista catalán adscrito a la corriente del "noucentisme" y en concreto con el mediterraneísmo. La obra original se encuentra en el ayuntamiento de Barcelona. Realizada durante su estancia en París, el escultor la realizó para poder ingresar como socio de honor de la Nacional de Bellas Artes de Francia. Su primer nombre iba a ser el de "Enigma", pero se decantó por el de "La diosa" cuando fue expuesta en 1910 para la Exposición Nacional de Madrid donde es premiado con la primera medalla de escultura. En 1927 recibió el encargo de hacer otra versión de la obra y una de la juventud para colocarlas en la Plaza Cataluña de la ciudad condal de cara a la Exposición Universal de Barcelona de 1929, pero por la desnudez de las piezas fueron retiradas aunque el día antes de la inauguración de la muestra internacional volvieron a colocarse. Como homenaje hoy se mantien una copia en dicha plaza realizada por Ricard Sala.

101."La joven de la perla" (1665) de Johannes Vermeer

PINTURA BARROCA: Esta obra del maestro flamenco Vermeer también recibe el nombre de "Muchacha con turbante", aunque el de "La joven de la perla" alude al pendiente que cuelga de su oreja y que se convierte en el punto focal de la obra. También se la ha denominado la "Mona Lisa" del norte. No sabemos si esta obra fue un encargo, pero lo que sí tenemos claro es que no es una pieza convencional. Parece ser que era un "tronie" o estudio pictórico de una cabeza, en este caso femenina, pero sin ninguna intención retratística. Es verdad que la obra general de este pintor es rara y en más de una ocasión se han hecho falsificaciones. Una reciente restauración ha realzado los contrastes del claroscuro de la expresiva cara en relación con el fondo.

100."Virgen en majestad" (1286) de Cimabue

PINTURA GÓTICA: Esta obra es también conocida como "Virgen con el niño, ángeles y profetas", que al fin y al cabo, son todos los presentes en esta pieza realizada en temple sobre madera. El marco pictórico tiene forma apuntada en su parte superior y el fondo está pintado con pan de oro. La Virgen es de tipo "odegitria", es decir, señala al niño Jesús que está sentado en sus rodillas, como único camino de salvación para los humanos. En la base se encuentran cuatro profetas Jeremñias, Abraham, Isaías y David que están sorprendidos ante la aparición mariana. A ambos lados del trono divino se encuentran una serie de ángeles superpuestos. Existe una evidente influencia bizantina en el hieratismo de las figuras, pero también en las tonalidades de los ropajes y el uso excesivo del oro. Hay un cierto recuerdo a las figuras románicas, pero vemos una intencionalidad hacia el naturalismo ideal quel primitivo renacimiento.

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99."Brighton Royal Pavillion" (1815-1822) de John Nash

ARQUITECTURA PINTORESCA: Esta antigua residencia real de Jorge IV de Inglaterra se construyó como palacio de retiro a orillas del mar debido a la gota que sufría el monarca. Sobre un primer edificio anterior y ampliado por Henry Holland, el arquitecto John Nash rediseñó toda la vivienda a principios del siglo XIX. En un período donde se pretendía volver a los estilos anteriores y debido a la influencia colonialista de la India que aún estaba bajo el imperio británico, el rey decidió darle una aire hindú a la decoración interior, con toques chinos, pero sobretodo a la exterior donde también hay ciertos toques de la arquitectura mogul. Es un gran ejemplo de exotismo en el diseño y una alternativa paradigmática al neoclasicismo del momento.

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98."Iglesia de Santa Coloma de Andorra" (?-1040)

ARQUITECTURA PRERROMANICA: Es uno de los edificios más interesantes del prerrománico andorrano. Ya aparece citada en las actas de consagración de la catedral de la Seu d'Urgell de 1040, pero su construcción es más probable de los siglos IX-X. La nave de la iglesia es basilical, con ábside cuadrangular, con portada en arco de medio punto y pórtico lateral. Destaca su torre-campanario circular de 17 metros de altura, muy típica de la zona. En ella vemos cuatro pisos de ventanas geminadas con decoración lombarda y techado de forma cónica. Las cubierta de la nave es de madera y los tejados de pizarra. La iglesia tuvo una decoración mural importante, pero actualmente solo se conserva "in situ" la representación de un "agnus dei", ya que el resto fue exportado y recolocado en un museo de Berlín.

97."Spiral jetty" (1970) de Robert Smithson

ESCULTURA LAND ART: Esta gigantesca obra del artista conceptual norteamericana de Robert Smithson está ubicada en el desierto de Utah en Estads Unidos. Se utilizaron 5.000 toneladas de basalto negro que iniciaban un recorrido en forma de espiral minimalista desde la orilla del Great Salt Lake hacia el interior. El "land art" pretendía realizar un arte utilizando los recursos de la naturaleza cambiándola a modo de gran molde escultórico aunque estuviera sometido a agentes climáticos o naturales. Algunas de estas piezas con el tiempo han desaparecido y solo tenemos el testimonio fotográfico o audiovisual del acto artístico (clickad). Esta obra pertenece a la fundación Dia Art que estudia los cambios efectuados sobre ella debido al agua, la lluvia o el viento.

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96."Salero de Francisco I de Francia" (1539) de Benvenuto Cellini

ARTES DECORATIVAS: No todo en el mundo del arte tienen que ser grandes piezas. Un simple salero, si está realizado por un gran maestro como Cellini, tiene el mismo valor que una escultura o una pintura. Esta obra decorativa de 26 cm x 33 cm, está realizada con la técnica de la fundición según unos modelos realizados por un cardenal llamado Hipólito de Este. Representa a dos figuras, una masculina que es el mar como Neptuno y una femenina que es la tierra como Ceres. El recipiente que guarda la sal es extraíble y está al lado de figura varonil. Es oro puro y pasó a ser una pieza de los Habsburgo cuando Carlos IX de Francia la regaló a esta insigne familia real europea. Fue realizado en un estilo renacentista tardío, más cercano al manierismo.

95."Ophelia" (1851) de John Millais

PINTURA PRERRAFAELITA: John Everett Millais fue uno de los mejores ilustradores y pintores británicos del siglo XIX. Miembro fundador de la "Hermandad prerrafaelita", que apostaban por un arte más libre fuera de los cánones del academicismo de la época y buscan el italianismo puro del período del "trecento" de Giotto, aplicado a la minuciosidad y el detallismo de sus composiciones. El realismo, la belleza del mundo natural y su complejidad se hacen patentes en pinturas como esta "Ophelia" donde vemos a este personaje shakespeariano entregado en el momento justo de la muerte tras enloquecer. La creación de los planos pictóricos de diversas naturalezas le da una gran materialidad visual. Es la captación de un momento, de una impresión, adelantándose y valga la redundancia, al concepto impresionista.

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94."El jardín de las delicias" (1480-1490) de El Bosco

PINTURA RENACENTISTA: Esta obra es la más conocida del pintor holandés Hyeronimus Bosch, más conocido como El Bosco. Es un tríptico de casi 4 metros de largo por 2 de alto compuesto por una tabla central y dos laterales menores y pintadas por delante y por detrás. Es una obra de gran simbolismo que aún no ha sido acabada de descifrar, aunque parece que se ejecutó como obra moralizante contra posibles herejías. Para no hacer demasiado larga esta explicación os vamos a remitir a un enlace de esta obra que la explica con gran exactitud (clickad). Tan solo apuntar que el tríptico cerrado tiene una representación de un globo terráqueo dentro de una esfera que representa la gran fragilidad del mundo. Una vez abierta la pieza encontramos en el panel izquierdo el Génesis y el Paraíso, en el derecho el Juicio Final y en el gran espacio central "El jardín de las delicias", cuando la humanidad ya ha sucumbido al pecado y a la lujuria. Está considerada una de las piezas más misteriosas de la historia del arte.

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93."Home Insurance Building" (1884) de William Le Baron Jenney

ARQUITECTURA ESCUELA DE CHICAGO: De este primer rascacielos realizado en acero estructural y hormigón, solo tenemos estas fotografías y algunas litografías de la época porque fue derruído en 1931. Este pionero de la superposición de viviendas una sobre otra, constaba de 42 metros de altura, pero tan solo 10 pisos aunque en aquella época era considerado mastodóntico. Las posibilidades constructivas del momento privaron a Le Baron Jenney de levantar más plantas. Él fue uno de los precursores de esta tendencia arquitectónica que se desarrolló en Chicago, una ciudad en expansión que sufrió la especulación de los terrenos, lo que comportó la necesidad de construir en vertical. Las nuevas estructuras metálicas, el uso de pilares de hormigón armado, las ventanas horizontales y el desarrollo del ascensor eléctrico hicieron posible un estilo precursor que ha llevado a lo largo del s.XX y XXI a realizar rascacielos de hasta 800 m de altura.

92."Hera de Samos" (570-560 a.C.)

ESCULTURA ARCAICA: La conocida Hera de Samos o "koré" de Samos es una escultura tipo "koré" o estatua femenina de aquel período griego esculpida en pie, realizada em mármol y con cánones de belleza estereotipados. La versión másculina de este formato decorativo era el "kuros". La pieza fue encontrada en la famosa isla y pertenece a un santuario o templo consagrado a la diosa Hera hallado en esa misma zona y que es Patrimonio de la Humanidad.

91."Catedral de Siena" (1215-1265)

ARQUITECTURA ROMANICA: El "duomo" de Siena, Italia, dedicada a nuestra Señora de la Asunción, es un prodigio arquitectónico de la transición del románico al gótico italiano. Tiene forma de cruz latina con crucero y un campanario. Tiene toda una estructura cupular de forma octogonal con una graciosa linternilla externa realizada por Bernini. Tanto el exterior como el interior están construídos con mármol rayado blanco y verdoso, aunque en la fachada predomina el rojo. Se intentó ampliar durante el siglo XIV pero las obras iniciadas no llegaron a buen puerto.

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90."Sagrada familia" (1503) de Miguel Angel

PINTURA RENACENTISTA: Esta obra también es conocida mundialmente como "Tondo Doni", por ser redondo y ser un encargo del rico tejedor Agnolo Doni. Tiene un diámetro de 120 cm y se conserva en la Galería de los Uffizi en Florencia. Está realizada en témpera y óleo, creando un efecto bastante efectista y diferente a los pintores flamencos del momento. El soporte donde se aplicó la pintura no es lienzo sino madera, único panel de este material que Miguel Angel utilizó a lo largo de su obra. Vemos en primer plano a la Virgen con el niño y detrás a San José, todos ellos de grandiosas proporciones. Lo que están haciendo es presentarnos a Jesús a los espectadores. Detras de ellos vemos una balaustrada y unos jóvenes desnudos que no han sido considerados iconográficamente, aunque se ha barajado la posibilidad de que fueran ángeles ápteros (sin alas). Tampoco es de extrañar su presencia ya que en obras como la "Capilla Sixtina" estos desnudos eran habituales.

89."El grito" (1893) de Edvard Munch

PINTURA EXPRESIONISTA: "El grito" es el título de varios cuadros, con la misma temática, que el noruego Edvard Munch pintó entre 1893 y 1896. La versión más famosa es ésta y es la que se encuentra en la Galería Nacional de Oslo. Esta obra fue robada en 1994 y recuperada ocho semanas más tarde gracias a la acción policial. Esta pintura y las otras adaptaciones muestran a una figura andrógina en primer plano que representa al hombre moderno en un momento de angustia y de desesperación. El paisaje de fondo es la ciudad de Oslo visto desde una de sus colinas y sobre el puente vemos a dos personas tocadas con sombrero como testimonios mudos de un momento dramático. Prefigurador del movimiento expresionista, este cuadro tiene su fuente de inspiración en la atormentada vida del artista.
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88."Código Hammurabi" (1692 a. C.)

ESCULTURA MESOPOTÁMICA: Es el conjunto de leyes más antiguo que se ha encontrado de la civilización y uno de los mejores conservados en su categoría. Pertenece a la época dorada de la cultura mesopotámica y se basa en ley de Talión. La intención era la de divinizar la imagen del rey Hammurabi que recibe la ley de manos del dios de la justícia Shamash. Este código está tallado sobre una piedra de basalto de más de dos metros de alto y se colocó en el templo de Sippar. La intención de estos relieves en lugares de culto o públicos era homogeneizar las leyes impuestas por el rey y que todo el mundo las conociera. La escritura es cuneiforme acádica y actualmente se puede contemplar en el Museo del Louvre de París.

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87."Hotel W" (2009) de Ricardo Bofill

ARQUITECTURA SIGLO XXI: Aunque criticado por su emplazamiento, este bello hotel construído por el prestigioso arquitecto catalán Ricardo Bofill, recibe el cariñoso nombre de Hotel Vela, por la forma de su cuerpo central que emula la vela de un barco. Inicialmente se quería levantar el edificio hasta una altura de 170 metros, pero al final se quedó en 99 para no romper tanto con el "skyline" del litoral barcelonés. Es un hotel de 5 estrellas de gran lujo y está realizado en acero y vidrio reflectante, aprovechando de esta manera la luz natural y con unas espectaculares vistas al mar, en cualquiera de sus 476 habitaciones. Mantiene la línea sobria de este arquitecto. que utiliza en sus construcciones las líneas puras y racionalistas que pueden recordar a los rascacielos de Mies van der Rohe.

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86."Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa" (1434) de Jan Van Eyck

PINTURA FLAMENCA: En esta obra apreciamos el retrato del rico mercader Arnolfini y de su esposa embarazada Jeanne Cenami, en su casa de Brujas, ciudad portuaria donde establecieron su vivienda. Es uno de los primeros retratos no hagiográficos de la historia del arte. La pareja aparece de pie en su alcoba mientras que el marido bendice a la mujer, Ella apoya su mano sobre el vientre con actitud indolente. Es una pose ceremonial y muy hierática, en una escena costumbrista poco habitual en la época y donde todos los detalles que conforman la estancia están realizados con gran meticulosidad. Destaca tambien la luz y la perspectiva tan estudiada en la pintura renacentista.

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85."Catedral de Colonia" (1248-1880)

ARQUITECTURA GÓTICA: Aunque la catedral se inició en 1248, se tardaron seis siglos en finalizar las obras de esta mastodóntica iglesia de 157 metros de altura. Durante muchos años fue el edificio más alto del mundo y fue declarada Patrimonio de la Humanidad en 1996. Es la segunda catedral más grande en espacio del mundo, después de la de Sevilla. A principios del siglo XIX y con la aportación del romanticismo alemán y su gusto por el pasado medievalista, decidieron finalizar el inconcluso templo. Federico Guillermo IV de Prusia destinó fondos para la conclusión de tan magna obra rematada con tendencias neogóticas. Con la II Guerra Mundial sufrió grandes destrozos, aunque la estructura se mantuvo intacta. La finalización de la obra se realizó en el denominado estilo "flamígero" de finales de siglo XIV.

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84."Convento de San Esteban" (1524-1610)

ARQUITECTURA PLATERESCA: Este bello conjunto arquitectónico formado por el convento y la iglesia de San Esteban, fue una construcción realizada por la orden dominica. La fachada está conformada por la puerta principal de la iglesia y del pórtico de acceso a la zona conventual que hace ángulo recto. La portada principal es una de las más hermosas de esa forma de entender el Renacimiento por tierras castellanas. Inscrita en un arco de triunfo encontramos una puerta-retablo debajo de una bóveda de cañón profusamente decorada. En la zona centro encontramos el martirio de San Esteban y en la parte superior escenas del Calvario. El interior de la iglesia tiene planta de cruz latina decorada con motivos góticos, renacentistas y platerescos. Lo mismo sucede en el espectacular claustro de dos pisos que mezcla estos estilos con gran armonía. Las bóvedas de las crujías son de crucería y en el centro del patio encontramos un simpático templete. Destacar la hermosa escalera de Soto y como no, el retablo mayor de José de Churriguera.

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83."Venus de Médici" (s. I a.C.)

ESCULTURA ROMANA: Es una escultura de período helenístico, realizada a escala real y que representa a la diosa griega Afrodita. La llamada "Venus de Médici" es una copia romana de un escultor anónimo que seguía la perfecta técnica de Praxíteles. La pose de la figura es muy espontánea, ya que se cubre los pechos y el sexo como si hubiera sido encontrada emergiendo del mar, tapando sus partes pudendas. Esta teoría marítima se refuerza con la aparición del delfín que hace la función de pseudo-apoyador. Al igual que la Venus de Cnido fue hallada sin brazos, pero en una restauración posterior se la dotó de éstos ya en el siglo XIX. Hay diversas versiones de esta tipología de escultura praxiteliana pero la que se conserva en la Galería Uffizi florentina es, sin duda, la copia romana auténtica.

82."El origen del mundo" (1866) de Gustave Courbet

PINTURA REALISTA: "L'origine du monde" es uno de los cuadros más escandalosos y a la vez vergonzantes del siglo XIX. En aquel período, la Academia Francesa regía las formas estilísticas de los pintores galos decimonónicos. Aquellos que no eran aceptados por los académicos para exponer en su Salón no podían triunfar, ya que en aquel período aún no estaban en marcha las galerías de arte privadas. Courbet, uno de los "enfants terribles" de la pintura francesa, nos quiso presentar el primer plano de un pubis femenino con una cruda y extrema realidad, lo que supuso para el pudoroso espectador una fuerte impresión de sensualidad y erotismo. Esta pieza, única del período, por su radicalidad y peculiar encuadre, quedó proscrita hasta que vio la luz, en 1988, en una exposición de Nueva York. No olvidemos, que en aquel período, el desnudo femenino estaba aceptado pero siempre visto desde la "excusa" mitológica y dentro de un idealismo pictórico. El realismo de este pintor y de otros de su generación presentaron a la sociedad y a las personas con la veracidad que necesitaba un siglo donde las revoluciones sociales y políticas se sucedían una detrás de la otra.

81."Casa Schröder" (1924) de Gerri Rietveld

ARQUITECTURA NEOPLASTICISTA: Es una casa particular diseñada por Rietveld para la Sra. Schröder-Schrader en la población de Utrecht, en Holanda. Esta vivienda fue concebida para que llevara el menor número de paredes posibles y es una de las muestras más interesantes de la arquitectura del movimiento "De Stijl" o neoplasticista, una tendencia que en pintura tuvo su máximo representante en Piet Mondrian y que a nivel arquitectónico comportó una ruptura con las formas de finales del siglo XIX. El interior es dinámico y abierto, con una planta más tradicional con la típica escalera de acceso al piso superior pero con la gran novedad de las paredes móviles convertidas en paneles y que podían reconvertir nuevos ambientes en las zonas del salón, del baño o de los dormitorios. La fachada es un conjunto de planos horizontales y verticales realizados a conciencia para que parezca que los muros exteriores también pueden moverse, elemento imposible para la lógica estabilidad de la construcción. Esta estructura de diseño comportó un buen grupo de balcones con decoración minimalista externa donde encontramos los tres colores típicos de este movimiento (amarillo, rojo y azul) siempre dispuestos en planos rectos, nunca diagonales y el gris y el negro para destacar ventanas y puertas. Es una casa que pertenece al patrimonio de la humanidad de la UNESCO.

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80."Bicha de Balazote" (s. IV a.C.)

ESCULTURA ÍBERA: Esta pieza recibe el nombre del término municipal de Albacete donde fue hallada. Los arqueólogos franceses que estudiaron la pieza la asociaron a la forma de una cierva, de ahí que se le denominara "biche" castellanizándose en "bicha". Posteriores excavaciones en la zona han confirmado un túmulo ibérico dentro de una necrópolis donde esta escultura podía tener una función funeraria. Cerca también se han hallado mosaicos de una villa romana. Está realizada en dos bloques de piedra caliza en un intento antropozoomórfico de representar un cuerpo animal y una cara barbada que se gira al espectador en una posición altiva. Vemos un cierto aire de la Grecia arcaica en el hieratismo de la cara y en los surcos geometrizantes del cabello y barba. Puede ser considerada un símbolo de fertilidad o fecundidad asociado a algún personaje importante del momento.

79."Santo entierro" (1605) de Caravaggio

PINTURA BARROCA: Este espectacular óleo sobre un lienzo de 3 metros de alto por 2 de ancho se conserva en la Pinacoteca Vaticana. Originalmente se colocó en el altar de la iglesia de Santa Maria in Vallicella donde en la actualidad se conserva una copia de la obra. Existe bastante innovación en este cuadro, desde la perpectiva del renacimiento y en esa evolución del manierismo hacia el barroco. Fue una pieza altamente valorado por los entendidos del momento donde vemos a San Juan y a San Nicodemo recogiendo el cuerpo de Cristo, mientras que las tres Marías se lamentan por la muerte del Hijo de Dios. Son imágenes muy naturalistas en su pena y en su gesticulación. Además, las imágenes de Jesús descendiente realizadas en Italia no son sangrantes, en comparación con las de la escuela española del momento. También hay que destacar la fuerza expresiva de las caras, todas ellas enmarcadas en un espacio simétrico entorno al sepulcro que surge en diagonal de la profundidad del cuadro, donde el claroscuro en primer plano contrasta con las tinieblas del fondo.

78."Iglesia votiva de Viena" (1853-1879)

ARQUITECTURA NEOGÓTICA: La "Votivkirche" fue proyectada por Heinrich von Ferstel en el denominado estilo neogótico o "revival" decimonónico de este estilo de la alta edad media. Se inauguró en 1879 debido a un jubileo. Fue el rey Francisco José I, que tras sufrir un atentado ordenó contruir esta espectacular catedral como voto religioso. Se intentó crear un mausoleo de insignes famosos para ser enterrados en el interior pero al final no se llégó a realizar. En su interior destacamos dos capillas: el altar de Amberes tallado en un estilo auténtico de gótico tardío y la capilla de México, en honor al emperador de ese país Maximiliano y hermano del rey. Su exterior presenta todos los rasgos de copia del gótico flamígero de gran verticalidad y el tejado decorado con mosaicos.

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77."Retrato de Mae West que puede utilizarse como apartamento surrealista" (1934) de Salvador Dalí

PINTURA SURREALISTA: Es una de las obras más controvertidas del genial artista catalán Salvador Dalí. Realizada en "gouache" sobre vulgar papel de periódico mide 31 x 31 cm y se encuentra en el Instituto de Arte de Chicago. Esta pieza fue trabajada sobre una fotografía de la polémica actriz Mae West que salió publicada en un rotativo de la época. A partir de esta foto, el artista crea un escenario realista en forma de apartamento utilizando los rasgos faciales de la actriz como si de mobiliario u ornamentos se tratara. Por ejemplo, el pelo es usado como una cortina, los ojos simulan cuadros colgados en una pared y la boca se convierte en un cómodo sofá rojo. Esta imagen final llevó a Dalí a encargar, en los años 30, un tresillo semejante por petición de Edward James y a finales de los años 60, con la ayuda del arquitecto español Oscar Tusquets, reprodujeron dicho apartamento surrealista en tres dimensiones para el Teatro-Museo Dalí de Figueras, en Girona.

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76."Torre de Belem" (1514-1520)

ARQUITECTURA MANUELINA: Esta magnífica muestra del gótico manuelino es una obra del arquitecto portugués Francisco de Arruda. Su construcción fue ordenada por el rey Manuel I de Portugal (de ahí el nombre de este estilo) junto a la del espectacular monasterio de los Jerónimos. Situada a orillas del río Tajo, en el barrio de belem de la ciudad de Lisboa, este bello monumento con influencias orientalizantes, deja de ser una torre de homenaje para convertirse en un baluarte para la artillería en caso de guerra. La decoración exterior contiene sogeados en piedra, galerías abiertas, almenas de recuerdo mozárabe y elementos zoomórficos labrados en su estructura. El interior mantiene la sobriedad gótica en laa zonas destinadas a la antigua prisión y a la zona de armería.

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75."Mujer y pájaro" (1983) de Joan Miró

ESCULTURA ABSTRACTA: Esta fue la última de las esculturas de grandes proporciones realizadas por el genial artista catalán Joan Miró. El autor no pudo ir a la presentación de esta magnífica obra ya que estaba enfermo, no en vano tenía 90 años. Esta pieza tiene connotaciones políticas, ya que fue la primera expresión de arte público realizada en Barcelona tras la instauración de la democracia. Esta enorme figura está colocada en el parque que recibe el nombre del artista y al pie de un gran lago artificial. Está realizada en hormigón puro y tiene 22 metros de altura. La forma insinua a una mujer tocada con un sombrero y sobre éste reposa un pájaro. La silueta femenina es un poco amorfa y está recubierta con la técnica catalana del "trencadís" realizada por el ceramista Joan Gardy Artigas y con los colores habituales de los cuadros de Miró: rojos, amarillos, azules y verdes.

74."Lluvia, vapor y velocidad" (1844) de Joseph Turner

PINTURA ROMANTICA: Esta excelente obra conservada en la National Gallery de Londres es un ejemplo del nuevo paisajismo realizado en Inglaterra con esa ansia renovadora y subjetiva de Joseph Turner. Lo primero que destacaremos es la novedad temática del ferrocarril, ya que era un medio de transporte muy reciente y hasta entonces no había sido representado en ninguna pintura. Al igual que otros pintores más academicistas rechazaban los modernos elementos de la industrialización, Turner los admiraba y pinta esta locomotora pasando a gran velocidad sobre el puente de hierro (otro elemento moderno) de Maidenhead. Igualmente, la excusa del tren es desmaterializar el paisaje que envuelve la imagen y que preconiza los colores complementarios de Chevreul utilizados por los impresionistas finiseculares. La luz es muy intensa y refleja más una emoción que una realidad, consiguiendo esa calidad romántica en su factura final. Los elementos sólidos apenas son insinuados y esto lo consigue rascando la pintura una vez colocada sobre el lienzo y en seco. Un pequeño paso hacia la futura abstracción del siglo XX.

73."Casa danzante" (1997) de Frank Gehry

ARQUITECTURA DECONSTRUCTIVA: Este famosísimo edificio contemporáneo ubicado en la zona este del río Moldava de la bella ciudad de Praga, fue una apuesta radical y moderna del prestigioso arquitecto Frank Gehry con la ayuda inestimable del gabinete de Vlado Milunic. Fuera de la línea racional de la arquitectura de principios de siglo XX, las nuevas tendencias finiseculares llevaron a un tipo de construcción donde las líneas daban paso a las curvas, las diagonales y a los trapecios. Formas que creaban conflictos de delineación y de perspectiva visual creando inestabilidad y sensación de maleabilidad en el denominado deconstructivismo. La idea de desmontar aquello construído racionalmente llevó a esta obra y a otras, a crear exteriores atípicos como en este caso donde la parte delantera del edificio recuerda a dos bailarines: el hombre con la cúpula "peluda" y la mujer con esa forma que recuerda a un diávolo en vertical. También es conocido por el edificio "Ginger y Fred" en honor a aquellos grandes bailarines del mundo del cine.

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72."El escriba sentado" (2480-2350 a.C.)

ESCULTURA EGIPCIA: Es una de las estatuas más representativas de la Imperio Antiguo egipcio y la mejor conservada de toda la civilización egipcia. Es una pieza de gran calidad realizada en pleno momento de gloria y los escribas, trabajadores reales de gran importancia en un estado muy centralizado, fueron frecuentemente representados. Se halló en una necrópolis cercana al Nilo, frente a la ciudad de Memfis, y representa un alto funcionario del momento en posición sedente. Tiene las piernas cruzadas y sostiene un papiro desplegado encima de ellas. Está a punto de realizar su trabajo con un cálamo (perdido) en su mano izquierda y ataviado con un "shenti". El cuerpo está hecho en piedra caliza y los ojos son de cristal de roca, cuarzo y ébano, con una mirada viva. La policromía está bien conservada y mantiene la actitud hierática y expectante. Actualmente se puede contemplar en el Museo del Louvre.

71."El mendigo" (1650) de Murillo

PINTURA BARROCA: No olvidemos que a este pintor español del barroco es conocido por sus magníficas obras pictóricas religiosas. Pero al igual que otros pintores coetáneos como Ribera, también puso en marcha su vena realista, dejando de lado alegorías y pasajes bíblicos. La aplicación del realismo en obras de género era un hecho habitual sobretodo en la pintura flamenca. Aquí vemos a un joven mendigo, más bien un golfillo, que harapiento parece estar despiojándose. Vemos los pies sucios pero tampoco es un muchacho macilento. Parece más bien uno de los pícaros típicos del período y que bien podría aparecer en novelas como "El lazarillo de Tormes" o "Rinconete y Cortadillo". La sobria estancia está decorada con un cántaro, unas manzanas y restos de crustáceos al estilo de un bodegón improvisado. La escena contiene un fuerte claroscuro típico del período de influencia caravagista, destacando los tonos amarillentos y ocres. Las líneas de composición son diagonales típicas de las formas barrocas del momento.

70."El lavatorio de pies" (1548) de Tintoretto

PINTURA RENACENTISTA: Esta excelente pieza de Tintoretto está considerada como una de sus obras cumbre. Realizada al óleo, es un imponente lienzo de más de 2 metros de largo que podemos encontrar en el Museo del Prado de Madrid. Es la representación de una escena narrada en el Evangelio de San Juan, donde, a lo largo de la Última Cena, Jesucristo lava los pies a sus discípulos como símbolo de humildad y fraternidad. San Pedro intenta negarse ante el gesto del maestro y es el momento que el pintor presenta en la parte derecha de la composición. La mayor parte del cuadro la ocupa la estancia y la mesa ubicada en un espacio arcádico donde la perspectiva presenta su mejor geometría. Vemos a diversos apóstoles descalzándose y el milagro de San Marcos en segundo plano. La arquitectura es de reminiscencias clásicas y evocadora de una Venecia prerromana, ya que vemos al fondo del todo, barcas en los canales. Durante mucho tiempo, esta obra decoró el presbiterio de la iglesia de Santa Marcuola, que se encuentra en la ciudad del Lido.

69."Partenón" (447-432 a.C.) de Fidias

ARQUITECTURA GRIEGA: Es el monumento más importante de la civilización helenística del período antiguo. Este templo de estilo dórico mide 70 m de largo por 30 m de ancho por 10 m de altura. Mucha gente no sabe que previamente a este templo había uno anterior que fue destruído por los persas en las Guerras Médicas y llamado Hecatompedón. Es una construcción realizada en casi toda su totalidad en mármol e iniciada por Pericles para agradecer a los dioses su triunfo militar contra los aguérridos persas. Los arquitectos encargados de la obra fueron Ictino y Calícrates, bajo la supervisión del gran arquitecto y escultor Fidias. El Partenón ha mantenido su carácter religioso en los siglos siguientes convirtiéndose en una iglesia bizantina y posteriormente en una mezquita musulmana. El edificio se construyó para albergar la figura criselefantina de oro y marfil de Atenea Partenos de 12 m de altura y realizada por el propio Fidias. Ésta debía estar colocada en una celda para su devoción privada y personal. El conjunto de columnas presenta un equilibrio y una geometría matemática excepcional para la época.

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68."Impresión: sol naciente" (1872) de Claude Monet

PINTURA IMPRESIONISTA: Este cuadro tiene el honor de dar su nombre al movimiento pictórico más importante de todos los tiempos: el impresionismo. El motivo pictórico es el puerto de El Havre en Francia dejando de lado el dibujo académico para elaborar esta pieza con toques de pincel que sugieren más que delinean. Para Monet, el "paisaje es una impresión instantánea" y de ahí que surgiera este cuadro lleno de matices subjetivos. Se presentó en la primera exposición de pintores impresionistas (que en aquel momento no eran aún llamados así). Fue en esa muestra donde el crítico de arte Louis Leroy vio esta pieza e inspirado por su colorido escribió una ácida crítica en su períodico "El Charivari" denominándola "Exhibición de los impresionistas". De esta manera y de forma inadvertida dio nombre a este movimiento original e innovador.

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67."La piedad" (1499) de Miguel Angel

ESCULTURA RENACENTISTA: "La Pietà" de Miguel Angel es un grupo escultórico de gran belleza y armonía que podemos localizar en San Pedro del Vaticano. Esta maravillosa obra realizada en bulto redondo mantiene toda su fuerza en la parte frontal donde vemos a una Vírgen, joven y bella, sosteniendo al Hijo muerto, en una composición triangular que preconiza el manierismo. La escultura en sí destila una sensación de ternura, un idealismo sosegado y una tranquilidad estética como pocas. Es una obra finísima, de la cuál el propio Vasari consideró que no necesitaba ningún añadido o posible rectificación. El 21 de mayo de 1972, un perturbado golpéo la hermosa cara de la vírgen con un martillo, lo que comportó una amplia restauración de la obra y su posterior protección con grandes medidas de seguridad.

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66."Ermita de Quintanilla de las Viñas" (s.VII)

ARQUITECTURA VISIGODA: Nos encontramos ante una de las pocas muestras de construcción visigoda que se conserva en España. Además, esta pequeña iglesia-ermita es una parte de la cabecera y del transepto de una edificación posiblemente mayor. La ermita de Santa María, ubicada en Burgos, correspondería a una planta basilical en disposición de cruz latina. La construcción está realizada en sillería de gran tamaño y aparece en el interior y en el exterior arcos de herradura (prototípico del arte visigodo y no del islámico) y arcos de medio punto peraltados. Destacar los bellos roleos zoomórficos en los relieves colocados a media altura en los sillares exteriores.

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65."El beso" (1908) de Gustav Klimt

PINTURA SIMBOLISTA: Es, quizás, su obra más conocida, y sigue los cánones del simbolismo pictórico, con decoraciones en dorados (su padre era dorador de oficio) y mosaicos, elementos que influenciaron posteriormente en tendencias como el decadentismo catalán. Se ha hablado de una obra que representa el momento mitológico en que Apolo besa a Dafne, que se está conviertiendo en laurel según la obra "La metamorfosis" de Ovidio. Otras interpretaciones hablan de la fuerza masculina sobre la mujer con un beso forzado, debido al fuerte escorzo del cuello de ella y cómo ésta aprieta la mano sobre el hombro de él. Gustav Klimt fue el creador del movimiento de la Secesión en Viena.

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64."Loba capitolina" (471 a.C.)

ESCULTURA ROMANA: Luperca es el nombre de la loba que según la mitología amamantó a Rómulo y Remo cuando éstos fueron enviados a matar por el rey Amulio. La representación de este pasaje mítico ha quedado reflejado en esta excelente obra de bulto exento y realizada en bronce de poco más de un metro de ancho, donde vemos a la loba capitolina presentando sus ubres a los héroes romanos. Se ha hablado de que esta figura podría pertenecer al período etrusco, pero actualmente se ha puesto en duda su datación, y se ha considerado que pertenece a la Edad Media. También se ha dicho que los dos niños fueron un añadido posterior, de época renacentista y realizados por el escultor Antonio del Pollaiuolo.

63."Venus de Urbino" (1538) de Tiziano

PINTURA RENACENTISTA: Esta pieza del gran Tiziano también se llama "Venus del perrito" ya que éste acompaña a la mujer representada a los pies de la cama. Es un óleo que se encuentra en la Galeria Uffizi de Florencia. Se llama de Urbino porque fue el duque de ese mismo nombre el mecenas que encargó esta delicada pieza donde vemos a una bella joven tendida en una lujosa cama, totalmente desnuda y dentro de una arquitectura palaciega veneciana. Al fondo, atisbamos una apertura al exterior y dos criadas que están removiendo ropa en un arcón. El hecho de que haya representado un perro a su lado desmitifica la figura, haciéndola terrenal y no divinizada. La verdad es que no sabemos la identidad de la muchacha. Hay un cierto parecido con la "Venus dormida" de Giorgione, aunque esta obra parece huir ya del renacimiento buscando un cierto manierismo. Hay una cierta indolencia y erotismo en su posición, donde los colores claros y cálidos arropan una sensación de imagen etérea. Las grandes aportaciones de este pintor a la evolución de las formas sería: el uso de una perspectiva oblicua no centralizada y la tendencia carnal de las formas femeninas que tienden a una cierta voluptuosidad más típica del barroco.

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62."Catedral de Burgos" (1221-1260)

ARQUITECTURA GÓTICA: La catedral de Santa María de Burgos se inició en 1221 según los patrones del gótico francés aunque sufrió importantísimas modificaciones en los siglos XV y XVI como las agujas de la fachada principal o el cimborrio del crucero. Tampoco podemos olvidar que las portadas góticas de la fachada principal se retiraron en el siglo XVIII y se colocaron otras de corte neomedieval. En su interior no todos los elementos decorativos son góticos, sino que hay importantes aportaciones artísticas de estilo renacentista y barroco de Gil de Siloé o Juan de Ancheta, entre otros. Está declarado monumento nacional y obra del patrimonio de la humanidad de la Unesco. Las obras más interesantes que hay dentro del recinto son: la capilla del Condestable, toda una maravilla del gótico isabelino; el minucioso retablo gótico hispano-flamenco; la sillería del coro de corte renacentista plateresco; la espectacular Escalera Dorada de Diego de Siloé y el venerado Santísimo Cristo de Burgos. Tampoco podemos olvidar el famoso "papamoscas", una estatua articulada que mueve la boca cuando suenan las campanadas horarias. Sin duda, toda una joya del mejor estilo gótico hecho en la península ibérica.

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61."Fumador de pipa" (1891) de Paul Cezanne

PINTURA POSTIMPRESIONISTA: Una de las poses favoritas para Cézanne a la hora de realizar retratos será colocar a su modelo sentado y apoyando la cabeza sobre el codo que descansa en una mesa. Así surgen varias imágenes protagonizadas por un campesino de Aix que con mirada ausente y perdida, parece esperar tediosamente que transcurra la sesión ante el artista. La rigidez que caracterizan buena parte de los retratos del maestro de Aix se ve aumentada en esta serie por la expresiones pensativas y ausentes de los rostros de sus modelos. El fumador se presenta sentado, con la cabeza apoyada sobre un brazo acodado en una mesa -posiblemente para soportar mejor las prolongadas sesiones a las que sometía el maestro a sus modelos- con la mirada ausente y manifestando cierto aire melancólico. Posiblemente esta figura sea la más lograda de las versiones, inmersa dentro del proceso de depuración formal que Cézanne estaba manifestando en sus obras durante este periodo. Los tonos son limitados, aplicados de manera fluida, abandonando las pinceladas cortas y dinámicas que caracterizan la etapa impresionista. En la mesa sobre la que se acoda el fumador podemos apreciar cierta tendencia a la facetización, anticipando la manera de trabajar de los pintores cubistas ya en las primeras décadas del siglo XX.